Fotografía Cinematográfica
- Autor Magnolia
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Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Primeras imágenes de "Moneyball", de Bennett Miller ("Capote"), en la que Wally Pfister sustituyó a Adam Kimmel tras el escándalo sexual que protagonizó el segundo poco antes de comenzar el rodaje. Curiosamente, creo es la primera película de Pfister que no es Scope en muchos años (1.85:1).
Primeras imágenes de "Moneyball", de Bennett Miller ("Capote"), en la que Wally Pfister sustituyó a Adam Kimmel tras el escándalo sexual que protagonizó el segundo poco antes de comenzar el rodaje. Curiosamente, creo es la primera película de Pfister que no es Scope en muchos años (1.85:1).
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hoy he visto EL PADRINO en pantallon. Que bonita, no? Aunque a ratos, tanto color me ha recordado casi mas a Storaro que a Willis. Cosas de la restauracion?
hoy he visto EL PADRINO en pantallon. Que bonita, no? Aunque a ratos, tanto color me ha recordado casi mas a Storaro que a Willis. Cosas de la restauracion?
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
¿Te refieres al tono amarillento (ámbar que lo llamaba Willis)?
A mí me recuerda mucho más a "El Gatopardo" (Rotunno), que era uno de los modelos obvios para las escenas sicilianas, aunque la idea era más bien crear reminiscencia de los procesos fotográficos (más bien de foto fija) Kodachrome o Ektachrome. Storaro lo empezó a hacer por aquélla época, aunque quizá un pelín después. De todas formas, la 2ª parte, que le fue ofrecida en primer lugar a Storaro (que la rechazó), es aún mucho más amarillenta y difusa. La restauración ha alterado los tonos, pero el dorado siempre estuvo ahí.
¿Te refieres al tono amarillento (ámbar que lo llamaba Willis)?
A mí me recuerda mucho más a "El Gatopardo" (Rotunno), que era uno de los modelos obvios para las escenas sicilianas, aunque la idea era más bien crear reminiscencia de los procesos fotográficos (más bien de foto fija) Kodachrome o Ektachrome. Storaro lo empezó a hacer por aquélla época, aunque quizá un pelín después. De todas formas, la 2ª parte, que le fue ofrecida en primer lugar a Storaro (que la rechazó), es aún mucho más amarillenta y difusa. La restauración ha alterado los tonos, pero el dorado siempre estuvo ahí.
Elliott
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un poco eso... y otro que esperaba una peli aun mas oscura. Se ve muy bien, anyway.
por cierto, la restauracion de EL GATOPARDO tambien ha variado colores. Viste mi link en "ediciones BD"?
un poco eso... y otro que esperaba una peli aun mas oscura. Se ve muy bien, anyway.
por cierto, la restauracion de EL GATOPARDO tambien ha variado colores. Viste mi link en "ediciones BD"?
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"El Padrino II" es bastante más oscura (hay una escena entre Michael Corleone y su madre sobre la que el propio Willis reconocía que se había pasado en la subexposición), aunque la primera parte, sobre todo en los exteriores nocturnos, tiene muchísima menos luz que el cine de la época. Lo realmente novedoso aquí fue que a Willis le daba lo mismo que se le vieran los ojos a Brando e incluso hay escenas iluminadas por simples bombillas (como cuando Michael va a recoger la pistola en el baño del restaurante). Opino que ambas son maravillosas, pero la 2ª parte es un trabajo que, siguiendo la línea de la 1ª, va más allá, asume más riesgos visuales y tiene (en las escenas de De Niro) una reconstrucción (Tavoularis) y un aspecto de época (poca nitidez, filtros de bajo contraste, aspecto amarillento) que si no es lo mejor que he visto en mi vida, desde luego está entre lo mejor. Y todas las escenas en el lago Tahoe, tanto interiores como exteriores, también son maravillosas, con muchos interiores en los que parece que a Willis se le ha olvidado encender la luz principal y está rodando únicamente con las lámparas y la de relleno.
Sí que he visto capturas de la nueva restauración de "El Gatopardo", supervisada por Rotunno, en la que sí es cierto que, aún manteniendo el aspecto cálido, parece que han obtenido tonos más naturales. Yo sólo he visto la anterior, en la que el color parecía más bien creado en el telecinado (como por cierto, ocurría en las anteriores versiones de "El Padrino"). Lo curioso es que parece que la han transferido full-frame, cuando realmente, al estar rodada en Technirama para su exhibición en 70mm (Super Technirama 70), lo que sucede es que se está mostrando más imagen de la que realmente se pensaba proyectar, por lo que tendría que verla para saber exactamente cuál de las dos versiones (antigua o nueva) es más correcta.
P.D. ya he terminado "Carlos", mañana me extiendo.
