La directora María Ripoll (realizadora de "Ahora o Nunca" con Dani Rovira y María Valverde, y "No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas" con Verónica Echegui y Álex García, por mencionar dos trabajos suyos) es la encargada de llevar a la pantalla un guión escrito, a cuatro manos, por Eduardo Cisneros y Jason Shuman. Siendo sincero, me ha parecido una película simpática e interesante. Ambientado en la ciudad de México, Cuenta la historia de dos chicas muy amigas en el instituto, y que años después se reencuentran por casualidade del destino y de las redes sociales. Una de ellas intenta ser alguien en la vida, subir de posición en su trabajo, sin mucha suerte, hasta que un buen día localiza a una buena amiga del instituto, por suerte para ella, una gran influencer de las redes sociales. Lo que en un principio parece que las dos mujeres se han vuelto a hacer muy amigas e íntimas, no todo será de color de rosa. Desconocía este film de la Ripoll y la verdad es que es disfrutable. Cuenta con un reparto desconocido para mí, salvo por el cameo necesario del cantante Miguel Bosé. Como he dicho, el reparto es desconocido, pero no puede negar que las actrices Regina Blandón y Ludwika Paleta consiguen hacer suyos a sus respectivos personajes y sacarnos algunas sonrisas durante el metraje de esta película. Mi nota final es de 6.5/10.
Remake de "M el vampiro de Dusseldorf" perpetrado por nada más y nada menos que Josep Losey unos años antes de tener que emigrar a Inglaterra acosado por McCarthy y su caza de brujas. La película , que prácticamente respeta la estructura del original de Fritz Lang, es una inteligente muestra de como la misma historia puede ser adaptada con gracia -en este caso centrando más la trama en una ambientación de cine negro- y a la vez marcando una atmosfera en la que el Mccarthysmo asoma en cada plano. Losey además da muestra de equilibrio entre el homenaje a Lang -calca algunas secuencias y recursos- y a la vez ideas propias de puesta en escena...Con tal vez una única pega: El protagonismo de David Wayne que aunque notable, nunca llega a la altura del perturbador Peter Lorre.
Una maravilosa adaptación del inmortal cuento de Dickens.
Mi comentario:
Hacía como más de una década que no revisionaba esta versión del cuento "Cuento de Navidad" de Charles Dickens, la cual está escrita y dirigida para la gran pantalla por Robert Zemeckis, famoso y reputado realizador de films tales como la trilogia de Regreso al Futuro o Forrest Gump, por mencionar algunos. La cinta tiene un buen reparto, encabezado por Jim Carrey, Colin Firth, Gary Oldman y Robin Wright, entre otros, pero está rodada con captura de movimiento, al estilo de Polar Express, por ejemplo. Curiosamente, también es un largometraje dirigido por Zemeckis. Esta adaptación de "Cuento de Navidad" está muy bien, para aplaudir a tope y su visionado se pasa muy rápido, las interpretaciones son maravillosas y la banda sonora de Silvestri es brillante. Tengo un único "pero" que ponerle, que darle, y es que, en mi opinión, su animación no es todo lo perfecta que podría y/o debería ser. La verdad es, que no recordaba que cantara tanto en la pantalla grande, cuando la vi hace ya catorce años, pero ayer tuve la oportunidad de verla en el canal en streaming Disney Plus y, con la maravilla de película que es, su fallo a destacar es su animación. A lo mejor, si se llegara a estrenar hoy en día sería mucho mejor, duda cabe. Eso sí, no dejéis de verla por este detalle. Sin ninguna duda, es, lo que los norteamericanos llaman, una Must-See Movie, una de estas películas que hay que ver, sí o sí, aunque sea una vez en la vida. No lo vais a lamentar. Mi nota final es de 9/10.
