Jack-Bauer
Miembro habitual
Si, es en la que sale Velencoso dando gritos.
Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
- Fecha de inicio
Harkness_666
Son cuatro
Katalin Varga, de Peter Strickland
Katalin es una mujer que huye del hogar con un hijo a cuestas. Lo hace porque debe ajustar cuentas con un oscuro y traumático pasado que sale a la luz, generando indeseables y terribles consecuencias de las que nadie podrá escapar.
Opera prima del director de The duke of Burgundy y Berberian Sound Studio, rodada nada menos que en Transilvania. A priori, típico cine de autor europeo con algo de cámara al hombro y búsqueda del realismo y la sequedad, pero apuntando maneras, con los ramalazos esteticistas que tanto le molan a este señor. Sórdida tragedia rural, historia sobre la venganza en la que el drama va convirtiéndose en terror abstracto, con unos personajes absorbidos por la violencia y la hostilidad de un mundo atrasado y aún dominado por las nociones religiosas del pecado, la culpa y el castigo.
Destacable es la dureza de la resolución, absolutamente inmisericorde, y es que en el fondo no hay víctimas ni verdugos, aunque pueda parecer todo lo contrario por la naturaleza del argumento, que no es sino la paulatina inmersión de la protagonista en una mayor y cada vez más ominosa oscuridad... la “road movie” resultante trascurre entre los imponentes paisajes transilvanos, desenvuelta con un calculado ritmo cansino. Destaca también, cómo no, el empleo efectista de la música, de lo visual (esa imagen de ellos dos de espaldas en la carreta) y de ciertos sonidos.
Individuos incapaces de sustraerse a unas tensiones invisibles que les superan, inmersos en unos ambientes cargados y amenazadores, tales parecen ser las preocupaciones de este director con tendencia a la “autoralitis” aguda, aquí dando sus primeros pasos. Interesante.
Katalin es una mujer que huye del hogar con un hijo a cuestas. Lo hace porque debe ajustar cuentas con un oscuro y traumático pasado que sale a la luz, generando indeseables y terribles consecuencias de las que nadie podrá escapar.
Opera prima del director de The duke of Burgundy y Berberian Sound Studio, rodada nada menos que en Transilvania. A priori, típico cine de autor europeo con algo de cámara al hombro y búsqueda del realismo y la sequedad, pero apuntando maneras, con los ramalazos esteticistas que tanto le molan a este señor. Sórdida tragedia rural, historia sobre la venganza en la que el drama va convirtiéndose en terror abstracto, con unos personajes absorbidos por la violencia y la hostilidad de un mundo atrasado y aún dominado por las nociones religiosas del pecado, la culpa y el castigo.
Destacable es la dureza de la resolución, absolutamente inmisericorde, y es que en el fondo no hay víctimas ni verdugos, aunque pueda parecer todo lo contrario por la naturaleza del argumento, que no es sino la paulatina inmersión de la protagonista en una mayor y cada vez más ominosa oscuridad... la “road movie” resultante trascurre entre los imponentes paisajes transilvanos, desenvuelta con un calculado ritmo cansino. Destaca también, cómo no, el empleo efectista de la música, de lo visual (esa imagen de ellos dos de espaldas en la carreta) y de ciertos sonidos.
Individuos incapaces de sustraerse a unas tensiones invisibles que les superan, inmersos en unos ambientes cargados y amenazadores, tales parecen ser las preocupaciones de este director con tendencia a la “autoralitis” aguda, aquí dando sus primeros pasos. Interesante.
Jesse Custer
Miembro habitual
Pesadilla en Elm Street 4: El amo de los sueños
La cuarta entrega continúa con la historia de la tercera , lo cual es de agradecer ya que era mi favorita hasta el momento. El problema es que la historia es bastante sencilla y directa(aparece Freddy usando de señuelo a Kristen y luego a Alice) y que los personajes más carismáticos mueren pronto pero por otro lado los efectos son muy buenos y la imaginería del mundo de los sueños es genial: desde el sueño en que Alice entra al cine, la cama de agua asesina, la transformación en insecto... Y eso sí, Freddy más socarrón que nunca y soltando one liners a tutiplén.
La cuarta entrega continúa con la historia de la tercera , lo cual es de agradecer ya que era mi favorita hasta el momento. El problema es que la historia es bastante sencilla y directa(aparece Freddy usando de señuelo a Kristen y luego a Alice) y que los personajes más carismáticos mueren pronto pero por otro lado los efectos son muy buenos y la imaginería del mundo de los sueños es genial: desde el sueño en que Alice entra al cine, la cama de agua asesina, la transformación en insecto... Y eso sí, Freddy más socarrón que nunca y soltando one liners a tutiplén.
Upperseven
Miembro habitual
BARRY LYNDON (1975, -Stanley Kubrick)
Excepcional Drama histórico basado en la novela de William Tackeray que narra las aventuras y desventuras de un joven Irlandés ambicioso y sin escrúpulos que tras tener que emigrar de su país (excelente Ryan O´Neal) acaba siendo una figura respetable de la nobleza. El film, tal vez algo alargado en metraje, pero indudablemente bello está planteado a nivel técnico como una auténtica filigrana en la que cada plano es casi una obra de arte...Es puro prodigio visual rodado por John Alcott en modo naturalista...Y a nivel de puesta en escena un ejemplo de la meticulosidad de Kubrick en saber rodar a su modo y estilo particular.
VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA (1976, -Juan Piquer Simón)
El debut como director de cine de Juan Piquer Simón y toda una loable y atrevida versión del clásico de aventuras y fantasía del escritor Julio Verne. Orientado hacia un público infantil y un film siempre entretenido en el que algunas deficiencias de puesta en escena se ven superadas gracias a las ganas y el empeño que puso su autor, unos artesanales pero efectivos F/X y la sensación de que alguien en la cinematografia española de los setenta intentaba hacer un cine de aventuras/fantasía alejado de los géneros típicos de nuestro cine
SLUGS; MUERTE VISCOSA (Slugs, 1987 -Juan Piquer Simón)
Buen ejemplar de como Juan Piquer Simón era capaz de rodar películas de producción netamente Española y convertirlas en Serie B Americana bastante digna. Aquí tenemos casi una variante (más simple, pero también muy gore) de "Vinieron de Dentro De..."(1975) con un ataque de babosas que devoran cualquier ser humano que se ponga a su paso. Por lo general un producto muy simpático, esquemático en su estructura y desarrollo, pero efectivo en su intención de camuflarse entre la producción USA más normalita
Excepcional Drama histórico basado en la novela de William Tackeray que narra las aventuras y desventuras de un joven Irlandés ambicioso y sin escrúpulos que tras tener que emigrar de su país (excelente Ryan O´Neal) acaba siendo una figura respetable de la nobleza. El film, tal vez algo alargado en metraje, pero indudablemente bello está planteado a nivel técnico como una auténtica filigrana en la que cada plano es casi una obra de arte...Es puro prodigio visual rodado por John Alcott en modo naturalista...Y a nivel de puesta en escena un ejemplo de la meticulosidad de Kubrick en saber rodar a su modo y estilo particular.
VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA (1976, -Juan Piquer Simón)
El debut como director de cine de Juan Piquer Simón y toda una loable y atrevida versión del clásico de aventuras y fantasía del escritor Julio Verne. Orientado hacia un público infantil y un film siempre entretenido en el que algunas deficiencias de puesta en escena se ven superadas gracias a las ganas y el empeño que puso su autor, unos artesanales pero efectivos F/X y la sensación de que alguien en la cinematografia española de los setenta intentaba hacer un cine de aventuras/fantasía alejado de los géneros típicos de nuestro cine
SLUGS; MUERTE VISCOSA (Slugs, 1987 -Juan Piquer Simón)
Buen ejemplar de como Juan Piquer Simón era capaz de rodar películas de producción netamente Española y convertirlas en Serie B Americana bastante digna. Aquí tenemos casi una variante (más simple, pero también muy gore) de "Vinieron de Dentro De..."(1975) con un ataque de babosas que devoran cualquier ser humano que se ponga a su paso. Por lo general un producto muy simpático, esquemático en su estructura y desarrollo, pero efectivo en su intención de camuflarse entre la producción USA más normalita
Harkness_666
Son cuatro
Me puse este verano un ciclo de J. P. Simón y Slugs fue una de las que cayeron. Puede ser fácilmente de lo más digno que realizó este señor (cosa que no es mucho decir), pero aún así, no me convenció, el desarrollo me pareció muy torpe y cansino, con el "terror" no del todo bien repartido... los efectos especiales, eso sí, muy logrados.
Me quedo con una frase magistral y mítica, la del mendigo ese que sale al principio: "¡QUÉ ASCO DE BAZOFIA!" (tal y como está planteada, diríase que hay bazofias que no son un asco, vaya...).
Me quedo con una frase magistral y mítica, la del mendigo ese que sale al principio: "¡QUÉ ASCO DE BAZOFIA!" (tal y como está planteada, diríase que hay bazofias que no son un asco, vaya...).
Upperseven
Miembro habitual
EL PERRO (1976, -Antonio Isasi)
Penúltimo film dirigido por Antonio Isasi Isasmendi y todo un ejemplar de sólida película de género en la que el director siempre estuvo muy cómodo y motraba modos superiores. Aquí se adapta una novela de Vázquez Figueroa titulada "Como Un Perro Rabioso" en la que un preso político (Jason Miller) se convierte en el objetivo de un perro entrenado para matar. Con una destacable bso de Anton García Abril y especialmente notable en su primera mitad -toda la situada en la jungla- donde el director muestra dotes de narrador de primera y un montaje superior...Y algo más atropellada en su resolución, cuando la acción se desarrolla en la urbe, y el juego con las tramas políticas es demasiado fácil-obvio, sumando algunas redundancias que impiden que la película sea redonda, pero no por ello interesante
Penúltimo film dirigido por Antonio Isasi Isasmendi y todo un ejemplar de sólida película de género en la que el director siempre estuvo muy cómodo y motraba modos superiores. Aquí se adapta una novela de Vázquez Figueroa titulada "Como Un Perro Rabioso" en la que un preso político (Jason Miller) se convierte en el objetivo de un perro entrenado para matar. Con una destacable bso de Anton García Abril y especialmente notable en su primera mitad -toda la situada en la jungla- donde el director muestra dotes de narrador de primera y un montaje superior...Y algo más atropellada en su resolución, cuando la acción se desarrolla en la urbe, y el juego con las tramas políticas es demasiado fácil-obvio, sumando algunas redundancias que impiden que la película sea redonda, pero no por ello interesante
Upperseven
Miembro habitual
PLANETA PROHIBIDO (Forbidden Planet, 1956 -Fred McCleod Wilcox)
Clasicazo de la S/F cincuentona -probablemente rivaliza con "Ultimantum a la tierra" a nivel intenciones y resultados- que hace una adaptación a los modos ciencia ficción de "La Tempèstad" de William Shakespeare...Añadiendo el inquietante concepto de los monstruos del subconsciente que toman forma real. El film, rodado por Fred McCleod Wilcox con gran sapiencia, tiene además la ventaja de ser un producción de una major (Metro Goldwyn Mayer) que se tiró la manta a la cabeza en hacer la mejor pelicula posible (Color,Cinemascope y unos efectos especiales, diseño de producción e incluso diseño de la musica electrónica claramente sensacionales) amén de incorporar un personaje ya clásico en la mitología cinematográfica: El Robot Robby
Clasicazo de la S/F cincuentona -probablemente rivaliza con "Ultimantum a la tierra" a nivel intenciones y resultados- que hace una adaptación a los modos ciencia ficción de "La Tempèstad" de William Shakespeare...Añadiendo el inquietante concepto de los monstruos del subconsciente que toman forma real. El film, rodado por Fred McCleod Wilcox con gran sapiencia, tiene además la ventaja de ser un producción de una major (Metro Goldwyn Mayer) que se tiró la manta a la cabeza en hacer la mejor pelicula posible (Color,Cinemascope y unos efectos especiales, diseño de producción e incluso diseño de la musica electrónica claramente sensacionales) amén de incorporar un personaje ya clásico en la mitología cinematográfica: El Robot Robby
Wontnerman
Miembro habitual
PLANETA PROHIBIDO (Forbidden Planet, 1956 -Fred McCleod Wilcox)
Clasicazo de la S/F cincuentona -probablemente rivaliza con "Ultimantum a la tierra" a nivel intenciones y resultados- que hace una adaptación a los modos ciencia ficción de "La Tempèstad" de William Shakespeare...Añadiendo el inquietante concepto de los monstruos del subconsciente que toman forma real. El film, rodado por Fred McCleod Wilcox con gran sapiencia, tiene además la ventaja de ser un producción de una major (Metro Goldwyn Mayer) que se tiró la manta a la cabeza en hacer la mejor pelicula posible (Color,Cinemascope y unos efectos especiales, diseño de producción e incluso diseño de la musica electrónica claramente sensacionales) amén de incorporar un personaje ya clásico en la mitología cinematográfica: El Robot Robby
- Me encanta su hipnótica banda sonora de Louis & Bebe Barron, que se acopla perfectamente a la historia con todos esos ruiditos y sonidos electrónicos que se van alternando con la música. Chicho Ibáñez Serrador la tomó como referencia en muchos de sus capítulos de "Historias para no dormir". Para el recuerdo el entrañable Robby, the robbot que se convirtió en un icono cinematográfico y televisivo, además de un juguete super ventas. Consiguió que una mole de metal tuviera delicadeza y ternura, sin necesidad de un rostro humano. Robby tuvo varios cameos en la serie "The Twilight Zone" como un actor más, series como "Colombo", "Vacaciones en el mar" y hasta una aparición en "Gremlins".
Y bueno... qué decir de... Altaira...
La chatte à deux têtes (2002) de Jacques Nolot
Modélica y delicada película donde echamos un vistazo a la vida dentro de un cine porno de París. La mirada de Nolot es siempre comprensiva y generosa, nunca buscando juzgar la humanidad que se mueve dentro de sus espacios, optando únicamente por un examen inteligente de dinámicas y de esa búsqueda desesperada de contacto físico o pasional, no necesariamente carnal. Otro de esos filmes donde la limitación de un único escenario (aunque podríamos dividirlo en varias secciones como la propia sala donde se proyectan películas X a las que casi nadie atiende, la recepción, los servicios....) ayuda a que adquiramos una verdadera comprensión de las corrientes humanas que lo habitan. Al obligarnos a mantener la mirada en un mismo lugar durante tanto tiempo, vamos viendo los patrones de comportamiento y los motivos que mueven a unas personas que, aun pareciéndonos algo exageradas en primera instancia, terminan por caernos simpáticas y transmitirnos todo su dolor y desesperación.
El sexo está filmado delicadamente, nunca recreándose en la gratuidad del momento a pesar de su abundancia. Siempre se atiende a la urgencia del necesitado o a la pura rutina que es para el que lo va ofreciendo día tras día, como algo perfectamente normalizado. Una película que, a través de una mirada limpia e igualitaria, termina revelándose verdaderamente subversiva y atrevida, en el sentido de que nos hace ver una realidad a la que no estamos acostumbrados, sin una mínima pizca de moralismo o sermoneo. Todo esto lo consigue Nolot a través de unos sutiles movimientos de cámara, encuadres que escudriñan cada rincón de la sala de cine, gestos y rostros que parecen definir el drama de toda una vida, a veces canalizado a través de hirientes o hilarantes diálogos entre la recepcionista, su ayudante y los clientes habituales. Recupera la confianza en un cine no temeroso de dejar a sus personajes dialogar por el mero hecho de dialogar. Dos personas hablando eternamente sobre sus pasados, dudas, incertezas y miedos como base de toda una idea de cine, conjuntada de forma dialéctica con una brillante dinámica en el interior de la propia sala basada en el sexo y el puro movimiento, a veces con una extraña cercanía a Jacques Tati o al Tsai Ming-liang de Goodbye, Dragon Inn, como ventana hacia las almas de las personas que intenta retratar. Y si a la larga ha puesto voz a los marginados y desheredados ha sido solo a través de las formas del cine, de las sombras y voces, de los espacios y rostros.
