Películas que vais viendo en casita

M.A.S.H. (1970 -Robert Altman)


El primer éxito mundial de Robert Altman en una película en la que se define y marca su estilo visual tan peculiar y muy criticado, pero que a veces puede llegar a funcionar en determinadas películas (Pienso en "Los Vividores", "Short Cuts" o "The Long Goodbye") . No es el caso de la que nos ocupa, donde el resultado es ciertamente irregular a pesar de su fama. El film funciona muy bien como un fresco ácido, crítico y mordaz sobre la situación de Estados Unidos en 1970 en la guerra del Vietnam centrando la visión en un grupo de enfermeros de doctores de cirujanos que trabajan en un campamento...Pero en su estructura la historia acaba siendo una especie enganche de secuencias -unas muy brillantes otras no tanto- en las cuales el estilo visual de Altlman con sus y tipicos reencuadres, zooms y sus planos largos a veces cansa un poco en la mirada del espectador.
 
ZORBA EL GRIEGO (Zorba The Greek, 1964 -Michael Cacoyiannis)


Clásico absoluto del cine europeo de los años 60 dirigido por el griego Michael Cacoyiannis. La película es un largo drama situado en la isla de Creta (retratada con una visión casi antropológica) a la que llega un joven inglés (notable Alan Bates) aspirante a escritor que decide poner en marcha una mina abandonada que forma parte del legado familiar. En su ayuda acude un griego amante de los placeres de la vida -que incorpora un mayestático Anthony Quinn en probablemente el papel más fundamental de toda su carrera- con el que emprenderán un viaje de conocimiento y amistad fundamental. El guión y la puesta en escena sorprendentemente abogan en su primera parte por un tono más ligero -a veces de comedia- en el que también se atisba influencia del neorrealismo italiano de los años 40 y ya en la segunda mitad un vuelco hacia el drama más crudo (con sus toques de humor negro) dejando para el recuerdo una hora final excelsa de una dureza y un tremendismo inesperado en un producto que a priori parecía tener una mayor vocación comercial , conformando un clásico del cine con inmortal partitura de Mikis Theodorakis
 
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DENVER Y RÍO GRANDE (1952) de Byron Haskin.

Western obra de un director calificado en general como artesano aplicado pero no especialmente distinguido. La verdad, de Haskin solo he visto (o recuerdo) cinco de sus films (“Cuando ruge la marabunta”, “La Isla del Tesoro”, "Al volver a la vida", “La Guerra de los Mundos” y la presente) y los cinco me han gustado, incluso alcanzando el notable. Me parece que Haskin era más apreciable que otros artesanos (los dichos en tono despectivo) coetáneos: su labor estricta como director y la calidad de las películas.
Aquí estamos ante un ejemplo del subgénero del ferrocarril, es decir: constructores y protectores ante los sabotajes perpetrados por otras compañías férreas, los “anti desarrollistas” o los que querían evitar la unificación de los estados. Clásicos del género, como Edmond O’Brien y Sterling Hayden , prestan sus característicos físicos a una película de historia ciertamente standard, pero beneficiado por un delicioso colorido que realza los espectaculares paisajes por los que cruzan los trenes (cañones y gargantas profundas tupidas de bosques y altos picos distantes), fotografía obra de Ray Rannahan (nada menos que el de “Duelo al Sol”) y una realización de Haskin bastante dinámica, de movimiento casi continuo y aprovechando muy bien la sucesión de acciones y paisajes.
No es una obra magistral y quizá me sobra la –al parecer, inevitable- pareja secundaria de supuesta intención cómica, pero hablando de westerns no muy conocidos puedo decir que es EMHO superior a la media.



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LA SAGA DE LOS DRÁCULA (1973) de Leon Klimovsky.

