Fotografía Cinematográfica

[manipulador]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Pues bien

La composicion, como puedes observar, es muy academicista, nada raro en esa epoca, por otra parte, y que a mi, a dia de hoy me parece un poco "clasica".
El equilibrio / armonia que puedes ver en la imagen viene dado por varias cosas:

- El aire de los personajes principales, que los deja centrados por arriba y por abajo para tenerlos en una composicion casi panoramica con el aire en los laterales para centrar la vision del espectador.
- Vision que este recorre desde el primer termino de la imagen (personaje de la izquierda) hasta el segundo termino de la imagen (personaje de la derecha) y siguiendo mas hacia la derecha vemos como nuestro ojo termina el recorrido en el personaje que esta al fondo, desenfocado, creando una linea diagonal de izquierda a derecha que causa equilibrio, sobre todo por la reparticion de los pesos visuales, que estan en los tercios laterales de la imagen.

- Luz, que aporta profundidad a la imagen con los claroscuros y resaltando los personajes centrales de la conversacion entre otras cosas.

- Los vasos me parecen un primer termino desenfocado muy interesante para centrar aun mas la vision del espectador y darle profundidad a la imagen, que tiene y muchisima.

Mañana sigo que me estoy durmiendo.

 

[Zander]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

¡Ahora sí! ¡Gracias!

 

[Elliott]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

pues era mas interesante lo que dije yo...


y la peli igual es un rollo a pesar de todo esto!

 

[manipulador]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

De nada, por supuesto, los compañeros operadores te podran ampliar mas el tema ya que sabran mas sobre fotografia y composicion en todos los aspectos asi que esperemos que nos echen una mano.

Nos leemos pronto.

 

[Harry Block]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Solo añadir que Kubrick es un maestro de la composición que sabe perfectamente cuando seguir sus reglas para conseguir planos armoniosos y equilibrados, como el descrito, o cuando saltárselas para transmitir desequilibrio, tensión, locura, terror... como hace con sus características composiciones simétricas o centradas.

 

[Atreyub]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

No puedo estar más de acuerdo con la crítica de Harmonica de La historia interminable (como siempre, chapó, Harmo).

Sobre todo en esto que destaco...

Se percibe que en su momento fue una película de alto presupuesto, realizada con cierta abundancia de medios, aunque en algunos aspectos se ha quedado claramente desfasada. El trabajo de Vacano -rodado con lentes anamórficas Technovision- es muy bueno en casi todas las escenas en las que no cuenta con efectos visuales que comprometan su trabajo; esto es, todas las escenas con el niño Bastian, las escenas en el interior de la torre de marfil, las escenas en el pantano o incluso en alguno de los interiores de estudio que simulan ser exteriores.

[...]

A nivel de efectos, quizá lo peor es que los cineastas no pudieran acceder al sistema de proyección frontal "Zoptic" empleado en "Superman", por lo que las escenas de vuelo se resienten debido a que la pantalla azul se nota algo más y no permite crear la sensación de movimiento del otro método, aunque el resto del trabajo de Industrial Light and Magic (en Vistavision) y los efectos especiales de maquillaje de Colin Arthur continúan siendo más que dignos.

Es que ahora está chirriante en según qué aspectos pero la ambientación de las escenas citadas, los decorados y según qué efectos para mi gusto están todavía candentes (no son un lujazo del copón pero se sigue manteniendo).

Lo que pasa que las partes que chirrían son tan llamativas que suelen quedar por encima del buen trabajo restante.

 

[Magnolia]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Pues viva el academicismo (que no estoy de acuerdo, porque Kubrick iba más allá, ya que no se limitaba a dar lo justo y necesario, sino que rellenaba todas las leyes posibles..., e incluso las rompía en muchos aspectos).

En el polo contrario, está EL HORROR MODERNO: GREEN ZONE. ¿Habéis comentado este espanto? Ya no hablamos de corte realista, sino de dejadez absolutamente execrable. No hay un porqué en todo lo que efectúa (o no lo hace) el film, sino que pasamos de ruidazo a falta de él, de absolutas sombras no buscadas en una acción que no se ve o, directamente, de cámara al hombro movida porque no nos queda otra, que marca estilo.

Qué bazofia, señores.

 

[JDUG]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Ya se ha comentado Green Zone y, aunque coincido contigo en lo inconsistente de algunas escenas en cuanto a su textura, lo que hace Ackroyd no es ningún "horror moderno". En ese sentido, cualquiera de los trabajos de Oliver Wood para la trilogía de Bourne era mucho más tendencioso (ese etalonaje...) y, por supuesto, muchísimo menos arriesgado.

 

[Magnolia]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

A mí en la de Bourne me importaba menos la fotografía con otras cualidades de heroicidades, pero aquí es que me descentra completamente, porque si bien por debajo no tenemos nada, por encima me ha parecido un absoluto descentre y consistencia. No me digas que te gusta esto, Jota. Y que no te guste mucho, que esto se olvida en dos findes.

 

[JDUG]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Está claro que los dos Bourne de Greengrass (sobre todo The Bourne Supremacy) eran películas muy superiores, pero en lo que al aspecto visual se refiere, Green Zone les da unas cuantas vueltas. Así que sí, claro que me ha gustado. Sorry to disappoint!

 

[Magnolia]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

sí, aquí no estamos de acuerdo. Green Zone a mí me ha parecido un cáncer para las retinas..., en todos sus campos (incluido el visual). Besotes.

 

[JDUG]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

¡Qué visceral eres, Raúl! Pero bueno, ya sabes que respeto mucho tu opinión.
Un abrazo.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

“Rescate al Amanecer” (“Rescue Dawn”) de Werner Herzog (2006), fotografiada por Peter Zeitlinger.