Modélica y delicada película donde echamos un vistazo a la vida dentro de un cine porno de París. La mirada de Nolot es siempre comprensiva y generosa, nunca buscando juzgar la humanidad que se mueve dentro de sus espacios, optando únicamente por un examen inteligente de dinámicas y de esa búsqueda desesperada de contacto físico o pasional, no necesariamente carnal. Otro de esos filmes donde la limitación de un único escenario (aunque podríamos dividirlo en varias secciones como la propia sala donde se proyectan películas X a las que casi nadie atiende, la recepción, los servicios....) ayuda a que adquiramos una verdadera comprensión de las corrientes humanas que lo habitan. Al obligarnos a mantener la mirada en un mismo lugar durante tanto tiempo, vamos viendo los patrones de comportamiento y los motivos que mueven a unas personas que, aun pareciéndonos algo exageradas en primera instancia, terminan por caernos simpáticas y transmitirnos todo su dolor y desesperación.
El sexo está filmado delicadamente, nunca recreándose en la gratuidad del momento a pesar de su abundancia. Siempre se atiende a la urgencia del necesitado o a la pura rutina que es para el que lo va ofreciendo día tras día, como algo perfectamente normalizado. Una película que, a través de una mirada limpia e igualitaria, termina revelándose verdaderamente subversiva y atrevida, en el sentido de que nos hace ver una realidad a la que no estamos acostumbrados, sin una mínima pizca de moralismo o sermoneo. Todo esto lo consigue Nolot a través de unos sutiles movimientos de cámara, encuadres que escudriñan cada rincón de la sala de cine, gestos y rostros que parecen definir el drama de toda una vida, a veces canalizado a través de hirientes o hilarantes diálogos entre la recepcionista, su ayudante y los clientes habituales. Recupera la confianza en un cine no temeroso de dejar a sus personajes dialogar por el mero hecho de dialogar. Dos personas hablando eternamente sobre sus pasados, dudas, incertezas y miedos como base de toda una idea de cine, conjuntada de forma dialéctica con una brillante dinámica en el interior de la propia sala basada en el sexo y el puro movimiento, a veces con una extraña cercanía a Jacques Tati o al Tsai Ming-liang de Goodbye, Dragon Inn, como ventana hacia las almas de las personas que intenta retratar. Y si a la larga ha puesto voz a los marginados y desheredados ha sido solo a través de las formas del cine, de las sombras y voces, de los espacios y rostros.
Última edición:
Upperseven
Miembro habitual
RAPSODIA DE SANGRE (1957, -Antonio Isasi)
Curiosisimo combinado de thriller político y drama situado en Bulgaria (reconstruida a caballo de Barcelona y Bilbao) y en el que tras unos primeros veinte minutos que hacen temer un panfleto anticomunista trasnochado el film deriva agradablemente hacia el film más de acción, con tramas de suspense, un ritmo excelente y la gran habilidad de su director en saber rodar escenas tensas con una cámara ágil, al mejor y más puro estilo de narrativa USA...Un precedente de las posteriores ambiciones internacionales de su carrera
Curiosisimo combinado de thriller político y drama situado en Bulgaria (reconstruida a caballo de Barcelona y Bilbao) y en el que tras unos primeros veinte minutos que hacen temer un panfleto anticomunista trasnochado el film deriva agradablemente hacia el film más de acción, con tramas de suspense, un ritmo excelente y la gran habilidad de su director en saber rodar escenas tensas con una cámara ágil, al mejor y más puro estilo de narrativa USA...Un precedente de las posteriores ambiciones internacionales de su carrera
No sé si me pillaría mal pero a mí no me gustó nada. Es verdad que estaba algo mejor el inicio, con la fuga carcelaria y la huida campestre, pero aparte de Jason Miller y cierto aire muy terrenal me parecía bastante planote. Y cuando salía de ahí o todo el tema de república bananera era muy torpe, me cargó mucho.
Les savates du bon dieu (2000) de Jean-Claude Brisseau
Que Brisseau no sea un director citado continuamente, cuya obra se conozca en profundidad de principio a fin (pues todas son excelentes) por la cinefilia, es una de las grandes injusticias con las que me he encontrado dentro de este medio. Luego se insistirá sin pausa en nombres mediocres o en continuar desgranando lo ya desgranado. Un autor con una coherencia y una filmografía a prueba de balas, poblada de películas realmente accesibles que no renuncian a un altísimo grado de misterio, de libertad total que siempre le concede a sus personajes. Brisseau es, como no, un director absolutamente único que parece formar un universo propio dentro de la historia del cine, pero a mi entender subyacen unas fascinantes conexiones con el mejor cine clásico (cosa común en los mejores directores de las últimas décadas) en toda su puesta en escena (entendida esta en el sentido más amplio del término): no solo los elementos que ayudan a crear una estética (con su ética) sino en ese atrevimiento, misterio y verdadera complejidad temática que recorre su cine. Un cine que no da respuestas y que multiplica sus significantes tras cada visionado.
Aquí nos encontramos con una película verdaderamente atrevida, vital, increíblemente joven para la edad que tenía Brisseau cuando la hizo. Antes de sumergirse en esa especie de trilogía temática sobre el deseo que conformarían sus tres siguientes obras maestras, aquí nos ofrecía, en apariencia, una pequeña fábula en la que un pobre diablo, al no ser capaz de estar a la altura en su temprano rol de marido y padre, termina atracando un banco, huyendo con una de sus empleadas y, en una especie de road movie, emprendiendo un viaje con ella para encontrar a su mujer que le ha abandonado. Por el camino se unirá un excéntrico africano apasionado con la magia negra y la informática, con supuesta sangre azul. En este viaje contemplamos un verdadero aprendizaje de emociones por parte de Fred, el protagonista, una maravillosa odisea donde Brisseau se pone de parte del pobre, del desgraciado y, con una magnífica comprensión de su mirada, nos muestra todo el espectro de emociones por el que pasa: el eterno anhelo de su amada, el sufrimiento, el nuevo amor que se va forjando con Sandrine (la empleada del banco), la lenta pero irreversible comprensión de las injusticias sociales que va adquiriendo...
Una fábula que, de paso, acaba transformándose en subversiva y revolucionaria, atentando contra todo un campo social, mostrándonos, como de costumbre, una decadencia bañada en lujo que separa dos mundos irreconciliables. Y todo esto bañado en una luz que provoca Stendhal, de una enorme calidez, que envuelve a cada uno de los personajes que habita el film, de una cercanía que emociona realmente. Con maravillosas ideas visuales tan comunes en el cine de Brisseau, como ese constante acercamiento con la cámara hacia Elodie, la amada perdida, desnuda y posando en una cama de sábanas rojas (de nuevo demostrándonos que, hoy en día, casi nadie filma el deseo como él), una maravillosa selección musical que parece sublimar cada escena convirtiendo a los dos pobres diablos en verdaderos héroes marxistas, seres humanos dignos y compasivos. Aparece también un humor extraño y delicioso, generalmente con el personaje de Maguette, el africano, y canaliza los momentos de acción con una fisicidad y síntesis visual que habría que relacionar con el mejor cine mudo (ese magnífico clímax con la secuencia del bar, persecución y arrinconamiento que termina con fuego).