"El Padrino II" es bastante más oscura (hay una escena entre Michael Corleone y su madre sobre la que el propio Willis reconocía que se había pasado en la subexposición), aunque la primera parte, sobre todo en los exteriores nocturnos, tiene muchísima menos luz que el cine de la época. Lo realmente novedoso aquí fue que a Willis le daba lo mismo que se le vieran los ojos a Brando e incluso hay escenas iluminadas por simples bombillas (como cuando Michael va a recoger la pistola en el baño del restaurante). Opino que ambas son maravillosas, pero la 2ª parte es un trabajo que, siguiendo la línea de la 1ª, va más allá, asume más riesgos visuales y tiene (en las escenas de De Niro) una reconstrucción (Tavoularis) y un aspecto de época (poca nitidez, filtros de bajo contraste, aspecto amarillento) que si no es lo mejor que he visto en mi vida, desde luego está entre lo mejor. Y todas las escenas en el lago Tahoe, tanto interiores como exteriores, también son maravillosas, con muchos interiores en los que parece que a Willis se le ha olvidado encender la luz principal y está rodando únicamente con las lámparas y la de relleno.
Sí que he visto capturas de la nueva restauración de "El Gatopardo", supervisada por Rotunno, en la que sí es cierto que, aún manteniendo el aspecto cálido, parece que han obtenido tonos más naturales. Yo sólo he visto la anterior, en la que el color parecía más bien creado en el telecinado (como por cierto, ocurría en las anteriores versiones de "El Padrino"). Lo curioso es que parece que la han transferido full-frame, cuando realmente, al estar rodada en Technirama para su exhibición en 70mm (Super Technirama 70), lo que sucede es que se está mostrando más imagen de la que realmente se pensaba proyectar, por lo que tendría que verla para saber exactamente cuál de las dos versiones (antigua o nueva) es más correcta.
P.D. ya he terminado "Carlos", mañana me extiendo.
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Dani J.
Miembro habitual
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Haciendo un poco de off topic, y sabiendo que la fuiste a ver al Verdi de Barcelona ¿te pusieron una buena copia en HD o te proyectaron la actual edición BD así tal cual?
Haciendo un poco de off topic, y sabiendo que la fuiste a ver al Verdi de Barcelona ¿te pusieron una buena copia en HD o te proyectaron la actual edición BD así tal cual?
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“Carlos” (Olivier Assayas, 2010, fot: Yorick Le Saux & Denis Lenoir, ASC, AFC):
Recreación de la vida del terrorista/mercenario de origen venezolano Ilich Ramírez Sánchez, más conocido como Carlos “El Chacal”, quien desde principios de los años 70, hasta su captura en 1994, estuvo relacionado con múltiples atentados y causas delictivas en su lucha contra el capitalismo y apoyo a los movimientos árabes pro-palestinos. Rodada en un total de 135 localizaciones durante 95 días, en países como Austria, Francia, Alemania, Hungría, Líbano, Sudán, Inglaterra o Yemen, el film se ha estrenado en salas cinematográficas en una versión de 165 minutos, así como en un montaje de 330 minutos específico para televisión, versión esta última que contiene segmentos brillantes (como por ejemplo todo lo relacionado con la cumbre de la OPEP de 1975), pero también algunos altibajos en los que el interés en la narración decae notablemente. Filmada además en múltiples idiomas (francés, alemán, inglés, árabe, húngaro, ruso, español o japonés), “Carlos” se entronca de forma más directa con el clásico thriller internacional de los años 60 y 70 que con un film político, aspecto en el que Assayas se limita a mostrar, sin tomar un evidente partido.
El director empleó a dos de sus colaboradores habituales como directores de fotografía. Yorick Le Saux llevó a cabo la preproducción junto con Assayas y rodó aproximadamente la mitad del metraje final, pero cuando su mujer dio a luz, tuvo que ser sustituido por Lenoir, quien rodó la otra parte restante. Gracias a este último, o bien a la buena labor del director, el cambio de operador es absolutamente imperceptible, gozando el film de una absoluta consistencia estilística. El aspecto e inspiración es eminentemente realista y está obtenido a través de varios elementos. En primer lugar, mediante un muy destacable diseño de producción de François-Renaud Labarthe, quién escoge y redecora con gran acierto múltiples localizaciones, así como por el muy adecuado vestuario de Françoise Clavel.
