Fotografía Cinematográfica

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"M" ("M, El Vampiro de Düsseldorf"), de Fritz Lang (1931), fotografiada por Fritz Arno Wagner.

Emblemático film policial de Lang, sobre la búsqueda de un asesino de niñas en una ciudad alemana, tanto por parte de las autoridades como de los delincuentes locales, que también se ven afectados por el incremento de la actividad policial en el lugar. Estéticamente es una película muy lograda, en la que Lang y su director de fotografía logran crean una atmósfera muy adecuada a base de una iluminación de alto contraste que permite una clara diferenciación entre las zonas de luz y sombra. La imagen no va tan allá como en algunos de los otros clásicos germanos de la época, aunque también hay algunos interesantes juegos con los movimientos de cámara que compensan el hecho de que muchos de los decorados sean demasiado evidentes.

"The Thomas Crown Affair" ("El Caso de Thomas Crown"), de John McTiernan (1999), fotografiada por Tom Priestley.

Parece ser que fue Ericson Core el director de fotografía que inició el rodaje de este film, cuya fotografía final firma Tom Priestley. No parece ni mucho menos un cambio relevante, porque a pesar del presupuesto, de las localizaciones y de las posibilidades de la historia, se trata de una fotografía completamente impersonal y rutinaria, cuya única virtud es lograr que los dos actores principales luzcan razonablemente bien, aunque sin demasiadas alegrías. El trabajo de cámara de McTiernan en formato anamórfico, así como su gusto por la introducción de numerosos flares en la imagen, eleva un poco la cosa por encima de lo que hubiera sido una estética prácticamente televisiva.
 
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B FISHER siempre se ha visto un poco mal, no? (incluso el DVD). Mejora esa version HD? (HDTV? BD?).
 
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Yo la he visto en HDTV y la calidad tampoco era óptima, quizá un poco por debajo de la media de cómo se ven los títulos de la época.
 
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¿Qué me podéis contar de la fotografía de "Un hombre para la eternidad"?

Es que me ha parecido una fotografía impecable, muy detallada y sobre todo tratando la naturaleza y las edificaciones con una realeza maravillosa.
 
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"A Man For All Seasons" me parece maravillosa, pero lamento decir que ni el sudafricano afincado en Inglaterra Ted Moore [BSC] en general ni su fotografía en particular para esta película me parecen gran cosa, aún a pesar de que ganó por ella el Óscar en 1966. El estilo de Moore, que no varió aquí en absoluto, consistía en sobreiluminar los decorados de enormes cantidades de luz dura. No es que Moore hiciese algo desfasado o fuera de lugar, porque un compañero suyo de generación como Geoffrey Unsworth también empleaba luces duras en aquélla época en films equiparables como "Beckett" (1964) ó "Cromwell" (1970), pero en el caso de Moore, las imágenes son demasiado planas, poco contrastadas y presentan múltiples sombras sobre suelos y paredes de los decorados, revelando el empleo de múltiples fuentes de iluminación, lo que en mi opinión suele quedar bastante mal. Lo que sí tiene "A Man For All Seasons", claro, es un estupendo diseño de producción de John Box -que por aquélla época era el decorador de David Lean- que hace que la fotografía de Moore quede algo más aparente de lo que en realidad es.

Moore ni siquiera tenía un gran prestigio en Inglaterra. A modo de ejemplo, después de haber realizado los primero cuatro títulos de la serie Bond, en cuanto el presupuesto y las localizaciones/decorados fueron lo suficientemente grandes, los productores no tuvieron en el menor reparo en sustituirle por Freddie Young en "You Only Live Twice". Y cuando Ted Moore volvió a la serie con "Diamonds Are Forever" y los dos primeros títulos de Roger Moore, fue como consecuencia de una nueva reducción en los presupuestos. Rodando "The Man With The Golden Gun" (1974) fue sustituido por Oswald Morris a mitad del rodaje por una enfermedad que le obligó a retirarse del cine hasta su reaparición en "Orca" en el 77, de la que lo más destacable a nivel visual son algunos planos de efectos fotográficos, pues escenas como la final revelan a gritos su rodaje en estudio cuando pretenden pasar por exteriores árticos. Y hacia el final de su carrera nos encontramos con el original de "The Clash of the Titans", cuya apariencia cutre debe mucho al trabajo de un operador que se había quedado estancado en un estilo muy anticuado en el que ni siquiera era demasiado hábil.