En fin, una absoluta maravilla.
Que Brisseau no sea un director citado continuamente, cuya obra se conozca en profundidad de principio a fin (pues todas son excelentes) por la cinefilia, es una de las grandes injusticias con las que me he encontrado dentro de este medio. Luego se insistirá sin pausa en nombres mediocres o en continuar desgranando lo ya desgranado. Un autor con una coherencia y una filmografía a prueba de balas, poblada de películas realmente accesibles que no renuncian a un altísimo grado de misterio, de libertad total que siempre le concede a sus personajes. Brisseau es, como no, un director absolutamente único que parece formar un universo propio dentro de la historia del cine, pero a mi entender subyacen unas fascinantes conexiones con el mejor cine clásico (cosa común en los mejores directores de las últimas décadas) en toda su puesta en escena (entendida esta en el sentido más amplio del término): no solo los elementos que ayudan a crear una estética (con su ética) sino en ese atrevimiento, misterio y verdadera complejidad temática que recorre su cine. Un cine que no da respuestas y que multiplica sus significantes tras cada visionado.
Aquí nos encontramos con una película verdaderamente atrevida, vital, increíblemente joven para la edad que tenía Brisseau cuando la hizo. Antes de sumergirse en esa especie de trilogía temática sobre el deseo que conformarían sus tres siguientes obras maestras, aquí nos ofrecía, en apariencia, una pequeña fábula en la que un pobre diablo, al no ser capaz de estar a la altura en su temprano rol de marido y padre, termina atracando un banco, huyendo con una de sus empleadas y, en una especie de road movie, emprendiendo un viaje con ella para encontrar a su mujer que le ha abandonado. Por el camino se unirá un excéntrico africano apasionado con la magia negra y la informática, con supuesta sangre azul. En este viaje contemplamos un verdadero aprendizaje de emociones por parte de Fred, el protagonista, una maravillosa odisea donde Brisseau se pone de parte del pobre, del desgraciado y, con una magnífica comprensión de su mirada, nos muestra todo el espectro de emociones por el que pasa: el eterno anhelo de su amada, el sufrimiento, el nuevo amor que se va forjando con Sandrine (la empleada del banco), la lenta pero irreversible comprensión de las injusticias sociales que va adquiriendo...
Una fábula que, de paso, acaba transformándose en subversiva y revolucionaria, atentando contra todo un campo social, mostrándonos, como de costumbre, una decadencia bañada en lujo que separa dos mundos irreconciliables. Y todo esto bañado en una luz que provoca Stendhal, de una enorme calidez, que envuelve a cada uno de los personajes que habita el film, de una cercanía que emociona realmente. Con maravillosas ideas visuales tan comunes en el cine de Brisseau, como ese constante acercamiento con la cámara hacia Elodie, la amada perdida, desnuda y posando en una cama de sábanas rojas (de nuevo demostrándonos que, hoy en día, casi nadie filma el deseo como él), una maravillosa selección musical que parece sublimar cada escena convirtiendo a los dos pobres diablos en verdaderos héroes marxistas, seres humanos dignos y compasivos. Aparece también un humor extraño y delicioso, generalmente con el personaje de Maguette, el africano, y canaliza los momentos de acción con una fisicidad y síntesis visual que habría que relacionar con el mejor cine mudo (ese magnífico clímax con la secuencia del bar, persecución y arrinconamiento que termina con fuego).
En fin, una absoluta maravilla.
Última edición:
Los maestros tullidos (Tian can di que). Joe Law, 1979.
Bizarrísima cinta taiwanesa de kung-fu que, al parecer, goza de cierto estatus de culto en USA.
Dos matones acaban convirtiéndose en víctimas de su despótico jefe (un mafiosillo experto en artes marciales) que los desgracia para el resto de sus vidas (a uno le amputa los brazos, y al otro le inutiliza las piernas con ácido). Con la mediación de un viejo maestro (y un poderoso luchador, agente del Gobierno) dejarán a un lado sus diferencias para colaborar juntos, sacar partido de sus discapacidades y consumar finalmente su venganza. Una especie de delirante parábola pseudocomunista que sigue la estructura típica de este tipo de producciones (suceso traumático, depresión, adiestramiento, enfrentamiento final) y que alcanza su momento álgido cuando ambos protagonistas se fusionan en un solo ser mediante una técnica secreta de kung-fu (como si de una versión pedestre de Dragon Ball se tratase).
Una premisa simpática e interesante que, desgraciadamente, naufraga por completo al llevarse a la pantalla. La edición en dvd que he visto tampoco ayuda demasiado, con una imagen casi de vhs, planos que parecen volteados y esa especie de extraño pan and scan que se carga por completo las composiciones (supongo que es la única copia disponible y las condiciones son las que son... de ahí también la ausencia de v.o.; sólo el doblaje en inglés con subtítulos en castellano). Narrativamente es torpísima y se notan unos tijeretazos enormes que afectan a la estabilidad y coherencia de todo el asunto... aunque me gusta mucho cómo va directamente al grano (la primera escena comienza con la primera amputación), el plano fijo del final que deja el combate aparentemente decido pero (en realidad) literalmente en el aire, o lo moderamente sugerente de algunos apuntes (el ataúd, el río que te arrastra, la cesta del maestro). También las hostias, claro (incluyendo el hecho de que los dos actores protagonistas sean discapacitados reales), aunque seguramente al espectador de hoy en día le cueste mucho más lidiar con esa ingenuidad.
En definitiva, que nadie busque algo similar a propuestas de cierta entidad como las famosas 36 cámaras que protagonizaba Gordon Liu o la peculiar Five Deadly Venoms (lo más cercano a una obra maestra del género... en su versión old school)... pero si te fumabas sin filtro todas las películas que emitían en el programa de tv. Cinturón Negro (antes de que se pasaran a la serie de ninjas de Van Cleef) esto te puede resultar interesante.
Bizarrísima cinta taiwanesa de kung-fu que, al parecer, goza de cierto estatus de culto en USA.
Dos matones acaban convirtiéndose en víctimas de su despótico jefe (un mafiosillo experto en artes marciales) que los desgracia para el resto de sus vidas (a uno le amputa los brazos, y al otro le inutiliza las piernas con ácido). Con la mediación de un viejo maestro (y un poderoso luchador, agente del Gobierno) dejarán a un lado sus diferencias para colaborar juntos, sacar partido de sus discapacidades y consumar finalmente su venganza. Una especie de delirante parábola pseudocomunista que sigue la estructura típica de este tipo de producciones (suceso traumático, depresión, adiestramiento, enfrentamiento final) y que alcanza su momento álgido cuando ambos protagonistas se fusionan en un solo ser mediante una técnica secreta de kung-fu (como si de una versión pedestre de Dragon Ball se tratase).
Una premisa simpática e interesante que, desgraciadamente, naufraga por completo al llevarse a la pantalla. La edición en dvd que he visto tampoco ayuda demasiado, con una imagen casi de vhs, planos que parecen volteados y esa especie de extraño pan and scan que se carga por completo las composiciones (supongo que es la única copia disponible y las condiciones son las que son... de ahí también la ausencia de v.o.; sólo el doblaje en inglés con subtítulos en castellano). Narrativamente es torpísima y se notan unos tijeretazos enormes que afectan a la estabilidad y coherencia de todo el asunto... aunque me gusta mucho cómo va directamente al grano (la primera escena comienza con la primera amputación), el plano fijo del final que deja el combate aparentemente decido pero (en realidad) literalmente en el aire, o lo moderamente sugerente de algunos apuntes (el ataúd, el río que te arrastra, la cesta del maestro). También las hostias, claro (incluyendo el hecho de que los dos actores protagonistas sean discapacitados reales), aunque seguramente al espectador de hoy en día le cueste mucho más lidiar con esa ingenuidad.