Último film/western dirigido por el notable George Sherman, que aquí despachó una típica producción del John Wayne posterior a "True Grit", donde su figura ya tiene un aire maduro/avejentado y los argumentos lo muestran consecuentemente así (aquí es un abuelo que tiene que salvar a su nieto de un secuestro perpetrado por el villano de turno: Richard Boone). Tiene mala fama, -no se porque- pero la verdad es que es muy solvente, ayudada por una puesta en escena tan eficaz como artesanal , de acuerdo Sherman ya no era el mismo de sus grandes western de los 50, pero sabía resolver...Además de tener una buena música del inevitable Elmer Bernstein
A mí es de las que más me gustan de la última época de Wayne. Sorprende que pese a tener un tono casi de cine familiar, es de las películas más violentas de su filmografía.
Los intercambios entre Wayne y Boone en sus dos escenas (decía Hawks por aquella época que pocos actores podían aguantarle en presencia a Wayne en una escena, que simplemente se los comía sin quererlo ni pretenderlo, Boone es uno de ellos) y la música de Bernstein son oro puro...
A mí es de las que más me gustan de la última época de Wayne. Sorprende que pese a tener un tono casi de cine familiar, es de las películas más violentas de su filmografía.
Los intercambios entre Wayne y Boone en sus dos escenas (decía Hawks por aquella época que pocos actores podían aguantarle en presencia a Wayne en una escena, que simplemente se los comía sin quererlo ni pretenderlo, Boone es uno de ellos) y la música de Bernstein son oro puro...
Hicieron tres películas juntos: The Alamo, Big Jake (se barajó a Gene Hackman para el papel) y The Shootist.
En la primera se encargó del cameo de Sam Houston, que era el papel que Wayne tenía pensado reservarse para él, pero la United Artists le dijopque no ponía pasta si no hacía de Davy Crockett. Wayne entonces contactó a través de Andy McLaglen, con su viejo amigo James Arness, al que había promocionado para la serie de TV Gunsmoke (20 años en antena), que acabó rajándose de mala forma. Entonces Wayne le dijo a McLaglen (dirigió 96 episodios de Gunsmoke y 116 de Have Gun Will Travel, la serie de Richard Boone) que si podía hablar con ese otro tío con el que trabajaba en la tele y acabaron contratándolo. La segunda secuencia de Boone, cuando Frankie Avalon llega a darle noticias y ven que no hay esperanza, es de las que rodó John Ford en la segunda unidad. Boone no quiso cobrar por su participación en la película, conformándose con quedarse con la chaqueta de piel de ante con la que aparecía en pantalla. Posteriormente, Wayne le regaló un coche por el gesto...
Mis películas favoritas de Boone siempre serán las magistrales Rio Conchos, El Señor de la Guerra y Hombre, una casi después de la otra. Pero estaba siempre maravilloso. Have Gun es un deleite.
Me he decidido a revisar, tras más de una década sin verla, una película como La posesión de Andrzej Zulawski estrenada en 1981, cinta en la que siempre he hallado curiosas semejanzas con otra que adoro plenamente de la misma década, Hellraiser: Los que traen el infierno. Siento plena pasión por ella, algún día leeré la novela. Entro en detalles en spoiler con respecto a semejanzas.
Como ejemplos sirvan, ser oculto en una casa, mujer que mata por él, esa criatura cambia su apariencia para ir evolucionando a una de aspecto humano...
Volvamos a la cinta de nacionalidad francesa (aunque aparentemente rodada en inglés), la que supuso un premio en Cannes para Isabelle Adjani y también un Cesar. Estamos ante una película seductora y repulsiva (prohibida en algunos países) a partes iguales, repulsiva hasta el punto de que en USA se estrenó una versión aligeradísima que también está disponible en DVD y que incluso cuenta con tomas completamente diferentes. Sin ir más lejos, los títulos de crédito de la versión americana con Sam Neill paseando con prisa por la calle maletín en mano (un plano con travelling que no aparece en ningún momento en la versión europea) no tienen nada que ver con ese paisaje urbano tan desolador que se nos muestra en el montaje largo. Pero su capacidad de seducción también es alta como veremos en las siguientes líneas. Ahora bien ¿qué nos cuenta esta película? ¿qué hay en ella para provocar en nosotros sentimientos tan opuestos?
