Fotografía Cinematográfica

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segun la imdb, Spielberg propuso darle el papel, Dante no lo vio claro, SS insistio y la prueba les convencio a todos. Pero sigue siendo raro.
 
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"Atrápame si puedes" (Catch me if you can, Steven Spielberg, 2002, fot: Janusz Kaminski, ASC):

Adaptación de la autobiografía de Frank Abagnale, falsificador e impostor que trajo en jaque al FBI en los años 60, siendo aún un adolescente, debido a su astucia y pericia para la picaresca y la adopción de múltiples personalidades. Con la excusa de la ambientación de época y muy buenos diseños de Jeannine Oppenwall, Janusz Kaminski tiene la oportunidad de emplear algunos de sus tics más característicos sin que su trabajo parezca ir por un lugar diferente al de la narración: toda la película está rodada con difusión, especialmente, a través del uso de una media en la óptica, creando constantes halos y destellos en torno a las fuentes de luz o cuando éstas inciden directamente sobre las ópticas. Asimismo, también son muy frecuentes el empleo de haces de luz y humo en los interiores, con los que el operador intenta recrear bonitos efectos estéticos.

Por otro lado, a nivel narrativo, también existe un claro intento de diferenciar las escenas en las que el protagonista vive sus aventuras, retratadas en tonos dorados y apastelados que evocan la parte romántica de las mismas y el sentimiento nostálgico en la recreación de la época, mientras que las escenas en las que aparecen sus perseguidores generalmente están retratadas con un aspecto no más realista, pero sí más crudo, con menor grado de difusión, mayor contraste y tonos más saturados, generalmente con el color azul como dominante. Lógicamente, tratándose de una película de Steven Spielberg, pese a que no es uno de sus films más virtuosos, el trabajo de cámara y la planificación son de primera categoría, aunque en este caso, sea más vistoso que inspirado.

Por lo tanto, se trata de una fotografía que retrotrae muy bien al espectador a la época en la que acontence la acción, con un Kaminski que se acerca más que nunca a Robert Richardson ("JFK", "Nacido el 4 de Julio") o al anterior colaborador del propio Spielberg, Allen Daviau ("Bugsy"). Sin embargo, aunque esta vez está más cerca de obtener un trabajo redondo que en otras, el polaco no puede reprimir su desmesura en determinados instantes, quizá demasiados, en los que los destellos o los haces de luz (atención a la escena de Leonardo DiCaprio en la cocina al comienzo del film), crean efectos tan llamativos como fuera de lugar y que lamentablemente juegan en contra de la narración y del propio éxito de su trabajo.

Por ello, pese a que se trata de una obra que como conjunto podría calificarse como notable, esos instantes le alejan del grado de perfección de operadores mucho más maduros como los citados y dejan a la fotografía de "Atrápame si Puedes" un peldaño por debajo de los mayores logros en la recreación histórica del pasado reciente de los EEUU. Rodada con ópticas Panavision Primo y con la emulsión Kodak 5277 (320T), de bajo contraste y escasa saturación.
 
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Eh, que yo lo de 'La Isla' lo decía como cumplido, para nada soy detractor del estilo publicitario en la foto cinematográfica :yes .

Por otro lado, no sabía que 'Ozzie' estuviese interpretado por el director de foto habitual de Joe Dante. Y el caso es que no lo hizo nada mal :pensativo ... Juer, si hasta se marca una secuencia de acción sin rubor alguno :D !

Un saludete.
 
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aparte del plano de la cocina invadida por extraterrestres, recuerdo en la secuencia del "come fly with me" unos exteriores muy falsos con Leo y las azafatas andando por la calle que presagian lo peor de Indy.

a mi el trabajo de camara si me parece virtuoso e inspirado. Y el montaje (aunque se nota el recorte que le metieron a la ultima parte de la historia).
 
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Es una película modélica en cuanto a ritmo. Otra cosa es que sea un divertimento que apenas deja poso...
 
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aparte del plano de la cocina invadida por extraterrestres, recuerdo en la secuencia del "come fly with me" unos exteriores muy falsos con Leo y las azafatas andando por la calle que presagian lo peor de Indy.

a mi el trabajo de camara si me parece virtuoso e inspirado. Y el montaje (aunque se nota el recorte que le metieron a la ultima parte de la historia).

