Películas que vais viendo en casita

LOS COMULGANTES (Nattvards Gasterna, 1963 - Ingmar Bergman)​




Una joya de Ingmar Bergman, centrada en un cura cuya fe comienza a resquebrajarse entre dudas y recuerdos del pasado, mientras sigue siendo el guía espiritual de una comunidad devota. Entre sus feligreses, destacan un matrimonio en crisis, donde el marido ( Max von Sydow) no solo ha perdido la fe, sino que también muestra tendencias suicidas, y una fiel devota (Ingrid Thulin) enamorada de él...Fascinante relato, de apenas 80 minutos y cuyo resultado es otra de esas películas hipnóticas de Bergman: Sintética, concisa, con una puesta en escena meticulosamente trabajada y actuaciones que rozan la excelencia. Además, como es habitual en su cine, plantea profundos dilemas existenciales en torno a la fe, la duda y el pecado, consolidando su maestría en la exploración de estos temas.
 
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Portrait of Jennie (1948) - William Dieterle

Curioso lo que me pasa con esta película. La primera vez que la vi, en mi adolescencia, me atrajo su estética de noir onírico, pero me pareció un pastel insoportable. Hace unos meses la volví a ver y me fascinó, aunque también me deprimió. En un tercer visionado, me pareció extraordinaria; debe ser una de las películas más neoplatónicas jamás realizadas, especialmente por cómo retrata la belleza y la creación como reflejos de lo sagrado.

El filme destaca por su atmósfera etérea, lograda con una cinematografía evocadora y una banda sonora que acentúa la melancolía y el anhelo. Jennifer Jones aporta fragilidad y encanto en su actuación, mientras que Cotten refleja la lucha interna de un artista dividido entre la desesperación y la esperanza. Lo que eleva a Jennie por encima del melodrama es su exploración de cómo lo vano es pasajero y superficial, mientras que la sabiduría, eterna, surge de una fuente más profunda. Así, la película puede interpretarse como un contraste entre vanidad y sabiduría. La vanidad, encarnada en la obsesión de Eben por el éxito mundano a través de su arte, se desvanece con la llegada de Jennie. Ella, un enigma que trasciende el tiempo, representa una sabiduría que no se alcanza solo con la razón, sino con algo más hondo: la caridad, entendida como amor desinteresado. Como se dice, 'sabiduría y caridad son los frutos principales, y la vanidad, su opuesto'.

Eben descubre su genio artístico al entregarse a un amor por Jennie que no busca poseer, sino contemplar y honrar. Esta entrega, que combina fe en lo inexplicable y razón en su búsqueda de sentido como artista, lo lleva a crear su obra maestra: el retrato de Jennie. Sin embargo, el final trágico —su partida en medio de una tormenta— nos recuerda que incluso el sentimiento más noble no asegura permanencia en lo terrenal, sino que señala Lo Eterno.

Que bien se ve esto leyendo como complemento los escritos de Plotino sobre la belleza: Plotino: La belleza y el bien
 

CONDENADOS A VIVIR (1972 -Joaquín Romero Marchent)​




Rareza estupenda y Muy reivindicable y extrañísimo western rodado en los Pirineos por el habitual Joaquin Romero Marchent uno de los buenos artesanos (notable ciertamente) que surgieron y se especializaron en el western rodado en España. En esta ocasión el film ya es una muestra de las postrimerías del género y hace una variación argumental, que lleva la historia hacia el camino del thriller y del fantástico con un guión hecho mano a mano entre el propio Romero Marchent y el especialista Santiago Moncada...Los resultados muestran secuencias muy entonadas, detallados gore inesperados, además de utilizar un plantel actoral lleno de buenos secundarios.
 