Vamos allá. Sam Neill (Mark) e Isabelle Adjani (Anna) forman un matrimonio en crisis, el hombre vuelve de un extraño viaje al extranjero con una maleta llena de dinero, la mujer está teniendo una AVENTURA en su ausencia. Esto provoca que el hijo que tienen en común, Bob, pase mucho tiempo al cuidado de una amiga de Anna llamada Margie (Margit Carstensen, actriz alemana presente en varias cintas de Fassbinder). Margie, sabedora de la relación, se niega a revelar a Mark quién es el intruso en esa relación hasta que finalmente todo parece apuntar a un tal Heinrich, un raro gurú. Entonces, la película se desvía cada vez más de lo que en un principio podría parecer una cinta de parejas al borde de la ruptura (aunque con unas elecciones visuales fuera de lo común como veremos después que dan pistas de por dónde van a ir los tiros) y entra en escena otro personaje, Helen, la profesora de Bob, que es IDÉNTICA a su mujer pero con una mirada más luminosa, que además viste de blanco en lugar de azul, y otro color de pelo y ojos. O lo que es lo mismo, Isabelle Adjani por duplicado, lo que en mi opinión no hace daño a la vista, precisamente. Sí, como seguramente estaréis pensando en ello, sí, sale en bolas pero se ve más en otra peli de 1983, Verano asesino, ahí no lleva ni calcetines . Vedla. En qué peli está más apetecible o si tiene más morbo Helen o Anna ahí ya va en gustos.
El caso es que poco a poco se empiezan a filtrar elementos extraños, con situaciones que recuerdan al cine de Cronenberg o Lynch y momentos extremos como uno que citaré más adelante y que nadie que haya visto podrá olvidará jamás. Por si fuera poco, se añade otro elemento que resulta más propio del cine negro. Mark contrata a un detective para que siga a su mujer y descubra toda la verdad, pero ¿quién es el intruso que pone en peligro su relación?
Es esencial señalar que toda esta historia transcurre ante la presencia de un muro, el auténtico muro de Berlín (la película se filmó en Alemania), que parece servir de metáfora, la separación entre la pareja y la división política de un país. Además, en ocasiones los personajes aparecen encuadrados por puertas y ventanas, con paredes desnudas, elementos que generan tensión, distanciamiento. La desquiciante historia tiene una equivalencia en lo visual. Todo es frío, la película resulta incómoda, con una fotografía donde predominan los azules (salvo el apartamento de Anna en tonos más cálidos como contraste. El gran Argento declaró haber copiado su paleta de colores para Tenebre) y que recurre al uso de angulares para aumentar la sensación de encierro e introducir al espectador en la película, haciéndole casi partícipe en momentos tan íntimos como las discusiones.
Abundan los cortes bruscos, con cambios inesperados de localización. Hay un dinamismo visual notable, con una cámara en constante movimiento, con desplazamientos inesperados y extrañísimos travellings que giran y giran envolviendo a los personajes. Recuerdo los paseos de Adjani por las calles, similares en cierto modo a aquellos que hacía Catherine Deneuve en Repulsión (título que también podría tener esta película) de otro cineaste de origen polaco, Roman Polanski, incluso por la forma en que están filmados (por cierto, Adjani también trabajaría con Polanski un lustro antes en la espléndida El quimérico inquilino). Además, comparte con la cinta del director de la enorme La semilla del diablo esas escasas salidas al exterior para airear, por así decirlo, un poco una historia claustrofóbica, angustiante. También el aumento progresivo de la ansiedad, de la rabia, de la locura que lleva al crimen.
