Leo en IMDB que el francés Philippe Rousselot [AFC, ASC] trabaja a las órdenes de Guy Ritchie en "Sherlock Holmes", protagonizada por Robert Downey Jr. y Jude Law. Es una noticia a celebrar, puesto que el que fuera ayudante de Néstor Almendros vuelve a lo que mejor se le da: las recreaciones de época y la luz natural. La última película del ex de Madonna utilizó la cámara digital Arri D21, pero leo en los créditos que hay gente acreditada en torno a los rushes (brutos o copiones), lo que parece indicar que está siendo rodada, al menos parcialmente, en celuloide.
Fotografía Cinematográfica
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JDUG
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Hablando de los focus pullers que lo pasan fatal en los rodajes, y con aún más retraso que Nacho, he visto "My Blueberry Nights" de Wong Kar-Wai. De la fotografía quisiera corroborar que la difusión añadida en los rostros de los actores proviene del Digital Intermediate y está presente en las copias de exhibición, donde supongo que será menos molesto que en un soporte digital porque éstas al menos tienen una ligera capa de grano que encubre el efecto. Es una decisión de dudoso gusto, no sé si de Khondji o del director, y en ciertos planos de Rachel Weisz bajo las luces amarillas del bar es especialmente llamativo. Además, he visto posterizaciones en dos planos: uno de Jude Law mientras hablaba con Cat Power (la antigua novia) y otro de Norah Jones -en ambos casos en las transiciones luz-sombra en la línea de la mandíbula-, lo que es del todo inaceptable. 
Un conocido definió la cinta como "cine pseudointelectual con tendencias a la homosexualidad". No estoy de acuerdo, aunque es una calificación muy auténtica, pero sí diré que es todo estilo, y que aunque esto sea lo habitual en el hongkonés, en este caso no es suficiente para sustentar la narración. Otra vez será.
Un conocido definió la cinta como "cine pseudointelectual con tendencias a la homosexualidad". No estoy de acuerdo, aunque es una calificación muy auténtica, pero sí diré que es todo estilo, y que aunque esto sea lo habitual en el hongkonés, en este caso no es suficiente para sustentar la narración. Otra vez será.
Dani J.
Miembro habitual
JDUG dijo:
¿Alguien puede explicar eso? 
Vista "El Intercambio", que posiblemente contiene el mejor trabajo de Tom Stern (operador de Clint desde "Deuda de Sangre") porque la ambientanción de época, el vestuario y la integración de efectos visuales lustran mucho su fotografía. Tira mucho de las fuentes naturales de los decorados (ventanas, lámparas en pantallas, etc) y también introduce puntos de luz dura aquí y allá a modo de pinceladas y le quedan bastante bien. Como tiene que retratar casi siempre a la Jolie, renuncia a su habitual aproximamiento a base de una única fuente de luz muy dura desde un lado y lo que hace es que su rostro está iluminado casi siempre con luz rebotada, lo que para mí resulta más agradable. Pero no es una película de aspecto naturalista, ni mucho menos; es evidente que Stern & Clint tienen el concepto de que una película de época tiene que lucir "iluminada". Por ejemplo, las escenas a pie de tren (exteriores diurnos) utilizan unidades HMI para rellenar los rostros y crear contraluces sobre los actores. Pero le queda bien.
Lo que no me gusta, porque no es mi estilo ni mucho menos, es ese aspecto de tan alto contraste, negros tan densos, fuertes sobreexposiciones y desaturación de ciertos colores (verdes p.e.). Las dos primeras cosas se deben al empleo de la antigua emulsión Kodak 5279 (500T), utilizada en todo el film y que además es bastante granulada. Lo tercero es habitual de Stern y no me convence nunca, mientras que la desaturación en el Digital Intermediate me parece que queda excesivamente forzada (como esos planos con los labios de la Jolie en rojo saturadísimo y el resto de la paleta casi monocromática). La integración de efectos visuales es buena, pero los planos generales en Matte Painting digital y algunos otros momentos son algo obvios. No obstante, en espera de ver el resto de canditatas presumiblemente importantes, "El Intercambio" bien podría optar al Óscar de fotografía y al premio de la ASC. Nunca como ganadora, pero sí como finalista.
P.D. He visto proyectados los tráilers de "Revolutionary Road" y "Milk". La primera, luce tan bien como todo Deakins y la segunda, con sus Cooke Speed Panchros y la misma emulsión 5279, tiene un aspecto setentero que no pienso perderme.