En definitiva, que nadie busque algo similar a propuestas de cierta entidad como las famosas 36 cámaras que protagonizaba Gordon Liu o la peculiar Five Deadly Venoms (lo más cercano a una obra maestra del género... en su versión old school)... pero si te fumabas sin filtro todas las películas que emitían en el programa de tv. Cinturón Negro (antes de que se pasaran a la serie de ninjas de Van Cleef) esto te puede resultar interesante.
Upperseven
Miembro habitual
AGNOSIA (2011, -Eugenio Mira)
Todo un ejemplo de tomadura de pelo cinematográfica y film impostadísimo, con la que Eugenio Mira demuestra buenas maneras en lo visual, pero bastantes deficiencias en el ritmo y en saber contar realmente algo. El film, que juega de modo absurdo con flashbacks -amén de un exceso de metraje- intenta ser una mezcla imposible de thriller y drama romántico ,rematado con una secuencia final que realmente es lo único decente de un film absurdo y muy antipático...Al que tampoco ayuda un grupo de actores nada o poco esforzados y una banda sonora firmada por el mismo director tan enfática e inapropiada que aun perjudica más al ritmo del film
EL INTERNADO (Saint Ange, 2004 -Pascal Laugier)
Ejemplar de film de terror de manual, con historia muy típica -jóven embarazada que llega a un internado para ayudar en las tareas de cierre- y un progresivo misterio que desemboca en film de terror. El problema es que aunque la atmósfera y los acabados son más que notables (buena fotografía de Pablo Rosso y excelente música de Joseph LoDuca) el guión es un batiburrillo de tópicos que desembocan en algo sin excesiva gracia, nunca bien rematado y que crea sensación de producto falto de historia realmente potente
Todo un ejemplo de tomadura de pelo cinematográfica y film impostadísimo, con la que Eugenio Mira demuestra buenas maneras en lo visual, pero bastantes deficiencias en el ritmo y en saber contar realmente algo. El film, que juega de modo absurdo con flashbacks -amén de un exceso de metraje- intenta ser una mezcla imposible de thriller y drama romántico ,rematado con una secuencia final que realmente es lo único decente de un film absurdo y muy antipático...Al que tampoco ayuda un grupo de actores nada o poco esforzados y una banda sonora firmada por el mismo director tan enfática e inapropiada que aun perjudica más al ritmo del film
EL INTERNADO (Saint Ange, 2004 -Pascal Laugier)
Ejemplar de film de terror de manual, con historia muy típica -jóven embarazada que llega a un internado para ayudar en las tareas de cierre- y un progresivo misterio que desemboca en film de terror. El problema es que aunque la atmósfera y los acabados son más que notables (buena fotografía de Pablo Rosso y excelente música de Joseph LoDuca) el guión es un batiburrillo de tópicos que desembocan en algo sin excesiva gracia, nunca bien rematado y que crea sensación de producto falto de historia realmente potente
Upperseven
Miembro habitual
LA LEYENDA DE VANDORF: LA GORGONA (The Gorgon, 1964 -Terence Fisher)
Una de las obras cumbre de la Hammer y su director emblema el gran Terence Fisher, el film adapta un personaje de la mitología Griega La Gorgona que vuelve en piedra a todo aquel que la mire a los ojos y a través de un gran guion de John Gilling lo transforma en un cuento gótico de gran atmósfera . el resultado que mezcla terror y también romanticismo es un film inolvidable que el gran Fisher resuelve con la eficacia y la maestría habitual en él además de tener la originalidad de mostrar al tándem Christopher Lee & Peter Cushing en papeles contrapuestos a lo habitual.Un clásico
ESPEJISMO (Mirage, 1965 -Edward Dmytryk)
Thriller psicológico bastante curioso pero malogrado en su desarrollo -el guión no sabe desenvolver bien su premisa original- en la que un hombre (Gregory Peck) de repente descubre que ciertas partes de su pasado se hayan ocultas en una amnesia que le impide llevar una vida normal. Una idea y un concepto casi dignas de Twilight Zone que mejor elaboradas daban para un clásico del género, pero que aquí queda en algo irregular y rodado con oficio por Edward Dmytryk y con excelente música de Quincy Jones
Una de las obras cumbre de la Hammer y su director emblema el gran Terence Fisher, el film adapta un personaje de la mitología Griega La Gorgona que vuelve en piedra a todo aquel que la mire a los ojos y a través de un gran guion de John Gilling lo transforma en un cuento gótico de gran atmósfera . el resultado que mezcla terror y también romanticismo es un film inolvidable que el gran Fisher resuelve con la eficacia y la maestría habitual en él además de tener la originalidad de mostrar al tándem Christopher Lee & Peter Cushing en papeles contrapuestos a lo habitual.Un clásico
ESPEJISMO (Mirage, 1965 -Edward Dmytryk)
Thriller psicológico bastante curioso pero malogrado en su desarrollo -el guión no sabe desenvolver bien su premisa original- en la que un hombre (Gregory Peck) de repente descubre que ciertas partes de su pasado se hayan ocultas en una amnesia que le impide llevar una vida normal. Una idea y un concepto casi dignas de Twilight Zone que mejor elaboradas daban para un clásico del género, pero que aquí queda en algo irregular y rodado con oficio por Edward Dmytryk y con excelente música de Quincy Jones
Upperseven
Miembro habitual
I AM YOUR FATHER (2015, -Toni Bestard, Marcos Cabotá)
Interesante documental que intenta reivindicar la figura del actor Dave Prowse, que interpretaba a Darth Vader en las tres películas de la trilogía inicial producida por George Lucas...Y al que de algún modo el destino jugó una mala pasada al no poder aparecer en el plano final que revelaba el rostro de Vader al espectador (hay explicaciones para todos los gustos, pero creo que la de la edad del personaje es realmente la más valida). Bien construido, el relato sabe jugar con los diferentes puntos de vista/opiniones sin tampoco decantarse del todo hacia uno de los lados...Tal vez se excede en el protagonismo del propio director Marcos Cabotá (creo que estar en segundo plano hubiese beneficiado aun más el resultado final) pero es un ejemplo de como con una buena estructura se puede sacar más jugo de lo esperado ante un hecho-planteamiento-anécdota en el fondo habitual en el cine
Interesante documental que intenta reivindicar la figura del actor Dave Prowse, que interpretaba a Darth Vader en las tres películas de la trilogía inicial producida por George Lucas...Y al que de algún modo el destino jugó una mala pasada al no poder aparecer en el plano final que revelaba el rostro de Vader al espectador (hay explicaciones para todos los gustos, pero creo que la de la edad del personaje es realmente la más valida). Bien construido, el relato sabe jugar con los diferentes puntos de vista/opiniones sin tampoco decantarse del todo hacia uno de los lados...Tal vez se excede en el protagonismo del propio director Marcos Cabotá (creo que estar en segundo plano hubiese beneficiado aun más el resultado final) pero es un ejemplo de como con una buena estructura se puede sacar más jugo de lo esperado ante un hecho-planteamiento-anécdota en el fondo habitual en el cine
nogales
Miembro habitual
From Hell ( Hermanos Hughes, 2001 )
Aunque superficial y fallida al intentar condensar la complejidad del libreto de Alan Moore en una mas de Jack el destripador de 2 horas , tiene suficientes puntos de interés para no desdeñarla a la ligera. Gran tratamiento de personajes, gran ambientación, buenos detalles de puesta en escena ( pese a alguna macarrada ) y un final para nada complaciente.
Depp por cierto está bastante correcto, para nada pasado de rosca y sabe alejarse de un rol similar en contexto como podría ser el de Ichabod Crane. Ian Holm eso si, se le come a él y a la pantalla en cada aparición.