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SCORPIO (1972 - Michael Winner)​




Sin lugar a dudas, esta es la mejor película dirigida por Michael Winner, o al menos aquella en la que su estilo directo funciona mejor. Se trata de un thriller de espionaje con ciertos ecos del cine de Peckinpah: Amistades traicionadas, una atmósfera crepuscular y un tono melancólico. Rodado en la década de los 70, el filme mantiene la esencia del mejor cine del género, al tiempo que muestra influencias del polar francés. A ello contribuyen las interpretaciones pletóricas de Alain Delon y Burt Lancaster, junto a un reparto perfectamente equilibrado y ese aroma inconfundible del cine de los setenta. Si no es la obra maestra de su –a menudo infravalorado– director, poco le falta para serlo. Además, cuenta con una ambientación impresionante y una extraordinaria banda sonora de Jerry Fielding.
 
Upperseven dijo:

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SCORPIO (1972 - Michael Winner)​




Sin lugar a dudas, esta es la mejor película dirigida por Michael Winner, o al menos aquella en la que su estilo directo funciona mejor. Se trata de un thriller de espionaje con ciertos ecos del cine de Peckinpah: Amistades traicionadas, una atmósfera crepuscular y un tono melancólico. Rodado en la década de los 70, el filme mantiene la esencia del mejor cine del género, al tiempo que muestra influencias del polar francés. A ello contribuyen las interpretaciones pletóricas de Alain Delon y Burt Lancaster, junto a un reparto perfectamente equilibrado y ese aroma inconfundible del cine de los setenta. Si no es la obra maestra de su –a menudo infravalorado– director, poco le falta para serlo. Además, cuenta con una ambientación impresionante y una extraordinaria banda sonora de Jerry Fielding.
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Concur, es la mejor suya... aunque En nombre de la Ley y Los últimos juegos prohibidos le andan cerca.
 
Upperseven dijo:

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SCORPIO (1972 - Michael Winner)​




Sin lugar a dudas, esta es la mejor película dirigida por Michael Winner, o al menos aquella en la que su estilo directo funciona mejor. Se trata de un thriller de espionaje con ciertos ecos del cine de Peckinpah: Amistades traicionadas, una atmósfera crepuscular y un tono melancólico. Rodado en la década de los 70, el filme mantiene la esencia del mejor cine del género, al tiempo que muestra influencias del polar francés. A ello contribuyen las interpretaciones pletóricas de Alain Delon y Burt Lancaster, junto a un reparto perfectamente equilibrado y ese aroma inconfundible del cine de los setenta. Si no es la obra maestra de su –a menudo infravalorado– director, poco le falta para serlo. Además, cuenta con una ambientación impresionante y una extraordinaria banda sonora de Jerry Fielding.
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Menudo monumento. Qué persecuciones.
 

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EDICTO SIGLO XXI: PROHIBIDO TENER HIJOS ( Zaro Population Grown, 1971 -Michael Campus)​




Ciencia ficción setentera bastante interesante, ambientada en un futuro donde la superpoblación obliga al gobierno a prohibir que las parejas tengan hijos, sustituyendo esta necesidad por muñecos de aspecto repulsivo. Había leído críticas que la calificaban de monótona y aburrida, pero creo que, sin ser una obra redonda, está mejor resuelta de lo que uno podría esperar. La historia, aunque sencilla, es muy efectiva, en gran parte gracias a la excelente labor de la pareja protagonista, Oliver Reed y Geraldine Chaplin, quienes interpretan a una pareja que, desafiando la prohibición, decide tener un bebé y enfrentarse a las terribles consecuencias de la persecución. El apartado visual, aunque construido con pocos elementos, logra transmitir de manera convincente el imaginario futurista. Quizá la película habría necesitado un director más imaginativo, pero el resultado final se mantiene digno y con cierta personalidad.
 
Upperseven dijo:

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EDICTO SIGLO XXI: PROHIBIDO TENER HIJOS ( Zaro Population Grown, 1971 -Michael Campus)​




Ciencia ficción setentera bastante interesante, ambientada en un futuro donde la superpoblación obliga al gobierno a prohibir que las parejas tengan hijos, sustituyendo esta necesidad por muñecos de aspecto repulsivo. Había leído críticas que la calificaban de monótona y aburrida, pero creo que, sin ser una obra redonda, está mejor resuelta de lo que uno podría esperar. La historia, aunque sencilla, es muy efectiva, en gran parte gracias a la excelente labor de la pareja protagonista, Oliver Reed y Geraldine Chaplin, quienes interpretan a una pareja que, desafiando la prohibición, decide tener un bebé y enfrentarse a las terribles consecuencias de la persecución. El apartado visual, aunque construido con pocos elementos, logra transmitir de manera convincente el imaginario futurista. Quizá la película habría necesitado un director más imaginativo, pero el resultado final se mantiene digno y con cierta personalidad.
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A mí también me pareció más que digna, muy rescatable.
 