Lo que no me gusta, porque no es mi estilo ni mucho menos, es ese aspecto de tan alto contraste, negros tan densos, fuertes sobreexposiciones y desaturación de ciertos colores (verdes p.e.). Las dos primeras cosas se deben al empleo de la antigua emulsión Kodak 5279 (500T), utilizada en todo el film y que además es bastante granulada. Lo tercero es habitual de Stern y no me convence nunca, mientras que la desaturación en el Digital Intermediate me parece que queda excesivamente forzada (como esos planos con los labios de la Jolie en rojo saturadísimo y el resto de la paleta casi monocromática). La integración de efectos visuales es buena, pero los planos generales en Matte Painting digital y algunos otros momentos son algo obvios. No obstante, en espera de ver el resto de canditatas presumiblemente importantes, "El Intercambio" bien podría optar al Óscar de fotografía y al premio de la ASC. Nunca como ganadora, pero sí como finalista.
P.D. He visto proyectados los tráilers de "Revolutionary Road" y "Milk". La primera, luce tan bien como todo Deakins y la segunda, con sus Cooke Speed Panchros y la misma emulsión 5279, tiene un aspecto setentero que no pienso perderme.
Comento tres más que he visto en Blu-ray esta semana (en realidad, que he vuelto a ver muchos años después):
-"Casino" (1995): la primera película de Robert Richardson junto a Scorsese, en la que el operador norteamericano demuestra que tiene 100 veces más clase y talento que Michael Ballhaus (que estaba previsto que la rodase), especialmente si la comparamos con una cinta de similar temática como "Uno de los Nuestros", que en manos del germano diabólico es un monumento a la luz plana y tiene un aspecto descuidado y televisivo. En "Casino", Richardson se dedica a utilizar casi siempre una fuente de luz de muchísima intensidad sobre puntos cercanos a los actores, dejando que éstos queden iluminados por el rebote de la misma. Eso, añadido a un importante uso de filtros Pro-Mist, hacen que la película esté llena de grandes halos y fuertes sobreexposiciones y de un gran colorido fruto del resultón diseño de producción de Dante Ferretti. No es precisamente un estilo que sea plato de mi gusto, ni siquiera me parece que quede especialmente bien y distrae muchas veces, pero algunos podrán argumentar -y quizá con razón- que la parte visual es tan excesiva como los personajes y la propia historia que nos están contando. Por lo menos, Richardson demuestra clase y personalidad, que ya es algo. Como curiosidad, cabe mencionar que Richardson quedó tan descontento del hinchado óptico del formato Super 35 (que Scorsese quería usar por su afición a los zoom in) que no lo volvió a emplear hasta la aparición del Digital Intermediate algunos años después.
-"Cadena Perpetua" (1994): primera nominación al Óscar del británico Roger Deakins y uno de sus mejores trabajos, puesto que la recreación de época y el cuidado diseño de producción (que divide hábilmente cada secuencia en tonos cálidos y fríos) le sienta fenomenal a su simple y minimalista aproximamiento a la imagen cinematográfica. Es una película de aspecto muy natural, aunque rara vez hace uso de la luz disponible, sino que Deakins se las arregla para iluminar y que ni siquiera el espectador más avanzado se de cuenta de la fuerte presencia de luz artificial en cada secuencia. Además de los exteriores, grisáceos, sucios, fríos y desapacibles, y de muchos interiores iluminados a través de una suave fuente de luz lateral, me gustan muchos los interiores en los que se simula que la luz parte de las fuentes presentes en pantalla. En mi opinión, en un año de dura competición por el Óscar, no sé si era la mejor del quinteto (formado también por "Forrest Gump", "Wyatt Earp" y "Rojo"), pero desde luego no era nada inferior a la ganadora "Leyendas de Pasión". Quizá por eso la ASC premió el trabajo de Deakins y no el de Toll.