El momento de los extraterrestres es... para no creérselo. Me cuesta mucho, muchísimo, intentan racionalizar en qué estaban pensando. Si ese plano, en lugar de rodarlo Janusz Kaminski, doble ganador del Óscar, lo filma un debutante, no creo que hubiese continuado en el rodaje al día siguiente.

En este caso, yo creo que esos exteriores tan falsos le quedan bien, porque es una historia que tiene mucho de evocación nostálgica y las imágenes me cuadran bastante con la estética publicitaria de la época, o incluso las escenas americanas de pintores como Edward Hopper. Efectivamente, yo también pensé en "Indy 4", que realmente, en algunos pasajes, es muy parecida a nivel estético (aunque peor a nivel técnico), sólo que aquí, como digo, la estética encaja con la narración y no destroza una iconografía preestablecida.

En cuanto a la dirección de Spielberg, como digo, sí pienso que aquí hay planos virtuosos, pero no percibo la inspiración de un "Tiburón", por ejemplo, con ese trombone shot que además de ser vistoso, te cuenta en una décima de segundo todo lo que siente el personaje, o la maravillosa planificación de "Munich" y sus set pieces, por citar otro ejemplo, que además tienen muchísima más garra y fuerza.
 
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En cuanto a la dirección de Spielberg, como digo, sí pienso que aquí hay planos virtuosos, pero no percibo la inspiración de un "Tiburón", por ejemplo, con ese trombone shot que además de ser vistoso, te cuenta en una décima de segundo todo lo que siente el personaje,


a qué te refieres exactamente con ese término?
 
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YouTube - Goodfellas Reverse-Tracking Shot

Trombone Shot ó Reverse Tracking Shot es un plano en el que se combina el movimiento de la cámara en una grúa o sobre vías de forma opuesta a un zoom, es decir, se hace un zoom hacia atrás y se acerca la cámara o viceversa, creando el efecto del vídeo que he puesto.

Es el famoso plano de "Vértigo" y de "Tiburón", para mostrar la reacción en primer plano de Roy Scheider, sentado en la playa, cuando ataca el escualo.
 
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Yo conocía ya el Trombone shot, pero me sigue sorprendiendo la terrible dificultad y sincronización que entraña su realización: sincronizar el cambio en la distancia focal con el cambio en la distancia física de la cámara, que se tendrá que mover inversamente al desplazamiento focal (se usará un remoto para el control del zoom ¿no?)...y además tener que ir reenfocando al ir variando las distancias, aunque imagino que se rodarán con bastante profundidad de campo para dificultarlo lo menos posible.

En mi memoria tengo grabado el que aparece hacia el final de Poltergeist en un pasillo, mientras la mujer se dirige hacia una puerta hacia el final del mismo, se crea la sensación de que la puerta está cada vez más lejos, supongo que por el efecto óptico de pasar de una focal larga a una más angular (donde las distancias parecen "separarse"), aunque puede haber algún efecto óptico añadido que se me esté pasando...minuto 4:47:

YouTube - Poltergeist Final ( Legendado Br )

Absteneos los que no hayáis visto la peli, (que eso es el final prácticamente)...aunque supongo que pocos habrá por aqui que no lo hayan hecho:juas

Un saludo.
 
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Precisamente ese tipo de plano se suele llamar popularmente "vértigo" porque produce esa sensación y por que la peli vértigo fue una de las más famosas en usarlo ;-)

Y sí, es complicado de narices hacerlo en real...con lo fácil que es en 3D (pero chupado, chupado...) :doh
 
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recuerdo el plano del examen de Leo, resuelto con un reflejo en un reloj o algo asi. :ok O el "contacto" con la puta viendoles los pies. O la minisecuencia Bond... Exquisita seleccion de canciones, poco habitual en Spielberg (que suele usar a Johnny para todo).

Es una película modélica en cuanto a ritmo. Otra cosa es que sea un divertimento que apenas deja poso...

aparentemente ligera, pero esta el retrato de la familia rota de siempre del judio y un comentario cinico de fondo sobre la epoca, los "heroes" de la sociedad o la etica del sistema. Deja menos "poso" RAIDERS, por decir algo, y ahi esta.

por cierto, Harmo, supongo que la viste en HDTV...
 