Upperseven dijo:
CARNEGIE HALL (1947 -Edgar G. Ulmer)


Rescatado de los films de Poverty Row de los que sacaba petróleo "Carnegie Hall" es todo un ambicioso film de Edgar Ulmer que trataba de conjugar un drama generacional, la historia de la mítica sala de conciertos de Nueva York y el género musical (aquí mostrando actuaciones de muchos artistas, la mayoría de género clásico)...Los resultados son casi siempre excelentes y a la vez atractivisimos. Utilizando una depurada puesta en escena en la que el trabajo de Eugene Shufftan como operador deviene extraordinario y obteniendo un film de dos horas y cuarto (debe ser sin duda el más largo de su carrera) que pasan como un suspiro
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Vista hoy, todo un MUST de musica clasica, ya solo por eso merece verse.
 
Harkness_666 dijo:
Me interesa el tema (clásica). ¿Recomendaciones?
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pues en esta en concreto salen

Pianistas:

  • Arthur Rubinstein (sacada de chorra total)
  • Walter Damrosch
🎻 Violinistas:

  • Jascha Heifetz
  • Gregor Piatigorsky
🎺 Directores de orquesta y compositores:

  • Leopold Stokowski
  • Bruno Walter
  • Fritz Reiner
  • Arturo Toscanini
🎶 Cantantes de ópera y otros intérpretes:

  • Lily Pons
  • Rise Stevens
  • Jan Peerce
 
Upperseven dijo:

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SCORPIO (1972 - Michael Winner)​




Sin lugar a dudas, esta es la mejor película dirigida por Michael Winner, o al menos aquella en la que su estilo directo funciona mejor. Se trata de un thriller de espionaje con ciertos ecos del cine de Peckinpah: Amistades traicionadas, una atmósfera crepuscular y un tono melancólico. Rodado en la década de los 70, el filme mantiene la esencia del mejor cine del género, al tiempo que muestra influencias del polar francés. A ello contribuyen las interpretaciones pletóricas de Alain Delon y Burt Lancaster, junto a un reparto perfectamente equilibrado y ese aroma inconfundible del cine de los setenta. Si no es la obra maestra de su –a menudo infravalorado– director, poco le falta para serlo. Además, cuenta con una ambientación impresionante y una extraordinaria banda sonora de Jerry Fielding.
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esta bien, con su aroma thriller sucio 70's y ellos dos... pero es un poco liosa y Winner cutre (as usual)

el ritmo tambien es rarito, con mucha escena cortisima intercalandose en una narracion que da muchos saltos
 
Ayer me fui a mi propio SPA cinematográfico y me revise "Angel"... esta todo dicho, historia de triángulo amoroso con un guión fino, sutil. Mogollon de escenas importantes fuera de cámara o en off, esa secuencia de los filetes de los criados donde sabes perfectamente que ha pasado por lo que han cenado o han dejado en el plato, la escena del piano y el teléfono descolgado escuchando la cancion compuesta por la mujer. Todos los personajes, incluso los secundarios maravillosamente interpretados y además dándoles "su escena".
Incluso la que hace de condesa haciéndose la tonta, es un ejercicio de buen gusto constante en unos tiempos donde lo zafio y lo chabacano triunfa aqui todo tiene detalles sutiles y de buen gusto.