-"Fuego en el Cuerpo" (1981): gran película de Lawrence Kasdan en la más pura temática del cine negro, que contó con el siempre estupendo Richard H. Kline en la fotografía. Ambientada en un calurosísimo verano en Florida, la fotografía de Kline destaca sobre todo por la forma en que se las apaña para transmitir ese calor al espectador. Lo hace, sobre todo, mediante el extensivo uso de colores muy cálidos en su iluminación e incluso mediante persianas venecianas y otro tipo de materiales que, al iluminar desde fuera de las ventanas, nos recuerdan constantemente la presencia de ese sol abrasador en el exterior. Y al más puro estilo Kubrick en "La Chaqueta Metálica", aunque bastantes años antes que él, Kline también hace uso de filtros difusores (posiblemente Double Fog) para recrear las sensaciones de un clima húmedo en la gran pantalla, al producir intensos halos en torno a las fuentes lumínicas. También destacan muchas de las escenas nocturnas, tanto exteriores como interiores, faceta esta en la que Kline siempre se reveló como un verdadero maestro. Además, "Fuego en el Cuerpo" permite estudiar muy bien su curioso estilo híbrido (que Kline compartía, por ejemplo, con Bill Fraker), al ser una película que mezcla constantemente luz dura y luz rebotada, así como naturalismo con la clásica iluminación Hollywoodense para Kathleen Turner, siempre aplicado con una gran clase y un exquisito gusto.
-"Casino" (1995): la primera película de Robert Richardson junto a Scorsese, en la que el operador norteamericano demuestra que tiene 100 veces más clase y talento que Michael Ballhaus (que estaba previsto que la rodase), especialmente si la comparamos con una cinta de similar temática como "Uno de los Nuestros", que en manos del germano diabólico es un monumento a la luz plana y tiene un aspecto descuidado y televisivo. En "Casino", Richardson se dedica a utilizar casi siempre una fuente de luz de muchísima intensidad sobre puntos cercanos a los actores, dejando que éstos queden iluminados por el rebote de la misma. Eso, añadido a un importante uso de filtros Pro-Mist, hacen que la película esté llena de grandes halos y fuertes sobreexposiciones y de un gran colorido fruto del resultón diseño de producción de Dante Ferretti. No es precisamente un estilo que sea plato de mi gusto, ni siquiera me parece que quede especialmente bien y distrae muchas veces, pero algunos podrán argumentar -y quizá con razón- que la parte visual es tan excesiva como los personajes y la propia historia que nos están contando. Por lo menos, Richardson demuestra clase y personalidad, que ya es algo. Como curiosidad, cabe mencionar que Richardson quedó tan descontento del hinchado óptico del formato Super 35 (que Scorsese quería usar por su afición a los zoom in) que no lo volvió a emplear hasta la aparición del Digital Intermediate algunos años después.
-"Cadena Perpetua" (1994): primera nominación al Óscar del británico Roger Deakins y uno de sus mejores trabajos, puesto que la recreación de época y el cuidado diseño de producción (que divide hábilmente cada secuencia en tonos cálidos y fríos) le sienta fenomenal a su simple y minimalista aproximamiento a la imagen cinematográfica. Es una película de aspecto muy natural, aunque rara vez hace uso de la luz disponible, sino que Deakins se las arregla para iluminar y que ni siquiera el espectador más avanzado se de cuenta de la fuerte presencia de luz artificial en cada secuencia. Además de los exteriores, grisáceos, sucios, fríos y desapacibles, y de muchos interiores iluminados a través de una suave fuente de luz lateral, me gustan muchos los interiores en los que se simula que la luz parte de las fuentes presentes en pantalla. En mi opinión, en un año de dura competición por el Óscar, no sé si era la mejor del quinteto (formado también por "Forrest Gump", "Wyatt Earp" y "Rojo"), pero desde luego no era nada inferior a la ganadora "Leyendas de Pasión". Quizá por eso la ASC premió el trabajo de Deakins y no el de Toll.
-"Fuego en el Cuerpo" (1981): gran película de Lawrence Kasdan en la más pura temática del cine negro, que contó con el siempre estupendo Richard H. Kline en la fotografía. Ambientada en un calurosísimo verano en Florida, la fotografía de Kline destaca sobre todo por la forma en que se las apaña para transmitir ese calor al espectador. Lo hace, sobre todo, mediante el extensivo uso de colores muy cálidos en su iluminación e incluso mediante persianas venecianas y otro tipo de materiales que, al iluminar desde fuera de las ventanas, nos recuerdan constantemente la presencia de ese sol abrasador en el exterior. Y al más puro estilo Kubrick en "La Chaqueta Metálica", aunque bastantes años antes que él, Kline también hace uso de filtros difusores (posiblemente Double Fog) para recrear las sensaciones de un clima húmedo en la gran pantalla, al producir intensos halos en torno a las fuentes lumínicas. También destacan muchas de las escenas nocturnas, tanto exteriores como interiores, faceta esta en la que Kline siempre se reveló como un verdadero maestro. Además, "Fuego en el Cuerpo" permite estudiar muy bien su curioso estilo híbrido (que Kline compartía, por ejemplo, con Bill Fraker), al ser una película que mezcla constantemente luz dura y luz rebotada, así como naturalismo con la clásica iluminación Hollywoodense para Kathleen Turner, siempre aplicado con una gran clase y un exquisito gusto.