En cuanto a la imagen, destacan una serie de decisiones que determinan el aspecto final: en primer lugar, la elección de rodar en celuloide, puesto que en palabras de Le Saux, rodando rápido y sin un control absoluto de la luz, era la mejor forma para salir airoso de la situación. En segundo, el empleo del formato 2-perf Super 35mm, equivalente absoluto del famoso Techniscope vigente desde 1961 a 1975, del cual se obtiene una imagen panorámica (2.40:1), de una mayor textura (puesto que emplea un área menor del negativo, lo que produce más grano) y posibilita rodar tomas de mayor duración que en Super 16mm (otra opción valorada por los cineastas, pero desechada por Assayas, a quien le gusta rodar tomas muy largas). En tercer lugar, Le Saux y Lenoir, en todo momento, aunque en distintos grados, siempre emplean una combinación de dos filtros: Soft/FX, para reducir el detalle de la imagen, su nitidez y contraste, así como White Pro-Mist, para crear halos en torno a las fuentes de luz y potenciar los efectos del primero. E incluso, ambos filtros se combinan con humo en determinadas escenas interiores. Y en cuarto y último lugar, la decisión de sobreexponer muy fuertemente las tres emulsiones Kodak utilizadas (5219, 5212 y 5217, de 500T, 100T y 200T, respectivamente), lo cual conlleva que las altas luces casi siempre aparecen quemadas y ello, conjugado con la difusión en cámara, produce imágenes muy lechosas, con muchos destellos y sin detalle en los blancos (efecto que más de uno, en determinados instantes, podría confundir con un adquisición en HD). Asimismo, también hay una clara diferenciación estilística entre las escenas rodadas en Europa, generalmente azuladas y frías, aparentemente fruto de no corregir por completo las emulsiones de tungsteno para luz diurna, con las rodadas en Oriente Medio, muy cálidas y mucho más sobreexpuestas, en las que Lenoir y Le Saux emplearon además, con frecuencia el filtro 85 junto con un Antique Suede, a fin de virar la paleta hacia esos tonos, aunque seguramente también haya manipulación en la etapa del Digital Intermediate.
El estilo de iluminación es realmente simple y, con frecuencia, está diseñado para largas tomas en los que los personajes se mueven por toda la localización, o incluso para tomas en 270 o 360 grados. Los interiores nocturnos contienen un buen número de fuentes integradas en el decorado, que hacen gran parte del trabajo real, simplemente apoyadas, en ocasiones, en alguna luz rebotada para rellenar algo las sombras o subir los niveles. Las diurnas, hacen un enorme uso de la luz disponible, cuando esto es posible, simplemente complementadas a través de algún HMI rebotado o fuertemente difuminado para crear algo de contraste, mantener la continuidad o niveles aceptables. Tampoco faltan, en general, los interiores rodados con luz fluorescente sin corregir, aunque produzcan un tono azulado en lugar del verdoso que era habitual en los films de la época. Los exteriores nocturnos son muy interesantes, puesto que además de tener una apariencia natural y oscura, están retratados con una excelente imitación de la luz de sodio, evitando, por consiguiente, el clásico tono azulado para estas escenas. En exteriores diurnos, si es que se utiliza iluminación artificial, simplemente tiene como objetivo equilibrar los niveles, generalmente con respecto a los fondos, para evitar que éstos luzcan excesivamente sobreexpuestos. El empleo de todas estas técnicas y herramientas, sobre una ambientación realmente buena, cumple con la misión de trasladar globalmente al espectador a la época que representa cada escena, aunque desgraciadamente, no todos los elementos de la puesta en escena, analizados por separado, son positivos o bien funcionan a la perfección.
Aunque en ningún momento se podría decir que “Carlos” sea una película o miniserie mal rodada, quizá lo que se echa en falta, especialmente en las escenas de más acción o tensión, sea precisamente un trabajo de planificación de la puesta en escena, es decir, que dichas escenas estén filmadas desde ángulos más dramáticos, o a través de tomas más largas no fragmentadas en el montaje, en lugar de hacer uso de muchos planos o primeros planos cerrados y muchos cortes en la edición, como es el caso. Ello, por ejemplo, lo comprendió muy bien Steven Spielberg en “Munich”, cuya puesta en escena sí que hacia uso del gran angular e incluso de una herramienta que no aparece en ningún momento en “Carlos” y que hubiera tenido una maravillosa justificación por la época: el zoom. En “Carlos”, hay mucha cámara al hombro, planos cercanos con un solo personaje, escasa profundidad de campo (diafragmas abiertos con NDs) y muchos menos travellings o grúas que en el cine que está pretendiendo imitar, al menos en cierto modo. Sin embargo, el aspecto logrado a través de la iluminación de Le Saux y Le Noir, que si bien, como se ha indicado, sí transporta a la época, se parece bastante más al que realizara Janusz Kaminski en el citado film de Spielberg (incluso compartiendo un esquema de color idéntico), pero cuya sobreexposición, a mi juicio, no es un elemento que traslade a los años 70, época en la que precisamente, lo que se empleaba era la subexposición para lograr, en ocasiones, enormes niveles de oscuridad. De hecho, no hay un solo film referencia de estos dos que contenga secuencias en las que la sobreexposición llegue a ser tan brutal, con los blancos absolutamente quemados y con enormes halos fruto de la difusión en cámara.