A Moore únicamente le reconozco un trabajo verdaderamente inspirado y consistente: "From Russia With Love", hasta el punto que no parece de él.
 
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Pues vaya lo que descubre uno.

El estilo de Moore, que no varió aquí en absoluto, consistía en sobreiluminar los decorados de enormes cantidades de luz dura.

Cuando dices luz dura, ¿te refieres al tipo de iluminación que se ve dentro de las habitaciones? Es decir, cuando están en el comedor o sitios así, se ve una iluminación muy "iluminada", valga la redundancia.

Bueno, más o menos lo que describes aquí.

revelando el empleo de múltiples fuentes de iluminación, lo que en mi opinión suele quedar bastante mal.

En cambio, todo lo que implica escenarios naturales como son las escenas en el río, los castillos (exterior, por supuesto), o la vegetación... me ha parecido una buena fotografía pues plasma muy bien la realidad de ese elemento (hay un plano que me encanta que es la iluminación del sol ¿al amanecer? (no estoy muy seguro) y se ve el bote que tiene que transportar un mensaje. Me encanta ese plano, me pareció maravilloso).

Lo que sí tiene "A Man For All Seasons", claro, es un estupendo diseño de producción de John Box -que por aquélla época era el decorador de David Lean- que hace que la fotografía de Moore quede algo más aparente de lo que en realidad es.

En esto te doy la razón, que es lo que me ha llamado la atención de la peli en ese aspecto.

Gracias por la info del prestigio de Moore en Inglaterra. ;)
 
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Las escenas exteriores o las tomas de los títulos de crédito (creo que son los atardeceres/amaneceres a los que te refieres) sí que están bastante mejor, pero precisamente porque Moore no tenía que iluminar o tenía que hacerlo en menor medida que en interiores de estudio.

Luces duras son focos empleados de forma directa sobre los actores o el decorado, sin utilizar un material difusor o un rebote de luz. Producen una intensidad de luz mucho mayor (de ahí que se utilizasen casi siempre, porque los negativos eran muy poco sensibles) y también producen sombras oscuras y con los bordes muy definidos, parecido a los de la luz solar. Si empleas una de frente y otra lateral sobre un personaje... voilá, ya tienes dobles sombras.

A muy grandes rasgos, las técnicas modernas de iluminación, gracias a que los negativos o cámaras HD generalmente son mucho más sensibles a la luz, utilizan esos mismos focos, pero a través de sedas u otro material que las suaviza/difumina (aunque reduzca su intensidad). También se pueden rebotar en paneles reflectores, techos, paredes, paraguas de fotógrafo... además hoy en día se emplean también unidades de luz que directamente son suaves, como los fluorescentes. Estas softlights son mucho menos intensas, pero apenas producen sombras, suelen ser más favorecedoras y también suelen parecer más naturales, aunque también presentan retos y problemas (como crear contraste y modularlas correctamente).
 
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Las escenas exteriores o las tomas de los títulos de crédito (creo que son los atardeceres/amaneceres a los que te refieres) sí que están bastante mejor, pero precisamente porque Moore no tenía que iluminar o tenía que hacerlo en menor medida que en interiores de estudio.

Exacto, en los títulos de crédito. Que pillastre este Moore.

En cuanto a Luces duras no tenía ni idea.

Entonces, en el tema Luces duras... ¿dime un ejemplo de buen empleo o que esté tan bien puesto que casi ni se note?

También se pueden rebotar en paneles reflectores, techos, paredes, paraguas de fotógrafo... además hoy en día se emplean también unidades de luz que directamente son suaves, como los fluorescentes.

Ah, amigo. Ahora entiendo el porqué de los paraguas... es que una vez fuí a hacerme unas fotos de carnet y en la tienda donde me las hicieron había un montón de artilugios como los que citas (inclusive el paraguas) y no entendía el porqué.
 