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Ángel (1937)

Género: Drama | Sinopsis: Maria es la esposa de Sir Frederick Barker, aristócrata británico que hace tiempo que no le presta atención. Enfadada, se va a París sin decírselo a su marido. Maria conoce allí a Anthony Halton, un ...
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TU SANGRE (2024 - Guillermo Barreira)​



Película de terror reciente, producida por Raúl Cerezo y dirigida por Guillermo Barreira. Se trata de una nueva variación dentro del subgénero de películas ambientadas en colegios o internados. En esta ocasión, la acción transcurre en la época actual y sigue a una joven que, tras la muerte de su madre, decide regresar al internado donde ella trabajó para desentrañar el misterio que la rodea. Si bien su ritmo es algo irregular y desigual en ciertos momentos, el film consigue generar una atmósfera efectiva sin recurrir en exceso a sustos predecibles –como los clásicos "sustos de gato"– y con una banda sonora correcta y poco intrusiva. Un film de género más que correcto y digno, que, pese a haber sido rodado con un presupuesto limitado, no muestra carencias en su narración ni en sus efectos. De hecho, se sitúa muy por encima de producciones mucho más costosas que, en comparación, dejan en evidencia sus carencias sin disimulo.
 
Angel puede ser la mejor película de la historia. Ese arranque en París como si no hubiera mañana, sin saber nada de ella. Lubitsch lo abarcaba todo, las pequeñas escenas, sutiles, susurradas, irónicas, pero también era un genio en la estructura de sus películas, aquí la película tiene un peso enorme después de ese tramo inicial en París porque en ese arrebato lo da todo, quema las naves, ¿cómo puede seguir con su vida después de eso?

Y lo que podría ser arriesgadísimo, es decir, empezar tan fuerte para no poder sostener ese nivel, Lubitsch lo asume con total naturalidad, sin ningún problema, la relación con el marido también es de un magnetismo único (enorme Herbert Marshall), y el maravilloso guion hace que ellos sean colegas! Y claro, con todo esto, la traca final es como si te vaya a estallar el corazón.

Lubitsch es felicidad.
 
Ropit dijo:
Angel puede ser la mejor película de la historia. Ese arranque en París como si no hubiera mañana, sin saber nada de ella. Lubitsch lo abarcaba todo, las pequeñas escenas, sutiles, susurradas, irónicas, pero también era un genio en la estructura de sus películas, aquí la película tiene un peso enorme después de ese tramo inicial en París porque en ese arrebato lo da todo, quema las naves, ¿cómo puede seguir con su vida después de eso?

Y lo que podría ser arriesgadísimo, es decir, empezar tan fuerte para no poder sostener ese nivel, Lubitsch lo asume con total naturalidad, sin ningún problema, la relación con el marido también es de un magnetismo único (enorme Herbert Marshall), y el maravilloso guion hace que ellos sean colegas! Y claro, con todo esto, la traca final es como si te vaya a estallar el corazón.

Lubitsch es felicidad.
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Esto que dicen en FA

Lubitsch deja que la gran mayoría de la película pase en la cabeza del espectador, que no es que tenga que rellenar algunos espacios del puzzle, sino que prácticamente tiene que decidir cómo quiere hacer el puzzle y qué dibujo quiere que aparezca al final. En el comienzo se filma una mansión desde fuera, en un espectacular travelling gracias al cual solo vemos lo que pasa dentro de la casa a ratos, cuando una ventana nos deja, y nunca oímos nada. Se burla así la censura en una situación, digamos, potencialmente delicada, y se deja que el espectador imagine cómo de disipado es exactamente ese ambiente. En un momento clave Lubitsch se atreve hasta a birlarnos el gran momento de un descubrimiento, pero el resultado es que el suspense se dispara a niveles inusuales en una comedia. Y como ya dije, incluso en el final los protagonistas están de espaldas, de manera que el espectador es quien decide si ese final hace felices o no a los protagonistas, si es un final feliz o amargo.