Y es ( tampoco lo tenìa muy difícil ) la mejor de las adaptaciones de Moore al cine
Aunque superficial y fallida al intentar condensar la complejidad del libreto de Alan Moore en una mas de Jack el destripador de 2 horas , tiene suficientes puntos de interés para no desdeñarla a la ligera. Gran tratamiento de personajes, gran ambientación, buenos detalles de puesta en escena ( pese a alguna macarrada ) y un final para nada complaciente.
Depp por cierto está bastante correcto, para nada pasado de rosca y sabe alejarse de un rol similar en contexto como podría ser el de Ichabod Crane. Ian Holm eso si, se le come a él y a la pantalla en cada aparición.
Y es ( tampoco lo tenìa muy difícil ) la mejor de las adaptaciones de Moore al cine
Asalto a Firebase Gloria (The Siege of Firebase Gloria) Brian Trenchard-Smith, 1989.
Un par de años después de La chaqueta metálica, a alguien se le ocurrió la feliz idea de intentar plasmar cómo se las hubiera arreglado el sargento Hartman si, en vez de quedarse de instructor en la isla Parris, hubiese sido enviado a Vietnam para liquidar a todos los "paganos comunistas que no creen en la Virgen María". El resultado es esta divertidísima ensalada de tiros rodada por el director de Los Bicivoladores, en la que R. Lee Ermey da vida al sargento mayor Bill Hafner, el oficial responsable de aguantar, al precio que sea, una posición asediada por el Vietcong durante la famosa ofensiva del Tet.
Coproducida entre Australia y Filipinas, la película destaca especialmente por sus posiciones ultra-conservadoras. Hafner (que va narrando los acontecimientos en off) no soporta a Charlie, ni a los drogatas, ni a los hippies, ni a los que critican al Cuerpo de Marines, ni la pornografía, ni a las enfermeras contestonas, ni a los que no mantienen la disciplina y la profesionalidad. Incluso desaprueba que su colega DiNardo (Wings Hauser) se emborrache una noche mientras piensa (desolado) en la desgraciada pérdida de su hijo. Estupendas las encendidas peroratas que le suelta a la tropa mientras avanza por las trincheras y le seguimos mediante travelling (sobre todo, aquella en la que sostiene las cabezas seccionadas de dos de sus hombres) incluyendo frases como "en la guerra no hay sitio para los ateos" (creo haber leído que Ermey, al igual que en Full Metal Jacket, firma muchas de sus líneas).
La cosa alcanza extremos divertidísimos aunque muy políticamente incorrectos... delirantes, incluso, para el espectador de hoy en día (seguramente por eso está bastante "olvidada"); por ejemplo: cuando Hafner llega por primera vez a la base, organiza un golpe de estado contra el oficial al mando (que se pasa el día drogado y en pelotas, cascándosela como Manubrio en su puesto de mando decorado con un cartel que reza "give peace a chance" y un símbolo de paz)... pero no lo derroca arrestándolo, sino simulando un ataque enemigo y volando su choza con un puto lanzagranadas (queda herido y es evacuado); en otro momento vemos cómo le quitan la tontería a leches a un reportero gráfico (el camello de la base) que se declara objetor de conciencia, le dan un fusil y lo ponen a disparar; también asistimos a una sesión de tortura contra un prisionero vietcong que sirve para que DiNardo aleccione a la oficial médico sobre la verdadera naturaleza del salvajismo... o a cómo rematan a los heridos o tirotean a sangre fría a dos campesinas aparentemente inocentes (explotando ellas a continuación... y demostrando así que iban cargadas hasta el culo de explosivos); y una frase para el recuerdo que define a la perfección el espíritu right wing del film: "Todo esto pasa cuando se hereda bienestar".
A pesar de ello hay también un retrato bastante humano de la otra parte, estableciendo paralelismos entre los dos protagonistas y otros dos oficiales enemigos que se sienten marionetas de sus superiores. Y si por algo destaca además la película es por su altísimo nivel de violencia y sadismo (John Rambo sería la referencia más obvia para el espectador de hoy): cabezas clavadas en estacas, pilas de niños ejecutados, mujeres violadas, cadáveres putrefactos de los que brotan alimañas, mutilaciones... y chorros de sangre por doquier. Una versión desquiciada y muchísimo más extrema de The Green Berets (hay obvias influencias, incluso argumentales), rodada sin el clasicismo de la de Wayne (ojo, aquí se le vuelve a nombrar) pero con una mala leche desarmante, contagiosa e insuperable. Por cierto, también aparece Albert Popwell (el actor afroamericano que encarnó diferentes papeles en las cuatro primeras entregas de Dirty Harry) en el que sería uno de sus últimos trabajos.
En definitiva: una animalada, tosca como ella sola, pero imprescindible para los amantes del género...
Un par de años después de La chaqueta metálica, a alguien se le ocurrió la feliz idea de intentar plasmar cómo se las hubiera arreglado el sargento Hartman si, en vez de quedarse de instructor en la isla Parris, hubiese sido enviado a Vietnam para liquidar a todos los "paganos comunistas que no creen en la Virgen María". El resultado es esta divertidísima ensalada de tiros rodada por el director de Los Bicivoladores, en la que R. Lee Ermey da vida al sargento mayor Bill Hafner, el oficial responsable de aguantar, al precio que sea, una posición asediada por el Vietcong durante la famosa ofensiva del Tet.
Coproducida entre Australia y Filipinas, la película destaca especialmente por sus posiciones ultra-conservadoras. Hafner (que va narrando los acontecimientos en off) no soporta a Charlie, ni a los drogatas, ni a los hippies, ni a los que critican al Cuerpo de Marines, ni la pornografía, ni a las enfermeras contestonas, ni a los que no mantienen la disciplina y la profesionalidad. Incluso desaprueba que su colega DiNardo (Wings Hauser) se emborrache una noche mientras piensa (desolado) en la desgraciada pérdida de su hijo. Estupendas las encendidas peroratas que le suelta a la tropa mientras avanza por las trincheras y le seguimos mediante travelling (sobre todo, aquella en la que sostiene las cabezas seccionadas de dos de sus hombres) incluyendo frases como "en la guerra no hay sitio para los ateos" (creo haber leído que Ermey, al igual que en Full Metal Jacket, firma muchas de sus líneas).
La cosa alcanza extremos divertidísimos aunque muy políticamente incorrectos... delirantes, incluso, para el espectador de hoy en día (seguramente por eso está bastante "olvidada"); por ejemplo: cuando Hafner llega por primera vez a la base, organiza un golpe de estado contra el oficial al mando (que se pasa el día drogado y en pelotas, cascándosela como Manubrio en su puesto de mando decorado con un cartel que reza "give peace a chance" y un símbolo de paz)... pero no lo derroca arrestándolo, sino simulando un ataque enemigo y volando su choza con un puto lanzagranadas (queda herido y es evacuado); en otro momento vemos cómo le quitan la tontería a leches a un reportero gráfico (el camello de la base) que se declara objetor de conciencia, le dan un fusil y lo ponen a disparar; también asistimos a una sesión de tortura contra un prisionero vietcong que sirve para que DiNardo aleccione a la oficial médico sobre la verdadera naturaleza del salvajismo... o a cómo rematan a los heridos o tirotean a sangre fría a dos campesinas aparentemente inocentes (explotando ellas a continuación... y demostrando así que iban cargadas hasta el culo de explosivos); y una frase para el recuerdo que define a la perfección el espíritu right wing del film: "Todo esto pasa cuando se hereda bienestar".