Elliott
Desconozco
el BD de la de Kasdan que tal esta? siempre me gusto mucho esta peli y su brumosa foto, y espero que la HD al fin le haga justicia (recuerdo que sus pases televisivos -e incluso creo que el dvd- dejaban bastante que desear).
a mi esos "fogonazos" de luz de Richardson en CASINO (como en A FEW GOOD MEN o JFK) no me gustan demasiado, pero es verdad que la peli luce mucho, sobre todo con tantas lucecitas y ese LAS VEGAS superiluminado y megacoloreado.
a mi esos "fogonazos" de luz de Richardson en CASINO (como en A FEW GOOD MEN o JFK) no me gustan demasiado, pero es verdad que la peli luce mucho, sobre todo con tantas lucecitas y ese LAS VEGAS superiluminado y megacoloreado.
He visto "Australia" de Baz Luhrmann, fotografiada por Mandy Walker [ACS]. No soy precisamente un fan de Donald M. McAlpine [ACS, ASC], pero sus dos películas junto a Luhrmann ("Romeo + Julieta" y "Moulin Rouge!") es muy posible que sean sus dos mejores trabajos, por lo que siempre he pensado que el realizador australiano algo tendría que ver en ello. Ahora mismo, no sé que pensar, porque "Australia" se parece tan poquito a estas películas que sería comparar peras con manzanas. Las otras son musicales urbanos, o básicamente de interiores con luz artificial, pero "Australia" se recrea en grandes vistas y escenarios a lo David Lean, aunque sea con suerte dispar. Puede que McAlpine sea más responsable del éxito visual de esas dos películas de lo que pensaba.
A primera vista, la fotografía de "Australia" es portentosa. Las tomas exteriores son muchísimas y muy generosas. El montaje nos deja apreciar los detalles del paisaje más de dos segundos y las cámaras captan grandes escenarios. Además, resulta muy evidente que bien Luhrmann, bien Walker o incluso ambos han insistido mucho en rodar mucho material evitando las horas centrales del día, e incluso ciertos momentos dramáticos (final incluido) en la hora mágica. Es un esfuerzo que tiene sobrada recompensa porque representa lo mejor de la fotografía y aporta muchísimo empaque a la producción. También hay las típicas tomas de postal que no sé si son de la primera o de una segunda unidad, pero no las tengo muy en cuenta en mi valoración porque su finalidad únicamente es esteticista, a pesar que son muy vistosas.
La media hora final, en la que hay bastante material nocturno que simula estar iluminado exclusivamente por fuego y hogueras, es también sobresaliente y posiblemente el mejor metraje de este tipo que he visto en un cine en varios años. Incluso a nivel técnico sigue sobresaliendo, porque en dichas ocasiones es fácil perder el nivel de negros o el contraste (que se lo digan a Salvatore Totino en "Cinderella Man", o incluso a Eduardo Serra en "Diamante de Sangre"), pero Walker los mantiene de forma admirable. Incluso la secuencia al amanecer que continúa esto que comento está a un gran nivel.
¿Qué es lo que falla entonces?