Estimable terror español, que pese a no carecer de los característicos fogonazos de caspa y humor involuntario que hacían presa en (casi) todo aquel cine, posee algunas características que la hacen notoriamente superior a la media: eficaces instantes de goticismo y atmósfera, un curiosísimo y delicioso tono decadente, un gran Narciso Ibáñez Menta (bien secundado por Helgá Line, María Kosty, Tony Isbert … y la prota siendoTina Sáinz) e, inesperadamente, interesante por apuntes del guión de Emilio Martínez Lázaro. A la historia de una familia de vampiros que reside en su castillo y, adonde llega un nieta del patriarca (Menta), con su marido e hijo nonato, sin saber de la naturaleza chupasangre de su familia; se adorna con connotaciones enfermizas de sexo, incesto, aborto y hasta la presencia de un niño monstruito ciclópeo, víctima sin duda, de los largos procesos sexuales de consanguindad dentro del linaje. Estupenda y malidicente cena familiar (la Saga de "Los Monster" no es como esta peli
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), y perturbado –y realmente mórbido- climax final, para un producto sin el reconocimiento de otros (“El Bosque del Lobo”, “Pánico en el Transiberiano”, “No Profanar el Sueño de los Muertos”), pero que, tras para mi gusto un par de joyas minusvaloradas (“La Casa sin Fronteras”, “Estigma”) ocupa ese meritorio grupo perseguidor de films buenos o simpáticos (“La Orgía de los Muertos”, “La Tumba de la Isla Maldita”, “El Jorobado de la Morgue”, “La Noche de las Gaviotas”), no merecedores de incluirse en el muy nutrido y mediocre pelotón. No he citado peli moderna alguna: “La Cueva (2014)” me gustó bastante.
 
DECOY (1946 -Jack Bernhard)


Toda una curiosidad del cine negro de los años 40 especialmente por ser la obra de un autor tan poco conocido como reivindicable llamado Jack Bernhard (de este director guardo muy buen recuerdo de una añeja serie B titulada en su estreno español en las autonómicas como Operación Alaska). Siguiendo los patrones de la película de cine negro convencional, con una femme fatale (Jean Gillie) que obliga a un forense realizar un plan para conseguir que un condenado muerte (Robert Armstrong) puedo escapar a su destino. La película alterna secuencias de una brillantez inesperada en una serie B de la Monogram con otras más más convencionales, pero en cualquier caso estamos ante un producto extremadamente sólido y que me hace intentar seguir la pista de este desconocido y a la vez interesante director americano
 
Pues yo ayer me vi una peli de plena actualidad The Accused (Dieterle, 1949)

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Profesora universitaria que tras un intento de violacion por parte de un alumno se lo carga en defensa propia y nos pasamos el resto de la peli viendo si la va a pillar la policia o no... la verdad es que no pasa del aprobado justito, esta bien rodada porque Dieterle sabia de esto un rato pero no hay nada en ella que me haga perder la cabeza... quizas en manos de un Hithcock hubiera sido otra cosa...

Tambien me vi la de Dragged Across Concrete, y me parece a mi que este hombre no va a hacer una peli redonda en su vida, que si que domina los mecanismos para generar tension y el tio es un bestia de cuidado pero es pobre, pobre en cuanto a puesta en escena y la direccion de actores tampoco es su fuerte... ver esta peli y compararla con Heat, que por duracion y tematica podria ser una comparacion mas que justa, es para hacerle sacar los colores al director... ojo! no estoy diciendo que sea mala pero no creo que llegue al notable ni de broma... tres horas de pelicula son muchas horas...
 
A Heat se parece como un huevo a una castaña, me recordó a Driver de Walter Hill en el tempo y la frialdad de los personajes sobre todo, y cierto toque Bresson a su vez que ya lo había leído en criticas en Venecia.
Yo habría quitado media hora pero es su estilo y él es fiel a eso y lo dice abiertamente.
Tampoco comparto lo de los actores porque creo que precisamente sabe sacar lo mejor de gente como Vaughn(en Brawl está inmenso y aquí también) y Gibson creo que está excelente dentro de sus limitaciones que ya vienen de serie.
 