Técnicamente, por consiguiente, estos instantes (los menos, para ser justos) son reprobables, como también lo serían algunas variaciones bastante evidentes en la densidad del negativo (que producen negros muy lechosos, ocasionalmente, así como inconsistencia cuando están montados entre tomas de densidad normal), extraños reflejos de las fuentes de luz en las ópticas, algunos saltos en la continuidad de la luz en los exteriores (por ejemplo, Carlos hablando con el periodista, o Carlos siendo despedido por Wadie Haddad), pero sin embargo, en el contexto de realidad en el que se mueve el film, dichos problemas se pasan por alto fácilmente, e incluso, en determinados momentos, se echa en falta que los operadores no maltrataran aún más las emulsiones para obtener una mayor textura de los mismas, o bien que no recurrieran a unas ópticas más antiguas que los Primo esféricos de Panavision, aunque con el filtraje empleado sus cualidades lucen seriamente comprometidas.
Por consiguiente, globalmente, nos encontramos ante un trabajo visual muy rico, con un aspecto y una recreación de época que más que perfectos, son muy estimulantes, diferentes y con personalidad, aunque las elecciones técnicas (sobreexposición) o estilísticas (cámara al hombro) no siempre retraten el período de la forma más fiel posible. Sin embargo, con las múltiples localizaciones, un presupuesto no muy elevado y el breve calendario de rodaje, aunque el concepto a veces sea mejor que la ejecución, el aspecto final debe ser considerado como notable.
“Carlos” (Olivier Assayas, 2010, fot: Yorick Le Saux & Denis Lenoir, ASC, AFC):
Recreación de la vida del terrorista/mercenario de origen venezolano Ilich Ramírez Sánchez, más conocido como Carlos “El Chacal”, quien desde principios de los años 70, hasta su captura en 1994, estuvo relacionado con múltiples atentados y causas delictivas en su lucha contra el capitalismo y apoyo a los movimientos árabes pro-palestinos. Rodada en un total de 135 localizaciones durante 95 días, en países como Austria, Francia, Alemania, Hungría, Líbano, Sudán, Inglaterra o Yemen, el film se ha estrenado en salas cinematográficas en una versión de 165 minutos, así como en un montaje de 330 minutos específico para televisión, versión esta última que contiene segmentos brillantes (como por ejemplo todo lo relacionado con la cumbre de la OPEP de 1975), pero también algunos altibajos en los que el interés en la narración decae notablemente. Filmada además en múltiples idiomas (francés, alemán, inglés, árabe, húngaro, ruso, español o japonés), “Carlos” se entronca de forma más directa con el clásico thriller internacional de los años 60 y 70 que con un film político, aspecto en el que Assayas se limita a mostrar, sin tomar un evidente partido.
El director empleó a dos de sus colaboradores habituales como directores de fotografía. Yorick Le Saux llevó a cabo la preproducción junto con Assayas y rodó aproximadamente la mitad del metraje final, pero cuando su mujer dio a luz, tuvo que ser sustituido por Lenoir, quien rodó la otra parte restante. Gracias a este último, o bien a la buena labor del director, el cambio de operador es absolutamente imperceptible, gozando el film de una absoluta consistencia estilística. El aspecto e inspiración es eminentemente realista y está obtenido a través de varios elementos. En primer lugar, mediante un muy destacable diseño de producción de François-Renaud Labarthe, quién escoge y redecora con gran acierto múltiples localizaciones, así como por el muy adecuado vestuario de Françoise Clavel.
En cuanto a la imagen, destacan una serie de decisiones que determinan el aspecto final: en primer lugar, la elección de rodar en celuloide, puesto que en palabras de Le Saux, rodando rápido y sin un control absoluto de la luz, era la mejor forma para salir airoso de la situación. En segundo, el empleo del formato 2-perf Super 35mm, equivalente absoluto del famoso Techniscope vigente desde 1961 a 1975, del cual se obtiene una imagen panorámica (2.40:1), de una mayor textura (puesto que emplea un área menor del negativo, lo que produce más grano) y posibilita rodar tomas de mayor duración que en Super 16mm (otra opción valorada por los cineastas, pero desechada por Assayas, a quien le gusta rodar tomas muy largas). En tercer lugar, Le Saux y Lenoir, en todo momento, aunque en distintos grados, siempre emplean una combinación de dos filtros: Soft/FX, para reducir el detalle de la imagen, su nitidez y contraste, así como White Pro-Mist, para crear halos en torno a las fuentes de luz y potenciar los efectos del primero. E incluso, ambos filtros se combinan con humo en determinadas escenas interiores. Y en cuarto y último lugar, la decisión de sobreexponer muy fuertemente las tres emulsiones Kodak utilizadas (5219, 5212 y 5217, de 500T, 100T y 200T, respectivamente), lo cual conlleva que las altas luces casi siempre aparecen quemadas y ello, conjugado con la difusión en cámara, produce imágenes muy lechosas, con muchos destellos y sin detalle en los blancos (efecto que más de uno, en determinados instantes, podría confundir con un adquisición en HD). Asimismo, también hay una clara diferenciación estilística entre las escenas rodadas en Europa, generalmente azuladas y frías, aparentemente fruto de no corregir por completo las emulsiones de tungsteno para luz diurna, con las rodadas en Oriente Medio, muy cálidas y mucho más sobreexpuestas, en las que Lenoir y Le Saux emplearon además, con frecuencia el filtro 85 junto con un Antique Suede, a fin de virar la paleta hacia esos tonos, aunque seguramente también haya manipulación en la etapa del Digital Intermediate.