Aunque parezca increíble (o, al menos, a mí me lo parece), tener grandiosos escenarios y muchísimo dinero para rodar en ellos todo lo que haga falta no es suficiente. No sé si por idea de Luhrmann, de Walker o de ambos, o si del diseñador de producción o del supervisor de efectos visuales (o de todos), parece que únicamente han rodado en exteriores las tomas generales y algunos primeros planos, puesto que gran parte de los mismos están rodados ante pantallas verdes y/o azules. Eso masacra casi por completo el trabajo de Walker, supeditada en los primeros planos a igualar en el estudio la luz del resto de la escena que las cámaras captaron en los escenarios naturales. Sólo se me ocurre que siendo el tipo de película que es (y pensando que se orienta a un público púber), esto se debe a una voluntad de retratar a los actores de la forma más atractiva posible, aunque no resulte natural, lógico o incluso barato, pues el problema no es rodar más planos en una localización (especialmente los primeros, que son los más fáciles de modificar a tu gusto), sino desplazar a un equipo gigantesco y ponerlo a funcionar en ese lugar. Así, en demasiadas ocasiones, la película parece una especie de mezcla chunga entre "Lawrence de Arabia" y "El Ataque de los Clones", sin llegar al nivel de la primera o el ridículo de la segunda. También hay bastantes exteriores rodados en estudio, aunque casi todos nocturnos y ni mucho menos tan molestos, pues al menos no se produce ese continuo salto entre localizaciones y pantallas de croma. Aún con tanto rodaje con luz artificial y control al 100%, resulta sorprendente el estado de Nicole Kidman, con el rostro absolutamente paralizado y estirado. Walker ni la favorece ni la perjudica, a pesar que emplea ópticas esféricas Panavision de los 70 y 80 para suavizar sus rasgos. Estos planos también parecen algo desenfocados, como si se hubiera quitado detalle a través del Digital Intermediate. Eso hace que su piel parezca de plástico, cosa que no ocurre con Hugh Jackman porque no hay tanto retoque en sus tomas.
A nivel técnico, con tantos exteriores a pleno sol y rodaje en estudio absolutamente bajo control para cualquier situación complicada, me parece imperdonable el uso del formato Super 35mm (las dos películas anteriores de Luhrmann eran anamórficas -y esto está confirmado- por idea de McAlpine) para su exhibición en la gran pantalla. Con el uso del DI y un presupuesto tan grande, todos los exteriores deberían de haberse rodado en VistaVisión o 65mm, pues el nivel de detalle y resolución de la copia es insuficiente para tan vastos escenarios. El Super 35mm queda aceptable en los primeros planos o en las escenas nocturnas, pero en las diurnas se queda tan corto como el motor de un Seat Panda en un Mercedes. Al menos, un escaneado y finalizado a 4K era imperativo.
Con todo, hay tanto buen material y la mezcla es tan extraña, que no me resultaría demasiado raro que Mandy Walker sea la primera mujer nominada al Óscar a la mejor fotografía. Y lo peor es que tampoco podría decir que fuese una injusticia, puesto que sin ir más lejos pienso en otros dos australianos que en los últimos años se han llevado el premio a casa por trabajos bastante inferiores a éste
A primera vista, la fotografía de "Australia" es portentosa. Las tomas exteriores son muchísimas y muy generosas. El montaje nos deja apreciar los detalles del paisaje más de dos segundos y las cámaras captan grandes escenarios. Además, resulta muy evidente que bien Luhrmann, bien Walker o incluso ambos han insistido mucho en rodar mucho material evitando las horas centrales del día, e incluso ciertos momentos dramáticos (final incluido) en la hora mágica. Es un esfuerzo que tiene sobrada recompensa porque representa lo mejor de la fotografía y aporta muchísimo empaque a la producción. También hay las típicas tomas de postal que no sé si son de la primera o de una segunda unidad, pero no las tengo muy en cuenta en mi valoración porque su finalidad únicamente es esteticista, a pesar que son muy vistosas.
La media hora final, en la que hay bastante material nocturno que simula estar iluminado exclusivamente por fuego y hogueras, es también sobresaliente y posiblemente el mejor metraje de este tipo que he visto en un cine en varios años. Incluso a nivel técnico sigue sobresaliendo, porque en dichas ocasiones es fácil perder el nivel de negros o el contraste (que se lo digan a Salvatore Totino en "Cinderella Man", o incluso a Eduardo Serra en "Diamante de Sangre"), pero Walker los mantiene de forma admirable. Incluso la secuencia al amanecer que continúa esto que comento está a un gran nivel.
¿Qué es lo que falla entonces?