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Dave Mustaine dijo:
A Heat se parece como un huevo a una castaña, me recordó a Driver de Walter Hill en el tempo y la frialdad de los personajes sobre todo, y cierto toque Bresson a su vez que ya lo había leído en criticas en Venecia.
Yo habría quitado media hora pero es su estilo y él es fiel a eso y lo dice abiertamente.
Tampoco comparto lo de los actores porque creo que precisamente sabe sacar lo mejor de gente como Vaughn(en Brawl está inmenso y aquí también) y Gibson creo que está excelente dentro de sus limitaciones que ya vienen de serie.
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Por eso matizaba mi comparacion con Heat... duracion (ambas rondando las tres horas) y tematica (pelicula que se articula en base a atracos)...el tono es diferente, por supuesto, mas contemplativo en el caso de Dragged y como bien dices quizas mas cercano a Bresson...en cualquier caso, ponte a comparar ambas en puesta en escena, incluso a la hora de rodar a dos tios metidos en un coche Mann se folla vivo a este director... que sí, que su estilo sobrio pero cuando te marcas una peli de tres horas y tienes unas cuantas secuencias muy parecidas entre si, quizás, y solo quizás deberias intentar rodar o planificar las secuencias de manera diferente para que el espectador no se aburra...
Respecto a los actores pues que decirte, ver la interpretacion que hace el menda del jefe del banco (al recibir la vuelta de la empleada por baja de maternidad) que parece estar declamando Shakespeare (pasado no, lo siguiente y da bastante verguenza ajena)... no creo que Vaughn este mejor que en Brawl y Gibson haciendo de Gibson...no creo que sea una pelicula que deba ponerse una medalla en cuanto a direccion de actores. Y lo de la presentacion de un personaje femenino a la hora y cuarto de pelicula para que desaparezca diez minutos despues es bastante porno melodramatico y esta metido con calzador. Creo que, como bien dices, le sobra metraje... pero lo que mas rabia me da es que me da la sensacion de que este director ya no da más de sí, esto es todo lo que es capaz de ofrecer, historias mas o menos sosegadas con picos de violencia brutal... lo siento pero yo esperaba una cierta evolucion, que depurase mas cositas de su estilo, que mejorase... y no, no lo he encontrado... quizás su mejor pelicula siga siendo Brawl porque al menos la duracion estaba mas contenida.
 
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LA ESTANQUERA DE VALLECAS (1987, -Eloy De La Iglesia)


De algún modo el cierre de ciclo del cine quinqui del que el propio Eloy de la iglesia había sido uno de los cineastas puntales (desde la óptica Madrileña), Aquí ya en un trabajo con el que se da una vuelta al género y convertirlo en una comedia muy castiza bastante bien rodada. Basada a su vez en una conocida obra de teatro de aquellos años, De La Iglesia rueda todo con eficacia y al servicio de unos actores muy logrados en sus papeles principales (inmensa Emma Penella y genial José Luis Gómez), en un film que aun suponiendo un buen éxito comercial para su director, no logró sacarlo del pozo de las drogas donde había caído.
 
LADRONES EN LA NOCHE (Les Voleurs de la Nuit, 1984 -Samuel Fuller)


Penúltimo de los films dirigidos por Samuel Fuller, en este caso un thriller de tono titubeante (a veces comedia ligera, a veces drama descarnado, especialmente en el tramo final) rodado en Francia y ambientado en París. Irregular pero no desdeñable (la película goza de bastante mala fama crítica por lo general) pero visto en la actualidad es sinceramente un producto extraño, tanto en su desarrollo de trama como en el trabajo de puesta en escena del director de "White Dog" (que aquí repitió con Ennio Morricone)....Con algunos modos y algunas influencias estéticas de los años 80 que han quedado un poquito desfasadas Tampoco no nos vamos a engañar, nunca Fuller fue un autor excesivamente preocupado de los manierismos estéticos y aquí el resultado final acaba siendo una suma de momentos en los que se alterna lo bueno, lo menos bueno y lo malo, pero que tiene un aire otoñal, de film menor que deja deja buen sabor de boca y en el que el propio Fuller o Claude Chabrol (en un impagable papel de pervertido) hacen apariciones especiales muy agradecidas.
 