El momento cumbre de la cinta de Zulawski es para mí esa escena terrible en la estación de metro. Una de las más amargas que se han podido ver en una pantalla de cine, en una ÚNICA TOMA, por su exagerada duración y por el esfuerzo interpretativo que supone para la actriz (una Isabelle Adjani sublime) que parece sumida en la posesión que da nombre a la película, superada por los acontecimientos. Se trata de una escena imborrable en la mente de toda persona que haya visionado este filme. Es uno de los momentos que me saca un poco de la película, por excesivo, junto al asesinato de uno de los personajes al final del metraje y en el que veo ciertas semejanzas con el del taxista en otra película de otro polaco, No matarás de Kieslowski por crudo, inesperado. Debo decir que, supuestamente, Isabelle Adjani tuvo un intento de suicidio tras ver la película (aunque parece que no está demostrado) pero en aquel momento su carrera estaba en declive debido a su fama en el sector de diva insoportable y aceptó este papel tan extremo, con escenas de sexo perturbadoras. Incluso se dice que la única indicación que Zulawski le dio para rodar la insoportable citada escena fue que imaginase que se estaba follando al viento (palabras textuales).
A destacar también algunas cosas más como la música del recientemente fallecido Andrzej Korzynski que contribuye al clima de alienación presente en la película y el trabajo en los efactos especiales de Carlo Rambaldi en cuyo currículum figuran las colaboraciones con directores de la talla de Mario Bava, el citado Argento o Steven Spielberg.
Su mano nos conduce a una conexión directa con Lovecraft, aquello a lo que el ser humano no alcanza a comprender, con el pavor absoluto a lo desconocido y a algunas imágenes icónicas que aluden directamente a una de las criaturas más conocidas del de Providence. Hay una reflexión interesante en este trabajo de Zulawski sobre el mal, si está en nuestro interior o nos llega del exterior para introducirse en nuestro mundo.
Monster Movie que rodada casi al mismo tiempo que "The Descent" de Neil Marshall con aquí también un grupo de espeleólogos acuáticos que se introducen en una cueva situada en las montañas de Rumanía que nunca ha sido descubierta y que esconde en su interior una plaga de parásitos que los acabarán atacando. Rodada con cierta gracia en su primera mitad , pero se desmelena demasiado en la segunda, sin ofrecer nada nuevo a no ser que uno quiera ver el enésimo homenaje/plagio a "Aliens" de James Cameron pero situado en una cueva y con efectos en los que ya empezaban a aparecer algunas digitaladas que cantan y un diseño de producción en las criaturas de ese segundón que siempre fue Patrick Tatopoulos
Mis películas favoritas de Boone siempre serán las magistrales Rio Conchos, El Señor de la Guerra y Hombre, una casi después de la otra. Pero estaba siempre maravilloso. Have Gun es un deleite.
Me viene perfecto que hayan salido títulos como Hombre o Los cautivos, ambas historias de Elmore Leonard, para hablar hoy de la película que había dicho que iba a ver en estos últimos días, 52 vive o muere, a la espera del visionado de otra de Roy Scheider, dirigida por el recientemente fallecido William Friedkin, Carga maldita.
Antes de nada debo decir que en la película dirigida por John Frankenheimer el guionista es el propio Elmore Leonard junto a John Steppling. Es una película correcta pero no brillante, hay que tener en cuenta que pese a que Leonard está considerado una de las últimas grandes plumas de la novela negra no siempre un escritor adapta él mismo al cine (o dirige) una historia suya de manera redonda. Un caso muy conocido es el de Stephen King. Otras grandes películas que surgieron sin su intervención en el guión fueron Jackie Brown o las dos versiones de El tren de las 3:10.