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Las luces duras están en casi todo el cine anterior a 1970, tanto en color como en blanco y negro, aunque suelen ser más evidente en el cine en color anterior a esa fecha. Como explicaba antes, las emulsiones fotográficas anteriores a 1968 (cuando se introdujo la película Kodak 5254 de 100 ASA, que aceptaba bien el forzado a 200 ASA) eran muy poco sensibles y tenían una latitud mucho menor, por lo que era absolutamente necesario utilizar una gran intensidad de luz, incluso en exteriores para rellenar las sombras de los rostros. Fueron los operadores de la nouvelle vague (Raoul Coutard, Henri Decae ó Néstor Almendros) quienes empezaron a utilizar en cine carretes de películas de fotografía tradicional en blanco y negro que permitían niveles de luz inferiores, por lo que podían iluminar sus escenas con luz rebotada en el techo o incluso con la luz disponible. En Inglaterra, David Watkin empezó a experimentar en color con técnicas de luz rebotada y desde una única fuente y en cuestión de diez o quince años sus novedosas técnicas eran ya práctica común.

En mi opinión, las luces duras quedan mejor en blanco y negro, sobre todo cuando se emplean para crear grandes contrastes entre zonas de luz y sombra (véase el expresionismo alemán o el cine negro americano). Pero eso no quita que en color haya unas cuantas obras maestras que emplean el estilo, como "Doctor Zhivago" y "Nicholas and Alexandra" (Freddie Young), "Gone With The Wind" (Ernest Haller), "Cleopatra" (Leon Shamroy), "Raiders of the Lost Ark" (Douglas Slocombe), "West Side Story" (Daniel L. Fapp)... la lista podría ser interminable. Lo que cuenta, esencialmente, es que se cree contraste, separación entre colores, fondos y personajes y, sobre todo, que no se caiga en la sobreiluminación.

Para estudiar muy bien la evolución desde la fotografía en color típica de los 60 a las más modernas tendencias, recomiendo repasar la carrera de Conrad Hall, desde sus primeros trabajos ("Morituri", "Harper", "The Professionals"), su etapa de transición ("In Cold Blood", "Butch Cassidy and the Sundance Kid", "Fat City", "Day of the Locust") a sus obras desde finales de los 80, 90 y años 2000, tan modernas como las de cualquier operador contemporáneo.
 
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yo tengo una pregunta, no se si sera una estupidez, pero los movimientos de camara, colocacion de los actores, localizaciones de rodaje y el tipo de plano a filmar, a quien corresponde al director o al DP?
 
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Pues esa es otra duda eterna y la respuesta es que... depende del director. Hay directores con una fuerte personalidad visual, como pudieron ser Stanley Kubrick, Akira Kurosawa o David Lean, o como lo son David Fincher, Terrence Malick, Brian de Palma ó Steven Spielberg que, a pesar de tener formaciones y métodos absolutamente distintos entre sí, son quiénes elaboran el estilo visual de sus películas, deciden el tipo de planos, la colocación de actores, las ópticas (focales) adecuadas para conseguirlos y hasta sugieren a sus operadores el tipo de aparatos de iluminación que son necesarios para cada toma. Por eso tienen estilos visuales reconocibles, independientemente de los directores de fotografía con los que trabajen. Y esto es porque el director es el último responsable de cada aspecto de la película, pero puede ser un jefe que se implica y decide hasta el último detalle, como éstos que cito, o puede ser un jefe que habla en términos generales con sus subordinados, a los que otorga un grado de libertad (que a veces es total) para trabajar y les deja participar en las decisiones artísticas y no sólo en las técnicas.

Y por supuesto, en el extremo contrario están aquéllos directores cuya formación no es visual o plástica, sino que provienen por ejemplo del mundo del teatro, o de la actuación, por lo que tienden mucho más a dejar que sea un profesional quien se encargue totalmente de la parte técnica e incluso de la artística. El acabado visual del cine de estos directores suele ser muy dependiente de los operadores que escojan o a los que puedan tener acceso y cuando un operador con un estilo consolidado trabaja con un director de este tipo, ese estilo suele acabar apareciendo en pantalla.
 
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En El exorcista de Blatty, la actriz Chris McNeil quería dar el salto a la dirección para promocionar más su carrera... y cada vez que le hablaba a su agente de su inseguridad sobre si tendría talento como realizadora, éste le decía "simplemente contrata a un buen director de fotografía y deja que haga todo el trabajo". :juas
 
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crei que Harmo soltaria el nombre de woody allen en su segundo parrafo... Se esta ablandando. :no
 
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...y si lo hubiera nombrado, diríais que me repito...