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LA TIENDA DE LOS HORRORES (1986) de Frank Oz

Adaptación fílmica de un musical de Broadway a su vez inspirado por la película de 1960 de Roger Corman. La idea en todas las versiones es una especie de sátira del mundo del espectáculo y de las debilidades, maldad y avaricia del ser humano en general, con un catálogo de personajes viles muy caricaturizados a ser devorados por una planta carnívora inteligente casi menos caricaturesco que ellos si eso parece posible, planta "al cuidado" del protagonista (aquí un Rick Moranis bastante menos irritante en mi opinión que en "Cazafantasmas", algo es algo...). No soy precisamente aficionado a los musicales, no he visto la mayoría de los clásicos, aunque cosas como "Grease" o "Willy Wonka" (la setentera) me parecen simpaticonas, y el "Sweeney Todd" de Tim Burton ( no he visto más versiones de Todd) me gusta bastante, especial y "casualmente" en su segunda mitad ( que es donde las canciones son "casualmente" más interesantes); esta Tienda de los Horrores se va siguiendo con interés gracias a los punchs malvados y sobre todo a la personalidad ejem y apariciones de la planta de marras, sin olvidar el fascinante trabajo de los técnicos para animarla. Entonces está el final. Todo el mundo conoce el happy ending, pero décadas después salió a la luz el Director's Cut, eliminado al principio por cuestiones comerciales, porque con un final muy diferente, acaba en forma de gamberro Apocalípsis Bíblico, lo cual disgustó al público de la preview antes de su estreno. No entendían que el protagonista se mereciera "eso". Pero es que el DC no incluía una serie de escenas que si están en el Workprint (los contratos, y dos escenas de alimentación de la planta) que es al parecer lo que realmente vieron los espectadores de la preview, y que ahora sí hace mucho más lógica y "predeterminada" la bleak conclusión del film. Por supuesto, la versión ideal sería ese Workprint, si me lo preguntáis. Película estimable, a ratos excelente.



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MATAR A DIOS (2017) de Caye Casas y Albert Pintó.

Comedia negra castiza, estrafalaria y fantástica, con un pequeño hombre con apariencia de vagabundo que dice ser Dios (atención a la primera escena ...) y entra en una casa donde cuatro peculiares personajes van a pasar la Nochevieja; y con comportamiento de loco y sucio lenguaje avisa que se va a acabar el Mundo y que tienen que decidir que dos únicas personas van a salvarse del Apocalípsis. De tono a lo Alex de la Iglesia (mejor que varias de las de ese señor), estupendas interpretaciones (el hermano, el que menos me convence), toques gruesos, violentos y algunas ingeniosas punzadas sobre la Religión, tenemos un producto que ha pasado desapercibido, pero es simpático, genuina y negramente divertido en varias situaciones y diálogos, incluso bien realizado en la modestia, aunque no me convence el final.
 
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MALO PARA TODOS (Bad For each Other, 1953 -Irving Rapper)


Curioso drama médico situado en una ciudad de provincias a la que llega un joven doctor proveniente del ejército -muy bien interpretado por Charlton Heston- En el fondo narra el proceso de degradación de un doctor que prefiere anteponer su enriquecimiento personal a la vocación médica, rodado con corrección por Irving Lerner director de algún noir interesante. Estamos ante una película de estructura sencilla pero que sabe perfectamente explicar el proceso de corrupción moral de un protagonista que en el tercio final será consciente del error
 
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CASTA INVENCIBLE (1970) de Paul Newman

Otro ejemplo de ese tipo de historias que tanto gustan a los americanos: con humanos normales pero a la vez como héroes individualistas, canto a favor de determinado oficio de sacrificio y esfuerzo físico (aquí una familia de madereros y cierto sentido seudoépico), basculada tragedia y ligereza … no falta aquí tampoco el drama familiar (con, otra vez, tipos clásicos: el viejo preocupado pero de férreas convicciones pater familias –Henry Fonda-, el maduro héroe por antonomasia –Paul Newman-, el hijo pródigo, las sufridas mujeres de todos…), final no-arrugarse-ante-la-adversidad (aplausos de público) y esa problemática moral “no quiero que nada cambie” vs unos malvados sindicatos. Hay que reconocer a los americanos que saben cómo dotar de cierta fuerza a estas historias (probablemente por ser tan consustanciales a su cultura y espíritu) y hacerlas entretenidas. Bien interpretada y Newman dirige con solvencia. Está bastante bien.