Pero bueno, volvamos a 52 vive o muere. Me estoy refiriendo a un filme del tío que hizo nada más y nada menos que El tren, El mensajero del miedo, Domingo negro, Siete días de mayo, El hombre de Alcatraz… entre otras joyas. Siendo alguien de tal nivel era difícil, aunque no imposible, que entregase una obra rematadamente horrible incluso trabajando para Menahem Golan y Yoram Globus que en aquel momento intentaban atraer a directores de cierto nombre. Me viene ahora a la cabeza, por ejemplo, John Cassavetes o Andrey Konchalovsky quien hiciera la que probablemente sea la mejor película en toda la historia de Cannon, El tren del infierno. Luego están otras entrañables como por ejemplo Masters del Universo de la que hablaré algún día.
Bien, la historia es muy típica pero Frankenheimer consigue sacar de ello una película que se hace entretenida, disfrutable, es un thriller interesante porque lo lleva una mano maestra. ¿De qué va? Pues un hombre maduro con mucha pasta, Roy “Jaws” Scheider, copula con frecuencia, a espaldas de su esposa, con una jovencita de (creo que eran) 22 años y entonces unos matones le hacen un chantaje pidiéndole muchísimo dinero a cambio de no revelárselo a su mujer oficial, mostrándole que tienen imágenes de sus hazañas amorosas. El problema es que no quiere acudir a la policía para evitar un escándalo que perjudique a su señora en aquello en lo que anda metida y que tiene que ver con la política.
Me llama la atención que la cornuda sea nada más y nada menos que Ann-Margret ya bastante cambiada con respecto al aspecto que tenía, infartante, en El rey del juego:
Gran película esa que empezó dirigiendo el inmenso Sam Peckinpah, quien no la haya visto ya tarda en hacerlo, con un reparto extraordinario; Steve McQueen, el genio interpretativo que era Edward G. Robinson, Karl Malden… Recuerdo que Ann-Margret ya no estaba tampoco tan reluciente, aunque aún deseable, en una extraña cinta setentera llamada Magic con un joven e inquietante Anthony Hopkins, dirigida hábilmente por Richard Attenborough quien fuera el abuelito del primer Parque Jurásico.
Bien, siendo una película que se ve con agrado también tiene (como todas y más con cintas de este presupuesto) sus puntos flacos. Para mí uno importante, el asunto es que sin él no hay película. Son cosas que no me cuadran en la historia. Ya sé que a veces no hay que buscarle la lógica a todo en el cine, por ejemplo en la famosa escena de la avioneta de Con la muerte en los talones. ¿Qué sentido tiene intentar matar a un tío disparándole desde una avioneta cuando está en una área deshabitada si cualquiera puede bajarse de un coche y pegarle dos tiros mientras la víctima espera sin que nadie le vea? Mucho más rápido y económico, te ahorras el alquiler de la avioneta, entre otras cosas. La respuesta es ninguno, ningún sentido. Pero es una película. En el maestro Hitchcock eran muy comunes las escenas que no tenían demasiada lógica fuera de la ficción pero muchas de ellas engrandecían la película y al final resultaban las más recordadas. Pues aquí pasa un poco parecido pero peor ¿por qué? Bueno, aunque alguien esté siendo víctima de un chantaje es realmente muy improbable que pese a que no quiera llamar a la policia no adopte algún tipo de medida para evitar que los delincuentes le entren en casa a “saludarle” cada poco. Hay veces que parece querer dejar a su mujer de cebo porque no puede poner las cosas más fáciles a los malotes.
Me he decidido a revisar, tras más de una década sin verla, una película como La posesión de Andrzej Zulawski estrenada en 1981, cinta en la que siempre he hallado curiosas semejanzas con otra que adoro plenamente de la misma década, Hellraiser: Los que traen el infierno. Siento plena pasión por ella, algún día leeré la novela. Entro en detalles en spoiler con respecto a semejanzas.
Como ejemplos sirvan, ser oculto en una casa, mujer que mata por él, esa criatura cambia su apariencia para ir evolucionando a una de aspecto humano...