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recuerdo el plano del examen de Leo, resuelto con un reflejo en un reloj o algo asi. :ok O el "contacto" con la puta viendoles los pies. O la minisecuencia Bond... Exquisita seleccion de canciones, poco habitual en Spielberg (que suele usar a Johnny para todo).

Es una película modélica en cuanto a ritmo. Otra cosa es que sea un divertimento que apenas deja poso...

aparentemente ligera, pero esta el retrato de la familia rota de siempre del judio y un comentario cinico de fondo sobre la epoca, los "heroes" de la sociedad o la etica del sistema. Deja menos "poso" RAIDERS, por decir algo, y ahi esta.


Hmm, no estoy de acuerdo. El gusto por la aventura pura y dura de Raiders ( cualquiera de sus partes ) me parece mas genuina y perdurable que catch me, que no deja de ser un biopic bien resuelto. Jones es una oda a un tipo de cine y una declaración total de intenciones por parte de Spielber acerca de lo que debe ser una película, una experiencia de disfrute continuo, con el movimiento continuo de sus personajes.

Todo esto aplicado a las 3 primeras, of course...
 
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disfrute y moviemiento continuo lo veo en las andanzas de Fran Abagnale, precisamente.

y los indianas no dejan de ser cine de aventuras "bien resuelto" (genuino en espiritu de evocar, si acaso). Y CATCH ME no es un biopic, hombre.

pero por "poso" entendi que te referias a mensajes, relecturas o cosas asi.
 
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"La Sombra del Diablo" (The Devil's Own, Alan J. Pakula, 1997, fot: Gordon Willis, ASC):

Punto final a la colaboración y también última película de cada uno de los miembros de un tándem que contribuyó decisivamente a redefinir la imagen cinematográfica con sus tres primeros trabajos en común: "Klute" (1971), "The Parallax View" (1974) y "All The President's Men" (1976), los cuáles, junto con las dos primeras entregas de "El Padrino", le valieron a Willis el apelativo de "príncipe de las tinieblas". A pesar de ser un trabajo de encargo y un film plagado de problemas de producción, lo cierto es que Willis realiza un trabajo notable, pese a que adujese en su momento que había tomado la decisión de retirarse tras el mismo ante el poco control que había podido tener sobre la imagen.

El film, que sigue a un terrorista del IRA que viaja a EEUU a comprar unos misiles, se caracteriza por sus cielos grises y tonos marrones, como en gran parte del cine de Willis, que seguramente colaboró en este aspecto con la diseñadora Jane Musky. En exteriores, el director de fotografía controla al mínimo detalle sus exposiciones mediante la sabia utilización de filtros degradados (neutros y coloreados) para oscurecer los cielos, por lo que consigue metraje que simula la hora mágica de forma muy convincente pero sin tener que sufrir las limitaciones de la misma. Lo curioso es que, al contrario de lo que es habitual, Willis mueve la cámara incluso con estos filtros tras el objetivo, sin que el efecto quede mal en absoluto. Por supuesto, como siempre, es en interiores y exteriores nocturnos donde más se luce, con su habitual estilo simple y bajos niveles de luz y parece que una mayor preocupación en iluminar las estancias que a los propios actores, aunque en esta ocasión también hay un poco de lo segundo. El estilo es, por lo tanto, muy natural y deja que fluya la narración extraordinariamente bien en todo momento, e incluso se luce en algunos de sus exteriores nocturnos, especialmente uno en una fábrica abandonada en el que tiene lugar un intercambio y que Willis retrata con un aspecto muy interesante, con mucha profundidad y un gran contraste, haciendo gala de su gran dominio del formato panorámico anamórfico.

Aunque ya no es el Willis de los años 70, arriesgado, innovador, con una enorme capacidad para los encuadres ingeniosos y milimétricos, su trabajo aquí demuestra que va tan sumamente sobrado en lo que hace que es una desgracia que decidiera dejarlo tras el mismo, cuando únicamente tenía 65 años y fácilmente, con el proyecto y el director adecuados, podría haber seguido deleitándonos la vista durante al menos una década más.
 