:D

Simplemente basta con comparar "Interiores" o "Manhattan" con "Hollywood Ending"...
 
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Menuda clase de fotogramía más dao, Harmo. ;)

En mi opinión, las luces duras quedan mejor en blanco y negro, sobre todo cuando se emplean para crear grandes contrastes entre zonas de luz y sombra (véase el expresionismo alemán o el cine negro americano).

Es que supongo que al ser en blanco y negro el contraste y la iluminación es más llamativa o acentuada (al ser en color, entran en juego más elementos y colores).

Pero eso no quita que en color haya unas cuantas obras maestras que emplean el estilo, como "Doctor Zhivago" y "Nicholas and Alexandra" (Freddie Young), "Gone With The Wind" (Ernest Haller), "Cleopatra" (Leon Shamroy), "Raiders of the Lost Ark" (Douglas Slocombe), "West Side Story" (Daniel L. Fapp)... la lista podría ser interminable. Lo que cuenta, esencialmente, es que se cree contraste, separación entre colores, fondos y personajes y, sobre todo, que no se caiga en la sobreiluminación.

Madre mía, es que estos títulos son clásicos en ese apartado. Te hacen sentirla, por así decirlo (sobre todo, para mi gusto, Raiders, West side y Zhivago).
 
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Vamos a trempar un poco el hilo :juas

Harmonica, como supongo que debes haber visto alguna que otra película porno, ¿qué tipo de fotografía se utiliza en este género? Yo sé, por ejemplo, que al director Mario Salieri no le interesan los decorados y sólo ilumina a los actores.
 
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...hombre, es que no creo que en ese tipo de producciones interese otra cosa que no sean las actrices, perdón, actores (en neutro)...
 
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Harmonica, no quiero parecer pesado pero, ¿puedes comentar el tipo de fotografía que se utiliza en el porno? Gracias.
 
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En el cine porno más que luz dura, se utiliza la luz "erecta" :cuniao, que consiste en encender todo lo que tengas a mano, ya sean focos o softlights, para hiperiluminar a los "actores", incluidos su orificios, pero sin hacer sombras (como en las producciones televisivas patrias, vamos).

El Salieri ese sí que utiliza una luz dura (no tan erecta), para producir claroscuros y contrastes. Vamos, que se preocupa por la fotografía de sus producciones (básicamente, que no lo muestra todo).

¿Y la anécdota de Barry Sonnenfeld cual es? ¿aquella en la que estaba rodando cierta escena porno por la retaguardia en la que se produjo un efecto de "descorche" inesperado? :mparto
 
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"The Edge" ("El Desafío"). Donald M. McAlpine demuestra su suficiencia técnica una vez más en una película cuyo rodaje en exteriores debió de ser bastante complicado, con problemas climáticos y localizaciones de dificil acceso. Algunas de sus tomas en exteriores captan muy bien la dureza del paisaje y le dan a la película un aire de gran producción, pero como siempre ocurre con el australiano, no se aprecia en ningún momento la menor inspiración ni a la hora de iluminar sus escenas nocturnas, ni con sus composiciones ni con su trabajo de cámara en general. Aún así, es un trabajo que está bien y que incluso muestra numerosos flares anamórficos, pese a que me molesta bastante su uso de la luz de relleno sobre los rostros de los actores en todos los exteriores, ya que siempre lo utiliza de forma frontal y elimina por completo el contraste y las sombras, una manera de retratarlos que bajo mi punto de vista es demasiado comercial y resta naturalidad a la imagen. Igual que echo de menos a un John Boorman en la dirección, no puedo dejar de pensar qué hubiesen logrado con este film el John Toll de los 90, el Emmanuel Lubezki de la actualidad o el británico John Alcott.
 
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Harmo ¿que opinas del trabajo de Rousselott en Entrevista con el vampiro? me ha gustado toda la ambientación tenebrista pero a cambio se sacrifica bastante nitidez, los actores por momento recuerdan a los del cine mudo con esos rostros blancos tan resplandecientes.

Entrevista-con-el-Vampiro.gif
 
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