Volvamos a la cinta de nacionalidad francesa (aunque aparentemente rodada en inglés), la que supuso un premio en Cannes para Isabelle Adjani y también un Cesar. Estamos ante una película seductora y repulsiva (prohibida en algunos países) a partes iguales, repulsiva hasta el punto de que en USA se estrenó una versión aligeradísima que también está disponible en DVD y que incluso cuenta con tomas completamente diferentes. Sin ir más lejos, los títulos de crédito de la versión americana con Sam Neill paseando con prisa por la calle maletín en mano (un plano con travelling que no aparece en ningún momento en la versión europea) no tienen nada que ver con ese paisaje urbano tan desolador que se nos muestra en el montaje largo. Pero su capacidad de seducción también es alta como veremos en las siguientes líneas. Ahora bien ¿qué nos cuenta esta película? ¿qué hay en ella para provocar en nosotros sentimientos tan opuestos?
Vamos allá. Sam Neill (Mark) e Isabelle Adjani (Anna) forman un matrimonio en crisis, el hombre vuelve de un extraño viaje al extranjero con una maleta llena de dinero, la mujer está teniendo una AVENTURA en su ausencia. Esto provoca que el hijo que tienen en común, Bob, pase mucho tiempo al cuidado de una amiga de Anna llamada Margie (Margit Carstensen, actriz alemana presente en varias cintas de Fassbinder). Margie, sabedora de la relación, se niega a revelar a Mark quién es el intruso en esa relación hasta que finalmente todo parece apuntar a un tal Heinrich, un raro gurú. Entonces, la película se desvía cada vez más de lo que en un principio podría parecer una cinta de parejas al borde de la ruptura (aunque con unas elecciones visuales fuera de lo común como veremos después que dan pistas de por dónde van a ir los tiros) y entra en escena otro personaje, Helen, la profesora de Bob, que es IDÉNTICA a su mujer pero con una mirada más luminosa, que además viste de blanco en lugar de azul, y otro color de pelo y ojos. O lo que es lo mismo, Isabelle Adjani por duplicado, lo que en mi opinión no hace daño a la vista, precisamente. Sí, como seguramente estaréis pensando en ello, sí, sale en bolas pero se ve más en otra peli de 1983, Verano asesino, ahí no lleva ni calcetines . Vedla. En qué peli está más apetecible o si tiene más morbo Helen o Anna ahí ya va en gustos.
El caso es que poco a poco se empiezan a filtrar elementos extraños, con situaciones que recuerdan al cine de Cronenberg o Lynch y momentos extremos como uno que citaré más adelante y que nadie que haya visto podrá olvidará jamás. Por si fuera poco, se añade otro elemento que resulta más propio del cine negro. Mark contrata a un detective para que siga a su mujer y descubra toda la verdad, pero ¿quién es el intruso que pone en peligro su relación?
Es esencial señalar que toda esta historia transcurre ante la presencia de un muro, el auténtico muro de Berlín (la película se filmó en Alemania), que parece servir de metáfora, la separación entre la pareja y la división política de un país. Además, en ocasiones los personajes aparecen encuadrados por puertas y ventanas, con paredes desnudas, elementos que generan tensión, distanciamiento. La desquiciante historia tiene una equivalencia en lo visual. Todo es frío, la película resulta incómoda, con una fotografía donde predominan los azules (salvo el apartamento de Anna en tonos más cálidos como contraste. El gran Argento declaró haber copiado su paleta de colores para Tenebre) y que recurre al uso de angulares para aumentar la sensación de encierro e introducir al espectador en la película, haciéndole casi partícipe en momentos tan íntimos como las discusiones.