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"El Cielo Sobre Berlín" (Der Himmel Über Berlin, Win Wenders, 1987, fot: Henri Alekan):

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Estupenda película, ambientada en el Berlín de finales de los 80, cuando aún era una ciudad dividida por el muro de la vergüenza, que sigue a dos ángeles que vigilan a los humanos que allí habitan hasta que uno de ellos, cansado de su etérea existencia, también quiere ser humano. La decisión de Win Wenders de contar con un operador de amplísima experiencia en el blanco y negro como el casi octogenerio francés Henri Alekan no pudo ser más acertada, puesto que el dominio de éste sobre el medio queda patente desde las primeras imágenes, con un uso del contraste y de la luz dura o suave en función de sus necesidades, con un ligera media en la óptica, que es digno de la mayor de las admiraciones.

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Pero no sólo su trabajo tiene un aspecto magnífico, sino que en un film como éste, en el que parte de lo que ve el espectador está filtrado a través de los ojos de los ángeles (el material en blanco y negro), con el color reservado para las emociones humanas, se convierte en un elemento esencial de la narración. Asimismo, el trabajo de cámara, casi siempre con ópticas tendentes al gran angular aunque sin que se llegue a apreciar distorsión alguna, es elegantísimo, con numerosos momentos en que la cámara flota directamente sobre los sets (por ejemplo, en las escenas en la biblioteca), o muy fluidos movimientos de Steadicam, vías, etc. que transmiten muy bien la función de "observadores" que ejercen esos dos ángeles sobre los ciudadanos de Berlín.

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El único inconveniente, quizá, es que el material rodado en color (aproximadamente el 15% del total del film), en comparación con el fabuloso metraje en blanco y negro, parece excesivamente convencional, plano y hasta carente de vida, ignoro si por la comparación o por premeditación de los cineastas, pero en cualquier caso, ello no empaña un trabajo soberbio de fotografía cinematográfica.
 
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"Resplandor en la Oscuridad" (Shining Through, David Seltzer, 1992, fot: Jan de Bont, ASC): adaptación de una novela de Susan Isaacs, acerca de una joven norteamericana de procedencia alemana que, durante la segunda guerra mundial, viaja a Berlín para hacerse pasar por una niñera y así poder robar importantes documentos de las SS. "Resplandor en la Oscuridad" es una de las escasas incursiones en la dirección del habitualmente guionista David Seltzer ("La Profecía"), que aquí aboga por un estilo muy clásico que evoca de manera muy evidente el cine romántico y de espionaje de los años 40 y 50.

Apoyado por una producción muy solvente y diseños del británico Anthony Pratt, Seltzer también tuvo la suerte de estar muy bien apoyado por el operador holandés Jan de Bont, en uno de sus últimos trabajos como director de fotografía antes de pasarse a la dirección (en una jugada que puede que le resultara rentable económicamente, pero que desde luego, a nivel artístico, supuso su temprano declive). De Bont, de hecho, realiza en este film el que posiblemente resulte el trabajo más completo de su carrera. Como era habitual en el operador holandés, "Resplandor en la Oscuridad" está rodada en un vistosísimo formato panorámico anamórfico, y cuenta con una puesta en escena que si bien no es inspirada, siempre resulta muy elegante, denota mucho oficio y una enorme sobriedad. El uso de ópticas tendentes a los angulares es el denominador común de todo el film, iluminado por De Bont con un estilo más recargado y más contrastado de lo que era habitual en él, con muchas fuentes de iluminación que pretenden (y consiguen) recrear el glamour de la época que retrata. Al mismo tiempo, no tiene el menor temor de permitir que gran parte del film discurra en interiores en los que cuenta con niveles de luz realmente bajos, con gran parte de sus fotogramas invadidos por la penumbra, con sus personajes iluminados por una simple luz lateral o contraluz que sirve para perfilarlos y con un ligero rebote sobre sus rostros. No hay empleo de difusión, más allá de los halos y destellos que producen las propias ópticas, pero sin embargo se trata de una imagen que tiene una apariencia muy cinematográfica, muy viva y orgánica, ya que De Bont tampoco parece amendrentarse ante el empleo de las emulsiones de alta sensibilidad de la época (posiblemente, Kodak 5296 500T), bastante más granuladas que las actuales pero que aquí contribuyen para lograr un aspecto envidiable.

Sin embargo, donde quizá se luzca más el holandés es en sus escenas nocturnas en Berlín, iluminadas cenital y lateralmente, dependiendo del tipo de toma, creando contraluces de una gran profundidad y muy bellos efectos estéticos. Lo peor, por algún motivo que desconozco, son las dos escenas rodadas en una pescadería a la que el personaje principal acude para obtener información, cuyo aspecto es mucho más plano que el del resto del metraje, no tiene continuidad con la luz del exterior y además están rodadas con una óptica zoom que, como casi siempre ocurre en anamórfico, luce mucho peor que las lentes fijas.