El estilo de iluminación es realmente simple y, con frecuencia, está diseñado para largas tomas en los que los personajes se mueven por toda la localización, o incluso para tomas en 270 o 360 grados. Los interiores nocturnos contienen un buen número de fuentes integradas en el decorado, que hacen gran parte del trabajo real, simplemente apoyadas, en ocasiones, en alguna luz rebotada para rellenar algo las sombras o subir los niveles. Las diurnas, hacen un enorme uso de la luz disponible, cuando esto es posible, simplemente complementadas a través de algún HMI rebotado o fuertemente difuminado para crear algo de contraste, mantener la continuidad o niveles aceptables. Tampoco faltan, en general, los interiores rodados con luz fluorescente sin corregir, aunque produzcan un tono azulado en lugar del verdoso que era habitual en los films de la época. Los exteriores nocturnos son muy interesantes, puesto que además de tener una apariencia natural y oscura, están retratados con una excelente imitación de la luz de sodio, evitando, por consiguiente, el clásico tono azulado para estas escenas. En exteriores diurnos, si es que se utiliza iluminación artificial, simplemente tiene como objetivo equilibrar los niveles, generalmente con respecto a los fondos, para evitar que éstos luzcan excesivamente sobreexpuestos. El empleo de todas estas técnicas y herramientas, sobre una ambientación realmente buena, cumple con la misión de trasladar globalmente al espectador a la época que representa cada escena, aunque desgraciadamente, no todos los elementos de la puesta en escena, analizados por separado, son positivos o bien funcionan a la perfección.
Aunque en ningún momento se podría decir que “Carlos” sea una película o miniserie mal rodada, quizá lo que se echa en falta, especialmente en las escenas de más acción o tensión, sea precisamente un trabajo de planificación de la puesta en escena, es decir, que dichas escenas estén filmadas desde ángulos más dramáticos, o a través de tomas más largas no fragmentadas en el montaje, en lugar de hacer uso de muchos planos o primeros planos cerrados y muchos cortes en la edición, como es el caso. Ello, por ejemplo, lo comprendió muy bien Steven Spielberg en “Munich”, cuya puesta en escena sí que hacia uso del gran angular e incluso de una herramienta que no aparece en ningún momento en “Carlos” y que hubiera tenido una maravillosa justificación por la época: el zoom. En “Carlos”, hay mucha cámara al hombro, planos cercanos con un solo personaje, escasa profundidad de campo (diafragmas abiertos con NDs) y muchos menos travellings o grúas que en el cine que está pretendiendo imitar, al menos en cierto modo. Sin embargo, el aspecto logrado a través de la iluminación de Le Saux y Le Noir, que si bien, como se ha indicado, sí transporta a la época, se parece bastante más al que realizara Janusz Kaminski en el citado film de Spielberg (incluso compartiendo un esquema de color idéntico), pero cuya sobreexposición, a mi juicio, no es un elemento que traslade a los años 70, época en la que precisamente, lo que se empleaba era la subexposición para lograr, en ocasiones, enormes niveles de oscuridad. De hecho, no hay un solo film referencia de estos dos que contenga secuencias en las que la sobreexposición llegue a ser tan brutal, con los blancos absolutamente quemados y con enormes halos fruto de la difusión en cámara.
Técnicamente, por consiguiente, estos instantes (los menos, para ser justos) son reprobables, como también lo serían algunas variaciones bastante evidentes en la densidad del negativo (que producen negros muy lechosos, ocasionalmente, así como inconsistencia cuando están montados entre tomas de densidad normal), extraños reflejos de las fuentes de luz en las ópticas, algunos saltos en la continuidad de la luz en los exteriores (por ejemplo, Carlos hablando con el periodista, o Carlos siendo despedido por Wadie Haddad), pero sin embargo, en el contexto de realidad en el que se mueve el film, dichos problemas se pasan por alto fácilmente, e incluso, en determinados momentos, se echa en falta que los operadores no maltrataran aún más las emulsiones para obtener una mayor textura de los mismas, o bien que no recurrieran a unas ópticas más antiguas que los Primo esféricos de Panavision, aunque con el filtraje empleado sus cualidades lucen seriamente comprometidas.
Por consiguiente, globalmente, nos encontramos ante un trabajo visual muy rico, con un aspecto y una recreación de época que más que perfectos, son muy estimulantes, diferentes y con personalidad, aunque las elecciones técnicas (sobreexposición) o estilísticas (cámara al hombro) no siempre retraten el período de la forma más fiel posible. Sin embargo, con las múltiples localizaciones, un presupuesto no muy elevado y el breve calendario de rodaje, aunque el concepto a veces sea mejor que la ejecución, el aspecto final debe ser considerado como notable.