Abundan los cortes bruscos, con cambios inesperados de localización. Hay un dinamismo visual notable, con una cámara en constante movimiento, con desplazamientos inesperados y extrañísimos travellings que giran y giran envolviendo a los personajes. Recuerdo los paseos de Adjani por las calles, similares en cierto modo a aquellos que hacía Catherine Deneuve en Repulsión (título que también podría tener esta película) de otro cineaste de origen polaco, Roman Polanski, incluso por la forma en que están filmados (por cierto, Adjani también trabajaría con Polanski un lustro antes en la espléndida El quimérico inquilino). Además, comparte con la cinta del director de la enorme La semilla del diablo esas escasas salidas al exterior para airear, por así decirlo, un poco una historia claustrofóbica, angustiante. También el aumento progresivo de la ansiedad, de la rabia, de la locura que lleva al crimen.
El momento cumbre de la cinta de Zulawski es para mí esa escena terrible en la estación de metro. Una de las más amargas que se han podido ver en una pantalla de cine, en una ÚNICA TOMA, por su exagerada duración y por el esfuerzo interpretativo que supone para la actriz (una Isabelle Adjani sublime) que parece sumida en la posesión que da nombre a la película, superada por los acontecimientos. Se trata de una escena imborrable en la mente de toda persona que haya visionado este filme. Es uno de los momentos que me saca un poco de la película, por excesivo, junto al asesinato de uno de los personajes al final del metraje y en el que veo ciertas semejanzas con el del taxista en otra película de otro polaco, No matarás de Kieslowski por crudo, inesperado. Debo decir que, supuestamente, Isabelle Adjani tuvo un intento de suicidio tras ver la película (aunque parece que no está demostrado) pero en aquel momento su carrera estaba en declive debido a su fama en el sector de diva insoportable y aceptó este papel tan extremo, con escenas de sexo perturbadoras. Incluso se dice que la única indicación que Zulawski le dio para rodar la insoportable citada escena fue que imaginase que se estaba follando al viento (palabras textuales).
A destacar también algunas cosas más como la música del recientemente fallecido Andrzej Korzynski que contribuye al clima de alienación presente en la película y el trabajo en los efactos especiales de Carlo Rambaldi en cuyo currículum figuran las colaboraciones con directores de la talla de Mario Bava, el citado Argento o Steven Spielberg.
Su mano nos conduce a una conexión directa con Lovecraft, aquello a lo que el ser humano no alcanza a comprender, con el pavor absoluto a lo desconocido y a algunas imágenes icónicas que aluden directamente a una de las criaturas más conocidas del de Providence. Hay una reflexión interesante en este trabajo de Zulawski sobre el mal, si está en nuestro interior o nos llega del exterior para introducirse en nuestro mundo.
tu esplendida reseña me ha hecho revisarla anoche, cada vez que la veo me gusta mas, es verdad que en muchas ocasiones la pelicula es fea con ganas, y repulsiva en algunos momentos pero es tan fascinante, con ese aire lovekraftiano, coincido tambien que tiene un aire a Polansky, sorprendente las actuaciones de la Adjani y Sam Neil, quizas me resulta a veces cargante la sobreactuacion en muchos momentos pero es parte del encanto de la pelicula, todo con el trasfondo de un Berlin muy gris en plena gerra fria. En fin, obra genial como pocas.
Correcto y siempre entretenido remake de 'La Huida' Peckinpahiana, bastante reivindicable. Respectivamente calca o fotocopia la estructura de aquella; el guion de Walter Hill es básicamente el mismo y solo añade algunos elementos de información, en concreto el prólogo, en la trama. Dirigido por el australiano Roger Donaldson, que plantea una puesta en escena eficaz, con escenas de acción a la antigua usanza y que aquí acometió la osadía de hacer algo sobre lo que muchos criticarían sin piedad (así fue). Y aunque es mejor no compararla y verla olvidando aquella -ciertamente uno se queda con la original (creo que Baldwin no llega al carisma de McQueen)- es muy disfrutable por su buen ritmo y el desfile de actores/actrices del reparto
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. Vedla. En qué peli está más apetecible o si tiene más morbo Helen o Anna ahí ya va en gustos.