Sin embargo, se trata de un trabajo muy bueno, quizá no tan influencial como otros títulos de De Bont en el género de acción (y que le lanzaron a la fama, como "Jungla de Cristal" o "La Caza del Octubre Rojo"), pero a los que sin duda supera en cuanto a aspecto final y a su propia solvencia como operador. Panavision.
 
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alguien sabe si para EL VIOINISTA EN EL TEJADO en HD han eliminado la difusion? Es que veo capturas por la red y yo de pases televisivos la recordaba como con un halo blanquecino...

ejemplos: http://img849.imageshack.us/i/00000m2tssnapshot003133.png/

por otro lado, he visto un rato de LA TUNICA SAGRADA en HD restaurada y da bastante asco todo el tono amarillento que le han metido. Y en ninguna review veo que nadie se queje!!
 
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"El Violinista en el Tejado" no debería ser tan difusa como otros títulos rodados por Geoffrey Unsworth en aquélla época, porque Oswald Morris no utilizaba el filtro de niebla de grado 2 de aquél, sino una media marrón detrás de la óptica. Aunque en este mundo todo es posible, como no he visto nunca una proyección de este film en celuloide, yo apuesto más por la corrección del Blu-ray que de las anteriores versiones que hemos visto.

"La Túnica Sagrada" no la tengo muy en mente, pero sí que la recuerdo de siempre con colores bastante neutros, más allá de las mezclas de colores habituales en Leon Shamroy.
 
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Quizás mi memoria falla pero en esa foto en cuestión la recuerdo más o menos como en el DVD que yo tengo (claro está con la limpieza correspondiente). Diría que en esa secuencia no había esa difuminazión tan característica de la película.

¿Hay más fotogramas? Más que nada para comprobarlo.
 
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He revisado "Magnum Force", uséase, "Harry el Fuerte" (1973), primera de las secuelas del título de Don Siegel, escrita ni más ni menos que por John Milius y Michael Cimino. La he encontrado tan digna como siempre e incluso, en algunos pasajes, está realmente bien. La foto en esta ocasión corre a cargo de Frank Stanley, operador también conocido por el debut del propio Cimino con producción de Malpaso ("Thunderbolt & Lightfood") y que aquí realiza un trabajo bastante bueno y que compendia bastante bien las virtudes y defectos del cine de los 70: formato panorámico anamórfico, rodaje casi exclusivo en ópticas zoom en exteriores, cielos muy bien expuestos en la mayoría de las ocasiones, serios intentos de realizar una iluminación naturalista/realista, con empleo de bajos niveles de iluminación e incluso secuencias que anticipan el gusto de Eastwood por la oscuridad prácticamente total en otros títulos a cargo de Bruce Surtees ("Fuga de Alcatraz", "Pale Rider"). La textura de la imagen, rodada en la mítica emulsión 5254 de Kodak (100 ASA), frecuentemente forzada, no podría ser más agradable. Sin embargo, el estilo no está del todo bien cohesionado, con algunas escenas nocturnas también rodadas con el zoom, por lo que requieren niveles de luz mucho más altos y obligan a Stanley a emplear luces duras para obtener exposiciones adecuadas (por ejemplo, su encuentro con su colega policía del coche amarillo, o su posterior visita a la casa de este a ver a su mujer). El uso de fluorescentes quizá sea mejor que en el primer film, pero tampoco está totalmente logrado, mientras que las secuencias en los interiores de coches alternan momentos de gran naturalidad con otros en los que es muy evidente el uso de focos para iluminar a los actores. En definitiva, como viaje a los 70, se trata de una fotografía memorable, pero a niveles de consistencia estilística, si bien se percibe la influencia en Stanley de operadores como Roizman, Willis o el propio Surtees, también hay escenas dignas de un Fred Koenekamp o un Harry Stradling Jr, pese a que el conjunto casi resulta más interesante por ello.
 
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Rumore, rumore: PT Anderson está haciendo pruebas en 65mm, y no rodará con Robert Elswitt por primera vez en su carrera. Pero es solo eso: información cutre para coger con pinzas.
 
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