A pesar de ello hay también un retrato bastante humano de la otra parte, estableciendo paralelismos entre los dos protagonistas y otros dos oficiales enemigos que se sienten marionetas de sus superiores. Y si por algo destaca además la película es por su altísimo nivel de violencia y sadismo (John Rambo sería la referencia más obvia para el espectador de hoy): cabezas clavadas en estacas, pilas de niños ejecutados, mujeres violadas, cadáveres putrefactos de los que brotan alimañas, mutilaciones... y chorros de sangre por doquier. Una versión desquiciada y muchísimo más extrema de The Green Berets (hay obvias influencias, incluso argumentales), rodada sin el clasicismo de la de Wayne (ojo, aquí se le vuelve a nombrar) pero con una mala leche desarmante, contagiosa e insuperable. Por cierto, también aparece Albert Popwell (el actor afroamericano que encarnó diferentes papeles en las cuatro primeras entregas de Dirty Harry) en el que sería uno de sus últimos trabajos.
En definitiva: una animalada, tosca como ella sola, pero imprescindible para los amantes del género...
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Mensch Maschine
Santur
Quiero ser libre (Michael Apted, 1980)
Convencional 'biopic' con vocación de oscarizable, que nos narra la juventud y ascenso a la fama de la célebre cantante country Loretta Lynn. Aunque el film en sí es lineal y mediocre en su concepción (hablamos de Michael Apted ...), sin embargo tiene elementos de mucho interés, como el retrato de esa población minera de los Apalaches a mediados de los años 40, ahora tan 'de moda' por aparecer en todas las crónicas como fuente de votos principal para Donald Trump. También destaca el retrato de los garitos y el artisteo country, fascinante y perturbador a un tiempo.
Pero lo que sobresale por encima de todo es el excelente trabajo de sus dos protagonistas, Sissy Spacek y un entonces viejoven Tommy Lee Jones teñido de rubio hasta las cejas (literalmente). La Spacek se agenció un merecido Oscar por su interpretación, aunque bien es cierto que ésta no es ni mejor ni peor que muchas de las que haya podido realizar la actriz a lo largo de su carrera. Por su lado, Lee Jones compone con mucho éxito un personaje bastante difícil en su frágil equilibrio entre macho violento de las montañas e individuo relegado a un plano secundario debido a la éxito de su cónyuge.
Un saludete.
Convencional 'biopic' con vocación de oscarizable, que nos narra la juventud y ascenso a la fama de la célebre cantante country Loretta Lynn. Aunque el film en sí es lineal y mediocre en su concepción (hablamos de Michael Apted ...), sin embargo tiene elementos de mucho interés, como el retrato de esa población minera de los Apalaches a mediados de los años 40, ahora tan 'de moda' por aparecer en todas las crónicas como fuente de votos principal para Donald Trump. También destaca el retrato de los garitos y el artisteo country, fascinante y perturbador a un tiempo.
Pero lo que sobresale por encima de todo es el excelente trabajo de sus dos protagonistas, Sissy Spacek y un entonces viejoven Tommy Lee Jones teñido de rubio hasta las cejas (literalmente). La Spacek se agenció un merecido Oscar por su interpretación, aunque bien es cierto que ésta no es ni mejor ni peor que muchas de las que haya podido realizar la actriz a lo largo de su carrera. Por su lado, Lee Jones compone con mucho éxito un personaje bastante difícil en su frágil equilibrio entre macho violento de las montañas e individuo relegado a un plano secundario debido a la éxito de su cónyuge.
Un saludete.
Wontnerman
Miembro habitual
- Descubierta este verano en inglés subtitulado. Me encantó. A destacar también el pequeño papel de Beverly D'Angelo como la gran cantante country, la malograda Patsy Kline, que se convirtió en la mejor amiga de Loretta Lynn (el gran éxito de Patsy Kline "I'm back in baby's arms" es la canción que se escucha en la radio en "Mejor solo que mal acompañado" cuando se despiertan Steve Martin y John Candy abrazados después de pasar la noche en el motel de Wichita: "¡Eso no son almohadas!")
Recomendable si se quiere hacer una sesión doble de cine country, el añadir "Gracias y Favores" ("Tender Mercies") de 1983 protagonizada por un inmenso Robert Duvall, en el papel de una antigua estrella de la música country en decadencia, que lucha por salir del pozo. Las canciones las canta el propio Duvall,que también toca la guitarra. Hemos visto ya antes historias de redención, pero la presencia de Duvall en una interpretación magistral siempre es un plus.
Mensch Maschine
Santur
Kids (Larry Clark, 1995)
Larry Clark quiso hacer su debut en el cine con esta cinta de (pre)adolescents perdidos y promiscuos en la jungla neoyorkina. A Gus Van Sant le debió de parecer genial la idea de una película llena de jovencitos sin camiseta, y le echó una mano al primo Clark para que pudiese sacar adelante el proyecto. Y hete aquí a una marabunta de quinceañeros descerebrados golfeando, drogándose, follando y contagiándose el VIH unos a otros. Y con ellos, llegó el escándalo, con acusaciones prácticamente de pornografía infantil a los autores de la peli (y lo cierto es que la bordea peligrosamente en ocasiones, para qué nos vamos a engañar). Y eso que la intención clara de quienes concibieron el film era la de crear una cierta alarma social, por lo que la peli tiene una innegable connotación moralista que desvirtúa bastante el presunto retrato generacional.
Pero con todo, la película no es ningún bodrio y tiene valores bastante positivos. Uno de ellos es el singular sentido de la inmediatez logrado gracias a la naturalidad y el desparpajo de sus actores, hasta entonces chavales de calle sin vínculo alguno con la actuación. Sorprende sobre todo esa piña de chavales de todas las etnias sin el menor atisbo de racismo real entre ellos. De aquí salieron Chloe Sevigny y Rosario Dawson, por lo que algo tenemos que agradecerle a Clark, sobre todo en el caso de la segunda
. Otro valor es la puesta en escena y la fotografía, con un vistoso y fascinante retrato de las localizaciones neoyorkinas, las cuales, lejos de la sordidez a la que apunta la trama del film (es un decir), se muestran con un colorido y una viveza tan vibrantes que te hacen tener ganas de poder teletransportarte allí. Y bueno, como puntilla está la notable BSO conformada por la música que definió de manera fundamental el sonido de los 90 en EEUU: punk-rock, hip-hop, rock indie, etc.
En definitiva, un film que se ve con tanta incredulidad como fascinación, por su condición de pequeña cápsula del tiempo de mediados de los 90, y también como muestra del cine que se podía hacer entonces en EEUU al margen de los grandes estudios (aunque finalmente los Weinstein anduviesen implicados en la distribución).
Un saludete.
Larry Clark quiso hacer su debut en el cine con esta cinta de (pre)adolescents perdidos y promiscuos en la jungla neoyorkina. A Gus Van Sant le debió de parecer genial la idea de una película llena de jovencitos sin camiseta, y le echó una mano al primo Clark para que pudiese sacar adelante el proyecto. Y hete aquí a una marabunta de quinceañeros descerebrados golfeando, drogándose, follando y contagiándose el VIH unos a otros. Y con ellos, llegó el escándalo, con acusaciones prácticamente de pornografía infantil a los autores de la peli (y lo cierto es que la bordea peligrosamente en ocasiones, para qué nos vamos a engañar). Y eso que la intención clara de quienes concibieron el film era la de crear una cierta alarma social, por lo que la peli tiene una innegable connotación moralista que desvirtúa bastante el presunto retrato generacional.
Pero con todo, la película no es ningún bodrio y tiene valores bastante positivos. Uno de ellos es el singular sentido de la inmediatez logrado gracias a la naturalidad y el desparpajo de sus actores, hasta entonces chavales de calle sin vínculo alguno con la actuación. Sorprende sobre todo esa piña de chavales de todas las etnias sin el menor atisbo de racismo real entre ellos. De aquí salieron Chloe Sevigny y Rosario Dawson, por lo que algo tenemos que agradecerle a Clark, sobre todo en el caso de la segunda
. Otro valor es la puesta en escena y la fotografía, con un vistoso y fascinante retrato de las localizaciones neoyorkinas, las cuales, lejos de la sordidez a la que apunta la trama del film (es un decir), se muestran con un colorido y una viveza tan vibrantes que te hacen tener ganas de poder teletransportarte allí. Y bueno, como puntilla está la notable BSO conformada por la música que definió de manera fundamental el sonido de los 90 en EEUU: punk-rock, hip-hop, rock indie, etc.En definitiva, un film que se ve con tanta incredulidad como fascinación, por su condición de pequeña cápsula del tiempo de mediados de los 90, y también como muestra del cine que se podía hacer entonces en EEUU al margen de los grandes estudios (aunque finalmente los Weinstein anduviesen implicados en la distribución).