Aunque parezca increíble (o, al menos, a mí me lo parece), tener grandiosos escenarios y muchísimo dinero para rodar en ellos todo lo que haga falta no es suficiente. No sé si por idea de Luhrmann, de Walker o de ambos, o si del diseñador de producción o del supervisor de efectos visuales (o de todos), parece que únicamente han rodado en exteriores las tomas generales y algunos primeros planos, puesto que gran parte de los mismos están rodados ante pantallas verdes y/o azules. Eso masacra casi por completo el trabajo de Walker, supeditada en los primeros planos a igualar en el estudio la luz del resto de la escena que las cámaras captaron en los escenarios naturales. Sólo se me ocurre que siendo el tipo de película que es (y pensando que se orienta a un público púber), esto se debe a una voluntad de retratar a los actores de la forma más atractiva posible, aunque no resulte natural, lógico o incluso barato, pues el problema no es rodar más planos en una localización (especialmente los primeros, que son los más fáciles de modificar a tu gusto), sino desplazar a un equipo gigantesco y ponerlo a funcionar en ese lugar. Así, en demasiadas ocasiones, la película parece una especie de mezcla chunga entre "Lawrence de Arabia" y "El Ataque de los Clones", sin llegar al nivel de la primera o el ridículo de la segunda. También hay bastantes exteriores rodados en estudio, aunque casi todos nocturnos y ni mucho menos tan molestos, pues al menos no se produce ese continuo salto entre localizaciones y pantallas de croma. Aún con tanto rodaje con luz artificial y control al 100%, resulta sorprendente el estado de Nicole Kidman, con el rostro absolutamente paralizado y estirado. Walker ni la favorece ni la perjudica, a pesar que emplea ópticas esféricas Panavision de los 70 y 80 para suavizar sus rasgos. Estos planos también parecen algo desenfocados, como si se hubiera quitado detalle a través del Digital Intermediate. Eso hace que su piel parezca de plástico, cosa que no ocurre con Hugh Jackman porque no hay tanto retoque en sus tomas.
A nivel técnico, con tantos exteriores a pleno sol y rodaje en estudio absolutamente bajo control para cualquier situación complicada, me parece imperdonable el uso del formato Super 35mm (las dos películas anteriores de Luhrmann eran anamórficas -y esto está confirmado- por idea de McAlpine) para su exhibición en la gran pantalla. Con el uso del DI y un presupuesto tan grande, todos los exteriores deberían de haberse rodado en VistaVisión o 65mm, pues el nivel de detalle y resolución de la copia es insuficiente para tan vastos escenarios. El Super 35mm queda aceptable en los primeros planos o en las escenas nocturnas, pero en las diurnas se queda tan corto como el motor de un Seat Panda en un Mercedes. Al menos, un escaneado y finalizado a 4K era imperativo.
Con todo, hay tanto buen material y la mezcla es tan extraña, que no me resultaría demasiado raro que Mandy Walker sea la primera mujer nominada al Óscar a la mejor fotografía. Y lo peor es que tampoco podría decir que fuese una injusticia, puesto que sin ir más lejos pienso en otros dos australianos que en los últimos años se han llevado el premio a casa por trabajos bastante inferiores a éste
Dussander dijo:
He escrito el post anterior sin haber leído éste y a grandes rasgos he contestado, pero me extiendo más: "Moulin Rouge!" era todo estilo sobre sustancia, pero es una película en la que la puesta en escena te atrapa desde los primeros fotogramas, a través del frenético montaje pero también con los fluidos movimientos y el elaboradísimo trabajo de cámara. Es por tanto una película en la que todo está pensado para dejar al espectador con la boca abierta y eso lo consiguen Luhrmann y McAlpine en los primeros quince minutos.
Como he dicho antes, siempre me resultó raro que el veterano operador australiano realizara un trabajo así casi a sus setenta años, porque "Moulin Rouge!" es todo color, movimiento y contraste, cuando casi todo lo que más se recuerda de él es bastante plano y apagado, incluso en localizaciones vistosas y con un director visual como McTiernan en "Depredador" y "Los Últimos Días del Edén".
Se muestra tan inspirado en su iluminación teatral y mezclas de colores que a veces recuerda a Vittorio Storaro antes que éste perdiera la cabeza después de "Dick Tracy". Incluso, como todo el estilo es tan hiperbólico, exagerado e irreal, las secuencias exteriores nocturnas rodadas en estudio, o simplemente las escenas nocturnas con luz azul a través de las ventanas, le quedan de maravilla. Creo recordar que el diseño de producción y el de vestuario ganaron el Óscar (y eso que además de maquetas había mucho ordenador para suplir la construcción de decorados), pero aunque eso ayuda mucho es innegable que en "Moulin Rouge!" McAlpine estaba en estado de gracia.
Desde un punto de vista técnico, el uso del formato 35mm anamórfico -que emplea un 40% más de negativo que el Super 35mm- hacía que las copias de exhibición fueran extraordinariamente ricas en color y detalle. Cuánto he echado de menos esto en "Australia"...
nogales
Miembro habitual
lo de Nicole Kidman es un desastre
sencillamente ha dejado de ser actriz para ser un monigote. Da miedo comparar su rostro con el que exhibía , no ya en Calma total ( otra mujer ) sino en Los otros, repleto de carisma, expresividad y sin embargo conservando ese aire de muñeca de Lladró. Ahora ES una muñeca, pero de cera.