Esta historia que ha sido contada mil veces, y hoy en día si la volviesen a contar caeria en el más ridículo de los dramas aqui te lo filman con una naturalidad y una empatia hacia todas las vertientes que asusta, perfectamente en la última secuencia podria pasar cualquier cosa, esa es la grandeza de la peli que no alecciona, como el 99% del cine actual.
Salvando las distancias me recuerda a una de esas interpretaciones que se me quedarons grabadas en la retina desde que la vi... David Niven en Mesas Separadas, interpretando a un tio que toca a jovencitas en los cines, ¿puede haber algo más asqueroso y deplorable? pues acabas sintiendo empatia por el personaje... eso es jodidísimo de conseguir.
Aqui tienes a una tía que le ha puesto los cuernos a su marido, a un tío que se ha enamorado de una casada y al marido corneado y sientes empatía por los tres!!! jodido no, lo siguiente!!!
 
Es que yo creo que si la perfección ha existido alguna vez en el cine eso tiene que ser Lubitsch preparando su siguiente película durante 3 años (estaba al frente de la Paramount y su frecuencia de pelis aminoró mucho), la última era de 1934.
 
El método Williams ( King Richard, Reinaldo Marcus Green 2021 )

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Producto creado a mayor gloria de, sorpresa, no tanto de las hermanas Williams como de Will Smith!!!


En realidad se trata de un telefilm de lujo, un biopic calculadísimo y salpimentado de tanto énfasis en la hagiografía de la familia y por supuesto de las hermanas tenistas (y sobre todo Venus, algo curioso viendo que ha sido Serena la que ha cosechado un palmarés digno de ser merecedora del título de mejor tenista de la historia ... pacto intrafamiliar?)

Todo lo subversiva que pudiera llegar a ser la temática y las aspiraciones del film se quedan en casi lo contrario: un alegato bastante conservador en el fondo y forma ( no digamos ya a nivel artístico ) de los valores norteamericanos de superación, integración, autoconocimiento ... Casi lo mejor es ver su vida familiar íntima al estilo de las parodias de los Cosby.

el clímax final es ridículo , sobre todo para un aficionado mas o menos casual del tenis, tan soso y forzado ( Arantxa Sánchez Vicario como improbable malísima y tramposa! :mparto ) que no hace sino revelar el trasfondo de todo , una hagiografía de las tenistas donde no faltan las imágenes reales en los créditos glorificando todos sus éxitos... A todo esto decir que las Williams no caían nada bien en las pistas por su actitud arrogante y su mal perder, amén de no pedir jamás disculpas por bolas que tocaban en la cinta y les favorecían.


El caso es que el karma le pasó receta a Smith: tuvo su Oscar ( basicamente por sacar chepa al andar y poner miradas de cabreo tenso ) pero tambien su condena por, paradojas de la vida, errores similares a los de su personaje . Exceso de ego, vanidad y sobreproteccionismo.
 

CONDENADO (City By The Sea, 2002 - Michael Caton-Jones)​




Thriller bastante convencional, con Robert De Niro interpretando a un policía divorciado y padre de un hijo con quien no tiene relación (James Franco). De repente, tendrá que ayudar a su vástago, quien se encuentra metido en un lío de drogas y asesinatos. La película se deja ver, aunque está rodada de forma bastante convencional por el impersonal Michael Caton-Jones, un director que en la década de los 90 realizó algunos trabajos de artesanía pulcra, pero sin demasiada brillantez. Aquí, vuelve a mostrarse como eso: Un director que sabe ilustrar películas, en este caso, una trama bastante previsible, en la que tal vez lo mejor sea el trabajo de los actores, con un De Niro bastante contenido o el siempre inapagable William Forsythe de villano
 

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RUMBO A JAVA (Fair Wind To Java, 1953 - Joseph Kane)​




Simpática producción de serie B dirigida por el artesano Joseph Kane, en este caso, la película aprovecha el acontecimiento histórico de la erupción del volcán Krakatoa para montar una aventura al más puro estilo clásico. Fred MacMurray lidera un barco que navega por aquellas aguas, enfrentándose a piratas y embarcándose en la búsqueda de un tesoro escondido en un templo en la propia montaña del volcán Bien rodada, colorista y con mucho ritmo, es, como digo, una producción de serie B a la que Kane aplica una puesta en escena sencilla, sin florituras, pero efectiva. Destaca la vibrante y cromática banda sonora de Víctor Young, que aporta un tono vitalista a una película de aventuras muy simpática.
 
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