Un saludete.
Upperseven
Miembro habitual
RUEGA POR TU MUERTE (Pray For Death, 1985 -Gordon Hessler)
Simpatiquisima muestra de action film ochentero, rodado con muchas solvencia por el interesante artesano Gordon Hessler (a él se deben algunas joyas del fantástico de los setenta, entre ellas "El Viaje Fantástico de Simbad") y que aquí rueda un relato muy simple a nivel de trama -un ex Ninja (Sho Kosugi) que llega con su familia a los EEUU y se acaba enfrentando a una mafia- Pero que se resuelve con mucho ritmo, y una suma de tópicos del género de aquella época que funcionan, especialmente gracias a un villano excelente (James Booth) y una muy buena coreografía de escenas de peleas que se remata en un choque final villano/héroe muy tenso y bien rodado
LA HORA DECISIVA (Finest Hours, 2016 -Craig Gillespie)
Puesta al día de la típica trama catastrófista, en esta ocasión basada en hechos reales acontecidos en 1952 con el rescate de un barco partido en dos por parte de un pequeña lancha de guardacostas, pero basculando entre el drama romántico y el suspense convencional. Los resultados son bastante brillantes en lo técnico, pero no tienen mucha fuerza en lo dramático -tampoco ayuda un grupo de actores que compiten en sosez- en un ejemplar de film tan correcto como falto de garra al que el exceso de metraje tampoco ayuda nada
Simpatiquisima muestra de action film ochentero, rodado con muchas solvencia por el interesante artesano Gordon Hessler (a él se deben algunas joyas del fantástico de los setenta, entre ellas "El Viaje Fantástico de Simbad") y que aquí rueda un relato muy simple a nivel de trama -un ex Ninja (Sho Kosugi) que llega con su familia a los EEUU y se acaba enfrentando a una mafia- Pero que se resuelve con mucho ritmo, y una suma de tópicos del género de aquella época que funcionan, especialmente gracias a un villano excelente (James Booth) y una muy buena coreografía de escenas de peleas que se remata en un choque final villano/héroe muy tenso y bien rodado
LA HORA DECISIVA (Finest Hours, 2016 -Craig Gillespie)
Puesta al día de la típica trama catastrófista, en esta ocasión basada en hechos reales acontecidos en 1952 con el rescate de un barco partido en dos por parte de un pequeña lancha de guardacostas, pero basculando entre el drama romántico y el suspense convencional. Los resultados son bastante brillantes en lo técnico, pero no tienen mucha fuerza en lo dramático -tampoco ayuda un grupo de actores que compiten en sosez- en un ejemplar de film tan correcto como falto de garra al que el exceso de metraje tampoco ayuda nada
Mensch Maschine
Santur
El último emperador (Bernardo Bertolucci, 1987)
Monumental 'bioepic' acerca de la turbulenta y trágica vida de Puyí, el ultimo emperador de China, al que el italiano retrata como un antihéroe que, a pesar de sus ambiciones, nunca pudo llegar a ser nada más que una figura decorativa y anacrónica del régimen que supuestamente representaba. Bertolucci nos narra esta historia con todo lujo de medios, gracias a la colaboración del gobierno chino de la época, y nos sumerje con una exhuberancia apabullante en una época fascinante, aunque también traumática, de contínuos cambios para la cultura y sociedad del gigante asiático.
Sin embargo, y a pesar de que el film obtiene un notable alto en casi todos los aspectos imaginables (guión, montaje, puesta en escena, fotografía, actuaciones, dirección artística ...), al los tiempo adolece de una falta de emoción que quizá esté motivada por la necesidad de condensar seis décadas de la historia de un país tan inabarcable como China en las poco más de dos horas y media del montaje cinematográfico. El 'timing' de las escenas se encuentra acelerado de manera antinatural, y no las deja respirar adecuadamente, del mismo modo en que impide que las relaciones entre personajes fluyan y puedan tener un correcto desarrollo.
Pero en cualquier caso, seguimos estando ante un 'epic' artesanal imprescindible, de esos que hacen echar de menos la época de las localizaciones y decorados genuinos, y los innumerables extras de carne y hueso en pantalla.
Un saludete.
Monumental 'bioepic' acerca de la turbulenta y trágica vida de Puyí, el ultimo emperador de China, al que el italiano retrata como un antihéroe que, a pesar de sus ambiciones, nunca pudo llegar a ser nada más que una figura decorativa y anacrónica del régimen que supuestamente representaba. Bertolucci nos narra esta historia con todo lujo de medios, gracias a la colaboración del gobierno chino de la época, y nos sumerje con una exhuberancia apabullante en una época fascinante, aunque también traumática, de contínuos cambios para la cultura y sociedad del gigante asiático.
Sin embargo, y a pesar de que el film obtiene un notable alto en casi todos los aspectos imaginables (guión, montaje, puesta en escena, fotografía, actuaciones, dirección artística ...), al los tiempo adolece de una falta de emoción que quizá esté motivada por la necesidad de condensar seis décadas de la historia de un país tan inabarcable como China en las poco más de dos horas y media del montaje cinematográfico. El 'timing' de las escenas se encuentra acelerado de manera antinatural, y no las deja respirar adecuadamente, del mismo modo en que impide que las relaciones entre personajes fluyan y puedan tener un correcto desarrollo.
Pero en cualquier caso, seguimos estando ante un 'epic' artesanal imprescindible, de esos que hacen echar de menos la época de las localizaciones y decorados genuinos, y los innumerables extras de carne y hueso en pantalla.
Un saludete.
Upperseven
Miembro habitual
LA CIUDAD BAJO EL MAR (The City Beneath The Sea, 1971 -Irwin Allen)
Típica producción de Irwin Alllen (también dirigida por él) que en esta ocasión pretendía abrir las posibilidades a una nueva serie de TV. Film que narra las vicisitudes de un ciudad bajo el agua llamada Pacifica, amenazada por un meteorito que impactará con ella y un grupo de ladrones que pretenden llevarse el oro que tiene en reserva...Con un argumento asi ya se ve el catastrofismo estaba llamando a las puertas del productor, en un film correcto, con buenos F/X en el que se nota el continuismo con "Viaje al fondo del Mar" (aquí también sale Richard Basehart)
Típica producción de Irwin Alllen (también dirigida por él) que en esta ocasión pretendía abrir las posibilidades a una nueva serie de TV. Film que narra las vicisitudes de un ciudad bajo el agua llamada Pacifica, amenazada por un meteorito que impactará con ella y un grupo de ladrones que pretenden llevarse el oro que tiene en reserva...Con un argumento asi ya se ve el catastrofismo estaba llamando a las puertas del productor, en un film correcto, con buenos F/X en el que se nota el continuismo con "Viaje al fondo del Mar" (aquí también sale Richard Basehart)
nogales
Miembro habitual
Aunque coincido en que Bertolucci intenta abarcar algo inabarcable ( el fin de una dinastía contada en forma de cuento eterno y etéreo ) y el film tiene altibajos en el ritmo ( se llega a hacer algo pesada en el tramo central ) , creo que remonta a tiempo porque se vuelca en la caída de Pu-Yi, paria pero tambien conmovedor al tiempo que depositario y símbolo de esa pérdida. Esa fusión final de él como personaje con el entorno me parece un recurso magistral , poético e inteligente.