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BANDERA DE CONTROL (1990) de John Glen y Michael Levine

A rebufo de “Dias de trueno”, con un Glen post-James Bond reubicándose a un estilo más televisivo. Carreras, rivalidad, líos amorosos… lo típico, nada destacable en ese guión y menos en la realización y labor actoral. No me atrae especialmente el mundo automovilístico, queda para los pervertidillos ver a Leilani Sarelle (la pareja lésbica de Sharon Stone en “Instinto básico”) en alguna subidita secuencia erótica, como en el baño de un bar.


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SANGRE DE HÉROES (1989) de David Webb Peoples

Pequeñita joya a lo Max Max (ambientación) / Rollerball (popular deporte extremo). Peoples, (co)guionista de nada menos que “Blade Runner” , “Sin Perdón”, “12 Monos”, “Héroe por Accidente” o “Lady Halcón”, otorga solvente puesta en escena y dignidad a este tipo de películas, con un estilo más character-driven y “pausado y clásico” (sin olvidar-no faltan- los elementos que puedes esperar de una película de estas características) que la media, poniendo énfasis en los conceptos de honor, lealtad y camaradería (más que funcional relación entre Rutger Hauer y Joan Chen), para estos grupos de jugadores-luchadores, que aspiran a subir de clase social, que en este caso, significa curiosamente, ir bajando a la pudiente ciudad subterránea. Buena peli de la mejores de su estilo.
 
Orgullo y prejuicio, de Joe Wright

Adaptación de un clásico con mayúsculas de las letras inglesas a cargo de Joe Wright, un debutante superdotado cuya estrella parece haberse apagado últimamente, tras éxitos y fracasos varios. Todo brilla, diseñado para convencer y llevando a imágenes escrupulosamente la novela. El reparto, encabezado por Keira (y por una memorable cara de palo del que hace de D’Arcy, por cierto), se lleva la palma junto con una ambientación que tiende al artificio sin pasarse (Wright, un clásico moderno). El tema de las fiestas a lo mejor no es muy verosímil (unos fiestones dignos de los hobbits, más que las aburridas y convencionales fiestas de sociedad que yo me imaginaba), pero es más espectacular. La propuesta visual de este hombre está llena tanto de encuadres pictóricos como de planos-secuencia memorables, en especial el que introduce la historia, o el que recorre la fiesta parándose en cada personaje involucrado… con una cámara en continuo movimiento (tirando incluso de zooms) y un particular mimo para los detalles (gestos y miradas, como la de D’Arcy y Wickam -rivalidad- o Elizabeth y su padre -complicidad-). Cosa meritoria, especialmente cuando casi todo es diálogo.

Ante cierta grandilocuencia formal (no puede negarse que busca epatar), la sencillez y el costumbrismo de la trama tomada de Austen. Es inevitable que la cosa se incline por cierta denuncia de la situación de las mujeres, pero la autora tal vez no quiso llamar la atención tanto sobre ello como sobre el amor y las actitudes personales. Al Wright debió de gustarle la metáfora visual de madre igual a niña, porque la repite. Por otra parte, parece que está más contenido (visualmente) hacia el final que durante la primera mitad. El diálogo final con el padre, contándole el porqué de haber elegido al D’ Arcy, lo encontré demasiado mascadito. En USA no debió de parecerles suficiente, teniendo en cuenta el horrendo pegote final que les colaron, de un romanticismo artificial en una historia en realidad no tan romántica. Que trata, más bien, del hallazgo uno mismo y del otro en su auténtica realidad, sobre las primeras y falsas impresiones, incluso sobre las diferencias de clase en un mundo cerrado donde lo más interesante es la llegada de un regimiento de soldados… la mirada de Austen es realista y sensata hasta el punto de ver los matrimonios de conveniencia y los arrebatos de pasión irracional como la misma cosa indeseable.
 