Me imagino que de ahí deriva ahora toda su galería de tics, poco más podrá hacer.
sencillamente ha dejado de ser actriz para ser un monigote. Da miedo comparar su rostro con el que exhibía , no ya en Calma total ( otra mujer ) sino en Los otros, repleto de carisma, expresividad y sin embargo conservando ese aire de muñeca de Lladró. Ahora ES una muñeca, pero de cera.
Me imagino que de ahí deriva ahora toda su galería de tics, poco más podrá hacer.
Yo aprecio el esfuerzo, pero la fotografía es tan irregular como la película en si misma.
Pienso en ese momento en que Sarah se acerca para consolar a Nulla, cuando le va a contar el cuento de "El mago de Oz" y parece un dibujo Pixar, en cambio las escenas nocturnas y algunas tomas aereas me gustaron mucho.
Pienso en ese momento en que Sarah se acerca para consolar a Nulla, cuando le va a contar el cuento de "El mago de Oz" y parece un dibujo Pixar, en cambio las escenas nocturnas y algunas tomas aereas me gustaron mucho.
Ulisses dijo:
Esa secuencia, como también la de Droven y el aborigen conversando acerca del niño, está rodada en estudio. De hecho, la mayoría del material nocturno, si no todo, está rodado en estudio, bien en sets completos o en sets finalizados mediante efectos visuales. Las escenas nocturnas en campo abierto, en las que Mandy Walker utiliza la luna y el fuego de las hogueras como fuentes principales, no me convencen demasiado, aunque tampoco están mal. Lo que de verdad me gusta de la fotografía nocturna son las escenas en el bar destruido y en la isla.
El problema, quizá, es que en lugar de buscar la magia en las localizaciones, han tratado de crearla mediante efectos visuales, lo que no solo es más costoso sino que es mucho menos convincente y no perdura tanto en el tiempo. Vista hoy en día, una película como "Los Demonios de la Noche", realizada hace solo 12 años, tiene un encantador aspecto artesanal (aunque haya CGI en algunos planos de los leones) y como todo está ante la cámara, su realización siempre estará vigente, puesto que por más que avancen las técnicas digitales en el futuro, nunca habrá nada tan real como lo que realmente es de verdad. Pero "Australia", o todas estas películas realizadas a base de CGI (no hace falta que las nombre, todos sabemos cuáles son), únicamente estarán vigentes mientras los CGI no den otro importante paso adelante y los actuales se queden obsoletos. Entonces, no servirán ni para verlas con cubatas con los colegas y echarse unas risas, a no ser que uno ponga el modo entrañable on y se esfuerce por mirarlas con tan buenos ojos como los que requieren los peplums de los 50 o las retroproyecciones en las escenas de coches, pues están al mismo nivel de artificiosidad. De verdad que me cuesta entender cómo el cine, después del nivel de realismo en exteriores alcanzado desde los 70 ("Apocalypse Now", "Bailando con Lobos", etc) se ha dedicado desde finales de los 90 a retroceder tantos pasos en el estilo visual, o cómo, por más que avancen las técnicas de efectos digitales, todavía no haya visto un trabajo en estudio que me resulte tan convincente y realista como los falsos exteriores de "2001" y "Greystoke", ambos obra de John Alcott [BSC].
Elliott
Desconozco
me estas diciendo que en AUSTRALIA pasa eso de las pelis de hasta los años 50-60 donde, del plano en exteriores real, pasamos a los actores en estudio y su correspondiente "cantada"??? Madre mia, que penoso... O diran que era pretendido para imitar la epoca, como lo de INDY? 
claro que MAMMA MIA! era ya una vomitiva oda a eso.
claro que MAMMA MIA! era ya una vomitiva oda a eso.
F_Elliott dijo:me estas diciendo que en AUSTRALIA pasa eso de las pelis de hasta los años 50-60 donde, del plano en exteriores real, pasamos a los actores en estudio y su correspondiente "cantada"??? Madre mia, que penoso... O diran que era pretendido para imitar la epoca, como lo de INDY?
claro que MAMMA MIA! era ya una vomitiva oda a eso.
