Cine negro/thriller/gángster clásico: la cara oscura y sucia de la sociedad.

En esa lista de cine negro argentino faltan muchas de las mejores. Sería bueno que restauren obras maestras como Más allá del olvido, Rosaura a las diez y Últimos días de la víctima.


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Leave Her to Heaven (1945) - John M. Stahl

Es una película que se sitúa en la intersección entre el melodrama y el film noir. A nivel técnico y visual, destaca por su uso del Technicolor, lo que la diferencia de muchas otras obras del género. Esta elección de color contribuye a crear un ambiente visualmente atractivo y resalta la belleza de los paisajes que rodean la historia, como el lago y los bosques que enmarcan la casa de Richard, el protagonista. Además, le da un toque de extrañeza al ser una película que comienza de forma apacible y dulce; la primera media hora se centra en los personajes conociéndose, flirteando, nadando y tomando el sol, para luego transformarse poco a poco en algo tremebundo.

La paleta de colores es otra protagonista y, a la vez, una trampa: su oscura historia está representada en un glorioso Technicolor. El personaje principal parece hermoso y sofisticado, pero en realidad tiene un corazón malvado y es capaz de una gran crueldad. Una de las muchas locaciones exteriores, de belleza impresionante, se utiliza como escenario de un crimen atroz. De manera similar, se perpetra un acto de extrema maldad en una de las maravillosamente opulentas escenas interiores de la película. La naturaleza incestuosa de la relación de Ellen con su padre fallecido siempre está presente. El anhelo de Ellen por su padre no puede cumplirse, ya que es un tabú social. Además, su padre está muerto y Ellen busca un reemplazo. Le gusta Richard precisamente porque se parece a su padre, y esa pasión desbordante la lleva al crimen.

Spoiler:

Asesina a Danny, para quien Richard asume el papel de un padre ausente, porque siente que la están empujando a la posición de madre de Danny, es decir, la pareja de Richard, lo cual va en contra de lo que realmente desea (que él actúe como su padre). Por la misma razón, siente que debe deshacerse del hijo no nacido, ya que Richard se convertiría en el padre de un niño, pero no de ella. Es importante mencionar que la escena del aborto es precedida por otra en la que Ellen descubre que su habitación, que luego se transformó en el laboratorio de su padre, está siendo remodelada nuevamente por su familia para convertirse en una habitación para el niño no nacido. Esta revelación la frustra mucho. El lugar que alguna vez fue su habitación ahora debería ser un espacio para un niño que la reemplazará en su relación con Richard.



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Beyond the Forest (1949) - King Vidor

La historia clásica de una pueblerina que aspira a ser burguesa. Los pros y contras de la vida en un pequeño pueblo estadounidense se muestran de manera vívida, al igual que el enfoque central de una mujer que persigue sus sueños y detesta el rol que se les ha asignado a las mujeres tras la Segunda Guerra Mundial. Las metáforas abundan y se entrelazan con el desequilibrio psicológico de la mente de Rosa, ya sea a través del horno de la fábrica que ilumina el cielo infernalmente a intervalos frecuentes o del tren de vapor que retumba en el centro del pueblo, llevando a la gente hacia la gran ciudad de Chicago. Vidor inserta magistralmente estos elementos sonoros como símbolo de una vida que Rosa nunca tendrá. Comenzando con un flashback, Vidor se adentra firmemente en un ámbito noir, que se mantiene a lo largo de la película, con la considerable ayuda de la fotografía de Burks; las luces tenues y laterales cobran protagonismo en el último tercio, cuando el eje de la femme fatale alcanza un clímax trágico.
 

Sala66 - Barbara Stanwyck en “Voces de Muerte” (Sorry,___.jpg

Sorry Wrong Number (1948)​


Revisé esta de Litvak y, si tuviera que elegir unas pocas películas para comprobar la importancia de la puesta en escena, Sorry, Wrong Nunber estaría entre las más importantes. Está cuidadosamente construida y es extremadamente entretenida. Cada toma está elaborada con atención al detalle. Litvak era conocido por planificar cada disposición de la cámara con antelación, y probablemente por eso muchas escenas están tan artísticamente iluminadas y enmarcadas.

El director hace movimientos llamativos con la cámara, pero no son gratuitos; siempre revelan información. El guion, conciso, plantea el conflicto en los primeros tres minutos. Stanwyck define su personaje a la perfección, mostrando su obsesión, su neuroticismo y su amor erróneo por su marido ausente. Todo lo que el director muestra tensa aún más la situación. Cada flashback enreda la trama hasta crear una atmósfera insoportable, y la ominosa partitura de Franz Waxman ayuda a mantener una sensación de fatalidad inminente, culminando en esos diez minutos finales absolutamente inmisericordes, que Litvak rueda con una frialdad que quita el aliento. El cabrón no tiene compasión, es implacable.

'The telephone. It is the servant of our common needs – the confidante of our inmost secrets… life and happiness wait upon its ring… and horror… and loneliness… and… death!!!'

Estupenda.

Por cierto, aquí está el drama radial en el que está basada la película, una joyita.
 
Me parece una buena película, pero ese estilo que destacas se me hizo demasiado evidente. En unos años absolutamente memorables de cine negro se me queda algo eclipsada.
 
Puede. Incluso ese mismo año tengo mejor puntuadas Pitfall, Behind Locked Doors, Los amantes de la noche y hasta Raw Deal y la peli se estrenó poco después de Retorno al pasado que dejó el listón muy alto.

Aun así estupenda.
 
Sí, incluso añadiría Cry of the City, Berlin Express, Naked City y Force of Evil.
 
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