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Elliott
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pues sali pensando que era el blu... porque se veian las franjas LATERALES del 1.77 en un negro mas grisaceo. Alguna idea de como verificarlo? (aparte de preguntando alli, claro)
pues sali pensando que era el blu... porque se veian las franjas LATERALES del 1.77 en un negro mas grisaceo. Alguna idea de como verificarlo? (aparte de preguntando alli, claro)
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La proyección digital también puede ser en 1.77:1.
Aparte de preguntando, la otra opción sería buscar posibles defectos de compresión del Blu-ray, o la menor calidad de éste con respecto a una proyección a 2K (a mí me parecen más nítidas), porque por lo demás no es fácil. He visto en un cine bastante grande un Blu-ray de material grabado con la Canon 5D y no se diferencia demasiado del 2K, puesto que el Blu es 1920x1080 (2.073.600 píxels) y un 2K 1.77:1 es 2048x1152 (2.359.296 píxels), por lo que las diferencias radican en la compresión y los espacios de color.
La proyección digital también puede ser en 1.77:1.
Aparte de preguntando, la otra opción sería buscar posibles defectos de compresión del Blu-ray, o la menor calidad de éste con respecto a una proyección a 2K (a mí me parecen más nítidas), porque por lo demás no es fácil. He visto en un cine bastante grande un Blu-ray de material grabado con la Canon 5D y no se diferencia demasiado del 2K, puesto que el Blu es 1920x1080 (2.073.600 píxels) y un 2K 1.77:1 es 2048x1152 (2.359.296 píxels), por lo que las diferencias radican en la compresión y los espacios de color.
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Esta es mi mayor crítica al film: más que transportarme visualmente a los 70, parece que se inspira en la luz del "Munich" de Spielberg, que para mí era una de cal y una de arena, puesto que el soberbio trabajo de cámara (de lo mejor, o el mejor que le he visto al judío) estaba acompañado de un enorme exceso de luz, sobreexposiciones y difusiones que no eran las propias del período, sino el enorme ego de Kaminski reinterpretando el thriller de los 70 (poco después, se puso a reinterpretar "Indiana Jones...). Lo curioso es que, por lo general, el mayor realismo y naturalidad de la luz de "Carlos" me gusta más que la de "Munich", aunque sea parecida a aquélla, pero la puesta en escena del film de Spielberg juega en una liga muy superior.
¿Qué opináis? Qué sé que muchos la habéis visto...
Esta es mi mayor crítica al film: más que transportarme visualmente a los 70, parece que se inspira en la luz del "Munich" de Spielberg, que para mí era una de cal y una de arena, puesto que el soberbio trabajo de cámara (de lo mejor, o el mejor que le he visto al judío) estaba acompañado de un enorme exceso de luz, sobreexposiciones y difusiones que no eran las propias del período, sino el enorme ego de Kaminski reinterpretando el thriller de los 70 (poco después, se puso a reinterpretar "Indiana Jones...). Lo curioso es que, por lo general, el mayor realismo y naturalidad de la luz de "Carlos" me gusta más que la de "Munich", aunque sea parecida a aquélla, pero la puesta en escena del film de Spielberg juega en una liga muy superior.
¿Qué opináis? Qué sé que muchos la habéis visto...
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Elliott
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pendientisima.
sobre EL PADRINO, leo que la segunda parte la daran en una sala mucho mas grande A ver si ahi me entero de lo que veo (porque proyectar un blu seria como cutre, no? Por no decir que no se si seria legal si no pagan algo a la Paramount).
pendientisima.
sobre EL PADRINO, leo que la segunda parte la daran en una sala mucho mas grande A ver si ahi me entero de lo que veo (porque proyectar un blu seria como cutre, no? Por no decir que no se si seria legal si no pagan algo a la Paramount).
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Échale un ojo a "Carlos", que efectivamente creo que te puede interesar, por todo el rollo de thriller internacional, etc.
Yo no despreciaría un Blu-ray en la gran pantalla automáticamente, en serio, con un buen proyector y una pantalla pequeña-mediana, los resultados son bastante sorprendentes y seguro que mejores que los de una copia regular en 35mm.
Échale un ojo a "Carlos", que efectivamente creo que te puede interesar, por todo el rollo de thriller internacional, etc.
Yo no despreciaría un Blu-ray en la gran pantalla automáticamente, en serio, con un buen proyector y una pantalla pequeña-mediana, los resultados son bastante sorprendentes y seguro que mejores que los de una copia regular en 35mm.
Elliott
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viendo el docu WOODY ALLEN, A LIFE IN FILM (2002), el director comenta que ha aprendido a hacer cine gracias basicamente a dos personas: su montador -hasta INTERIORES- Ralph Rosenblum y Gordon Willis.
viendo el docu WOODY ALLEN, A LIFE IN FILM (2002), el director comenta que ha aprendido a hacer cine gracias basicamente a dos personas: su montador -hasta INTERIORES- Ralph Rosenblum y Gordon Willis.
Dani J.