La foto de exteriores es muchísimo mejor que la de "Indy" (porque al menos hay exteriores), pero sí, las tomas generales están rodadas en localización y casi todos los planos medios y primeros planos están hechos en estudio ante pantallas verdes.
Por favor, no dejes de verla, que estoy deseando leer tu parecer
Mr. Morden
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Las transparencias en Australia, los efectos de croma, son de lo más cutre que he visto yo en años...precisamente por el contraste con los planos generales a lo Memorias de África. Y como Nacho no critica el encuadre, yo considero que esa película está rodada mal, sin apenas composición y arruinando unos efectos lumímicos de aupa.
Un plano clásico de croma, a lo Lucas, son todas las secuencias del chamán en la roca. Con toda la difusión del mundo para imitar un plano general...pero sin ningún tipo de éxito. Y en el comentario de Elliot decir que más o menos es así...pero con un estilo naturalista en exteriores, cosa que en el teatral cine de los 50 -sobre todo en color- no solía ser así, lo que hace la cosa ultracantosa.
Por cierto, tengo la impresión de que el planing de la película obligó a tamaño dislate visual, y es que creo imposible (aunque a saber con Luhrman) que alguien planifique combinar tomas generales de exteriores -¡y encima en Scope!- y estudio intentando igualar la luz.
Y tampoco te pases Nacho con Moulin Rouge, que no es Corazonada...
Un plano clásico de croma, a lo Lucas, son todas las secuencias del chamán en la roca. Con toda la difusión del mundo para imitar un plano general...pero sin ningún tipo de éxito. Y en el comentario de Elliot decir que más o menos es así...pero con un estilo naturalista en exteriores, cosa que en el teatral cine de los 50 -sobre todo en color- no solía ser así, lo que hace la cosa ultracantosa.
Por cierto, tengo la impresión de que el planing de la película obligó a tamaño dislate visual, y es que creo imposible (aunque a saber con Luhrman) que alguien planifique combinar tomas generales de exteriores -¡y encima en Scope!- y estudio intentando igualar la luz.
Y tampoco te pases Nacho con Moulin Rouge, que no es Corazonada...
Mr. Morden
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Ahora que habláis de las difusiones, es que es una cosa muy rara, ya que luego el baile es una secuencia espléndida y es nocturna, con una luz justificada a base de revelado (Nacho corrígeme si la cago) lo que lleva a un poco de grano...
Luego, otro primer plano nocturno con difusión....
Luego, otro primer plano nocturno con difusión....
Mr. Morden
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Harmonica dijo:
Richardson es alguien que hay que seguir visualmente muy de cerca. Tengo pendiente la Brigada ligera, pero su etapa hasta Tom Jones es excelente. Mirando hacia atrás con ira tiene unos contrastes prodigiosos, y el naturalismo de La soledad del corredor de fondo es una marcianada para la época. Pero ojo, que tienes en Un sabor a miel los primeros usos de iluminación de interiores con escasa luz, algo que casi precede a esa peli que comparte actor con este film y que nos gusta tanto a ti y a mi.
Sorprende la perfección visual del Free Cinema en comparación con sus homónimos franceses pre-Almendros.
Pornosawa dijo:
Las composiciones de imagen en "Australia" brillan por su ausencia, pero me esperaba un primer planismo aún más acusado (aquí hay algunos planos generales) y por eso no me ha parecido especialmente mala en este aspecto. Está en la línea del cine actual. Si que es cierto lo que dices de la mezcla de naturalismo y estudio, que es lo que hace que cante mucho. Si hubieran salido a los verdaderos exteriores con muchísima iluminación artificial, los cambios no serían tan drásticos. Pero es que se han quedado a medio camino y no sé si de esta forma podrán contentar a mucha gente (aunque reitero que en un año como este, más los precendentes anteriores, no resultaría extraño verla en los quintetos de la Academia y A.S.C.).
No me parece que "Moulin Rouge!" iguale a "Corazonada", como también es evidente de McAlpine no es Storaro, pero es una película que deslumbra a nivel visual y que a nivel técnico es espléndida. Si no fuera porque su primer planismo a bochornoso demasiadas veces, en mi opinión no estarían tan alejadas.
P.D. "Memorias de África" tiene algunas placas de efectos en los títulos de crédito (extraordinarias), así como una secuencia rodada ante pantalla azul al comienzo, entre Streep y Brandauer con un fondo nevado, que no podría estar peor resuelta. ¿Un re-rodaje de última hora? Podría ser.