CREED (2015 -Ryan Coogler)


Reboot de la famosoa sga de "Rocky" que en este caso hace un spin-off centrado en el hijo del amigo púgil Apollo Creed. Siempre entretenido y muy bien rodado y editado, es probablemente una original forma de volver a los orígenes haciendo en el fondo un remake camuflado de la primera de John G. Avildsen. "Creed" no es una película perfecta, ni siquiera tan emblemática como aquella, pero si un fiel producto en el que tal vez se caiga en un poco más en el esquematismo -se nota la falta de una galería de secundarios mucho más elaborada- - incluso el contenido dramático es menos profundo y con algunos lugares comunes , pero en el que se agradece muchísimo la presencia de un Sylvester Stallone que probablemente hace una de sus mejores interpretaciones, sosteniendo con su presencia los momentos débiles, aqulllos en los que tal vez algo de exceso de metraje o la propia fluidez del film cojean un poco
 
VIDA PARA RUTH (Life For Ruth, 1962 -Basil Dearden)


Excelente drama británico dirigido por Basil Dearden -este realizador aunque algo irregular tiene algunas películas notabilísimas- entre las que sin duda se encuentra la que estoy tratando hoy. Rodada con mucha sensibilidad, contención y a la vez una dirección de actores absolutamente magistral, se narra la tragedia de una familia de profundas convicciones religiosas que pierde a una niña pequeña en un accidente y verá resquebrajarse toda su religiosidad al tener que enfrentarse a un juicio por una demanda médica (no quisieron autorizar una transfusión de sangre) . Un film de ambientación gris, sombría, para nada maniqueo ni complaciente, con las mejores virtudes solidez narrativa y que además propono a un grupo de actores que están soberbios en sus respectivos papeles. Muy recomendable
 
Anna Karenina (Clarence Brown. 1936)
la verdad es que Brown es un tipo competente con alguna cinta más que reivindicable, y aquí pese a algún acartonamiento puntual de la puesta en escena, tenemos cierto toque a lo Sternberg, una historia con fuerza, y, sobre todo la presencia absolutamente magnética de la Garbo, como siempre; la ambientación es típica de la época, una Rusia zarista construida en un estudio de Los Ángeles; lo mejor es conforme avanza la peli, la naturalidad, para 1935, con la que Brown cuenta una historia de cierta perversión; y aparte el simbolismo y el trabajo visual, con leitmotivs recurrentes y un poderoso final.

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TRES AMIGOS (Three Amigos!!, 1986 -John Landis)


Uno de los peores films de John Landis y la demostración absoluta de que este (sobrevalorado) director no podía ir más allá de la brillantez de los guiones con los que trabajaba...Aquí un intento e comedia graciosa (y que se queda en tota y aburrida, homenaje a "Los Siete Magníficos" con música de Elmer Bernstein) con un grupo de tres actores de segunda ("Los Tres Amigos") que son contratados por un pueblo Mexicano para que los salven de unos bandidos reales (liderados por Alfonso Arau, el mejor de la función)
 
PUTA (Whore, 1991 -Ken Russell)


Curiosa película, irregular y mucho más sobria de lo esperado -uno se espera un catálogo de excesos a lo "La Pasión de China Blue" que nunca acaban de producirse y se acaba encontrando con un film más contenido- aquí una especie de confesiones de una prostituta (que encarna con mucha convicción la gran Theresa Rusell) siendo un film descompensado, con algún buen momento, pero claro ejemplo de la decadencia de Ken Russell en la década de los noventa, donde su nombre ya no tenía tirón comercial y se plegaba a rodar proyectos de lo más extraños como este.
 
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