Miembro habitual
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Yo creo que la puesta en escena de aquella también era superior, pero creo que Assayas no juega más con el dramatismo de la puesta en escena intencionadamente, apostando por un seco estilo casi documental y no buscando la implicación emocional con cualquiera de los personajes, aspecto con el que Spielberg si juega en Munich...
Yo creo que la puesta en escena de aquella también era superior, pero creo que Assayas no juega más con el dramatismo de la puesta en escena intencionadamente, apostando por un seco estilo casi documental y no buscando la implicación emocional con cualquiera de los personajes, aspecto con el que Spielberg si juega en Munich...
Dani J.
Miembro habitual
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Lo pregunto porque cuando fui a ver Mishima me pusieron el BD... Y se notaba una barbaridad. A mi me gusatría ver algunas del ciclo, pero como de Leone me pongan los BD pues paso, porque de ser así las puedo ver perfectamente en mi casa...
Lo pregunto porque cuando fui a ver Mishima me pusieron el BD... Y se notaba una barbaridad. A mi me gusatría ver algunas del ciclo, pero como de Leone me pongan los BD pues paso, porque de ser así las puedo ver perfectamente en mi casa...
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No estoy de acuerdo Dani, el que hagas una apuesta con un estilo documental no significa que tú recurso a la hora de narrar sean un 80% de primeros planos y conversaciones en plano/contraplano. A mi eso me apesta a televisión sinceramente y lo digo de la manera más peyorativa posible
.
No estoy de acuerdo Dani, el que hagas una apuesta con un estilo documental no significa que tú recurso a la hora de narrar sean un 80% de primeros planos y conversaciones en plano/contraplano. A mi eso me apesta a televisión sinceramente y lo digo de la manera más peyorativa posible
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Yo no se lo tengo tanto en cuenta porque rodar más de 300 páginas de guión, en 135 localizaciones, en 95 días, no debe de ser ni fácil ni sencillo; ni siquiera me parece que esté mal rodada, o que esté rodada con aspecto televisivo -aunque el frecuente uso de teleobjetivos y multicámaras son reminiscentes- pero también opino como Lovekraft en que se puede buscar y conseguir un aspecto realista o cercano al documental y al mismo tiempo planificar debidamente, utilizar tomas más amplias, planos secuencia u otro tipo de recursos que vayan un poco más lejos de los que pueblan "Carlos", sin perder un ápice de inmediatez (venga, ejemplos a bote pronto: "French Connection", 2ª mitad de "Full Metal Jacket", "Children of Men", "Masacre ven y mira", e incluso "United 93", rodada por Greengrass en un estilo similar al de Assayas, con tomas largas y mucha fragmentación en el montaje).
Yo no se lo tengo tanto en cuenta porque rodar más de 300 páginas de guión, en 135 localizaciones, en 95 días, no debe de ser ni fácil ni sencillo; ni siquiera me parece que esté mal rodada, o que esté rodada con aspecto televisivo -aunque el frecuente uso de teleobjetivos y multicámaras son reminiscentes- pero también opino como Lovekraft en que se puede buscar y conseguir un aspecto realista o cercano al documental y al mismo tiempo planificar debidamente, utilizar tomas más amplias, planos secuencia u otro tipo de recursos que vayan un poco más lejos de los que pueblan "Carlos", sin perder un ápice de inmediatez (venga, ejemplos a bote pronto: "French Connection", 2ª mitad de "Full Metal Jacket", "Children of Men", "Masacre ven y mira", e incluso "United 93", rodada por Greengrass en un estilo similar al de Assayas, con tomas largas y mucha fragmentación en el montaje).
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Está claro que es una handycap importante tantas localizaciones en tan poco tiempo pero de lo que yo hablo a veces no implica mayor tiempo que rodar un plano / contraplano, a veces con un solo plano es suficiente (no sé porque pero me viene a la mente Shyamalan y su presentación de Willis en El Protegido)... significa que el director y sus colaboradores se estrujen las meninges para tratar de atrapar y sorprender al espectador y no ir contando una historia con lo mínimo (creo que ésto más que depender de los días de rodaje depende de cuánta preproducción hayan tenido... pero me temo que es un dato que no conocemos).... escenas como la de los policías en la fiesta pidiendo los papeles (al final del primer capitulo), o la de la bomba tirada en el bar (también en la primera) o la del ataque a la OPEP al principio de la segunda creo que se podían haber atrevido con una manera de contarlas bastante más sugerentes. Hitchcock en ese aspecto era de admirar, aunque a veces sus guiones no fueran redondos o no tuvieran la verosimilitud necesaria siempre demostraba que era una persona que se había devanado los sesos antes de rodaje para tratar de sorprender y atrapar al espectador... y eso es como los guiones, no cuesta dinero (solo esfuerzo) si lo comparamos con un día de rodaje porque se suele hacer en preproducción. Yo cada vez admiro más a los directores que se les nota que han trabajado una puesta en escena y una planificación y que no han llegado al set y se han puesto a cubrir una acción desde 5 ángulos distintos para solucionar el ritmo interno en montaje. Editado: me viene al pelo Harmo que pongas el ejemplo de French Connection porque me parece que tampoco fue una película con un presupuesto elevadísimo (más bien todo lo contrario) y pese a todo cuenta una historia con un ritmo que no decae en ningún momento y que tiene unas cuántas secuencias imborrables para un espectador.... a bote pronto me viene a la mente la del metro, o a la del seguimiento, o la del francotirador y posterior persecución,.... vamos que el talento y el gusto no dependen del dinero.
Está claro que es una handycap importante tantas localizaciones en tan poco tiempo pero de lo que yo hablo a veces no implica mayor tiempo que rodar un plano / contraplano, a veces con un solo plano es suficiente (no sé porque pero me viene a la mente Shyamalan y su presentación de Willis en El Protegido)... significa que el director y sus colaboradores se estrujen las meninges para tratar de atrapar y sorprender al espectador y no ir contando una historia con lo mínimo (creo que ésto más que depender de los días de rodaje depende de cuánta preproducción hayan tenido... pero me temo que es un dato que no conocemos).... escenas como la de los policías en la fiesta pidiendo los papeles (al final del primer capitulo), o la de la bomba tirada en el bar (también en la primera) o la del ataque a la OPEP al principio de la segunda creo que se podían haber atrevido con una manera de contarlas bastante más sugerentes. Hitchcock en ese aspecto era de admirar, aunque a veces sus guiones no fueran redondos o no tuvieran la verosimilitud necesaria siempre demostraba que era una persona que se había devanado los sesos antes de rodaje para tratar de sorprender y atrapar al espectador... y eso es como los guiones, no cuesta dinero (solo esfuerzo) si lo comparamos con un día de rodaje porque se suele hacer en preproducción. Yo cada vez admiro más a los directores que se les nota que han trabajado una puesta en escena y una planificación y que no han llegado al set y se han puesto a cubrir una acción desde 5 ángulos distintos para solucionar el ritmo interno en montaje. Editado: me viene al pelo Harmo que pongas el ejemplo de French Connection porque me parece que tampoco fue una película con un presupuesto elevadísimo (más bien todo lo contrario) y pese a todo cuenta una historia con un ritmo que no decae en ningún momento y que tiene unas cuántas secuencias imborrables para un espectador.... a bote pronto me viene a la mente la del metro, o a la del seguimiento, o la del francotirador y posterior persecución,.... vamos que el talento y el gusto no dependen del dinero.
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Dani J.
Miembro habitual
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
De acuerdo Lovekraft en lo de poder ser aséptico y seco, buscando un estilo documental con un mayor riesgo de puesta en escena. Pero hablas de telefilm y yo con esto difiero en absoluto, aunque solo sea por el resto de aspectos o la complejidad de la propuesta. Y tampoco me parece, en absoluto, mal rodada... Más teniendo en cuenta los condicionantes que dice Harmonica.
De acuerdo Lovekraft en lo de poder ser aséptico y seco, buscando un estilo documental con un mayor riesgo de puesta en escena. Pero hablas de telefilm y yo con esto difiero en absoluto, aunque solo sea por el resto de aspectos o la complejidad de la propuesta. Y tampoco me parece, en absoluto, mal rodada... Más teniendo en cuenta los condicionantes que dice Harmonica.
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Pero yo no creo que hayan hecho concesiones, o que hayan rodado de forma distinta porque tuvieran en mente el doble planteamiento cine/miniserie. A fin de cuentas eso lo hizo Bergman e incluso ganó el Óscar de foto ("Fanny y Alexander"). De hecho, "Carlos" es 2.40:1, cosa rara para un producto destinado a la TV.
Pero yo no creo que hayan hecho concesiones, o que hayan rodado de forma distinta porque tuvieran en mente el doble planteamiento cine/miniserie. A fin de cuentas eso lo hizo Bergman e incluso ganó el Óscar de foto ("Fanny y Alexander"). De hecho, "Carlos" es 2.40:1, cosa rara para un producto destinado a la TV.
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Pero en TV se rueda siempre más deprisa que en cine, y supongo que los presupuestos son más ajustados, todo eso tiene que repercutir de alguna forma.
En este caso hablamos de una miniserie que puede codearse sin problemas con producciones cinematográficas, porque como dice Dani globalmente se trata de una obra completísima.
Caso contrario sería la saga "Millenium", producción cinematográfica totalmente televisiva, de hecho se pudo comprobar que en ese formato funcionaba algo mejor.
Pero en TV se rueda siempre más deprisa que en cine, y supongo que los presupuestos son más ajustados, todo eso tiene que repercutir de alguna forma.
En este caso hablamos de una miniserie que puede codearse sin problemas con producciones cinematográficas, porque como dice Dani globalmente se trata de una obra completísima.
Caso contrario sería la saga "Millenium", producción cinematográfica totalmente televisiva, de hecho se pudo comprobar que en ese formato funcionaba algo mejor.