Película basada en la historia real de Dieter Dengler, piloto germano-norteamericano que tras ser abatido en Laos en el año 65 durante una misión secreta, fue capturado y mantenido en cautiverio por el Vietcong. Todo el film está rodado en vistosísimas localizaciones reales de Tailandia, con un estilo de inspiración claramente naturalista que luce estupendamente bien en la pantalla. En exteriores diurnos, a través de un cuidadoso control de la exposición, los cineastas consiguen no tener que recurrir a luces adicionales, a pesar que la luz asiática ocasionalmente es muy fuerte y contrastada. Curiosamente, un gran número de secuencias están rodadas en las horas en las que el sol permanece en lo más alto (por lo que la luz es menos atractiva), pero con ello consiguen crear una atmósfera más opresiva por el calor que desprenden las imágenes. En los interiores, Zeitlinger, por lo general, utiliza luces duras sobre los decorados para simular la luz del sol penetrando por las ventanas o a través de las maderas de las construcciones, así como una luz más suave para los personajes, bien como fuentes de luz independiente o bien como rebote de las luces principales. Las escenas nocturnas están bien resueltas, aunque quizá con un estilo más luminoso y estilizado del que debieran, dado el planteamiento de la película (por ejemplo, los interiores de las cabañas, en los que Zeitlinger mezcla la luz cálida de los faroles con una luz demasiado azul procedente del exterior). La mejor toma, sin duda alguna, es aquélla en la que el protagonista, en la hora mágica, pero con el cielo aún luminoso, hace que ardan varias cabañas para intentar llamar la atención de los aviones norteamericanos. El trabajo de cámara es sobrio, con un extensivo uso de focales gran angular (entre 15 y 20mm) y cabe destacar que Herzog insistió en rodar en formato Super 1.85:1 en lugar del 2.40:1 que le proponía su director de fotografía. Lo peor de este notable trabajo, en mi opinión, es que en ningún momento se percibe a través de la imagen la época en que se desarrolla la acción, algo achacable especialmente a las escenas de apertura, en la que el estilo y los medios empleados son absolutamente contemporáneos. Rodada en las emulsiones Fuji 8522 (F-64D), Eterna 8563 (250D) y Eterna 8583 (400T).

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

“Bugsy”, de Barry Levinson, fotografiada por Allen Daviau, ASC.

Versión romántica de la vida de Benjamin “Bugsy” Siegel, uno de los gángsters pioneros de Las Vegas en los años 40, que además de ser la segunda y última colaboración del director Barry Levinson y el director de fotografía Allen Daviau, es un claro vehículo para el lucimiento de Warren Beatty. La puesta en escena toma la decisión consciente de optar por el glamour, para lo que cuenta además con un vistosísimo diseño de producción de Dennis Gassner y vestuario de Albert Wolsky, el equipo responsable por ejemplo de “Camino a la Perdición” (2.002, fot: Conrad Hall, ASC). Daviau, en la línea de los intereses del film, deja completamente de lado cualquier inspiración naturalista y opta por embellecer cada fotograma de la película con todos los medios a su alcance. Todo el film está rodado con filtros difusores delante de la óptica (tipo Tiffen White Pro-Mist ó Double Fog de Harrison & Harrison), lo que produce imágenes más suaves y agradables, además de halos en torno a las fuentes de luz y una reducción del contraste y la saturación del color. Daviau ilumina gran parte de los decorados mediante luz suave y difusa pero, curiosamente, emplea una gran cantidad de luz dura y directa sobre los actores: sobre todos los personajes, mediante la introducción de un casi perpetuo contraluz que los estiliza y los separa de los fondos, como si de blanco y negro se tratara; y sobre Warren Beatty especialmente y Annette Bening en menor medida, utiliza una luz directa, frontal, por debajo de sus frentes para favorecerlos y retratarlos (sobre todo a Beatty) sin una sola sombra y arruga en la piel. Daviau concede este tratamiento a la estrella como si se tratara de una película verdaderamente realizada en los años 40, puesto que muchas veces la iluminación de Beatty no tiene nada que ver con la del entorno en el que se mueve, aunque en la gran estilización del conjunto el efecto pasa absolutamente desapercibido para el grueso de los espectadores. La mejor escena y la mayor inspiración se produce en la escena de la seducción, en la que Daviau utiliza el haz de luz de un proyector de cine y la pantalla de éste para lograr una toma espectacular. “Bugsy” supuso la quinta y última nominación al Óscar del director de fotografía de “E.T.” (perdió ante Robert Richardson, ASC, por “JFK”), aunque se resarció al obtener de sus colegas operadores su segundo premio de la ASC, tras el obtenido en 1987 por “El Imperio del Sol”.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

"Petulia" (1968) de Richard Lester, fotografiada por Nicolas Roeg, BSC.

Película que resulta un poco extraña dentro de la filmografía de Richard Lester, cuyo nombre suele asociarse más al género de la comedia y no termina de casar bien con este drama de toques oníricos, acerca de un médico cuya monótona existencia se ve perturbada cuando conoce a una misteriosa mujer. También resulta extraño que Lester dejase Inglaterra, su país de adopción, para rodar este film, aunque se llevó consigo a San Francisco a un equipo eminentemente británico encabezado por el director de fotografía Nicolas Roeg, asistido por dos operadores de cámara habituales del director, Paul Wilson y Freddie Cooper. La fotografía de Roeg no es demasiado brillante y se ha quedado muy anticuada: toda la película posee una mezcla de estilos que le restan coherencia (por ejemplo, luz dura con múltiples sombras en el apartamento del protagonista, mientras que los exteriores y otros interiores tratan de hacer uso de la luz disponible o luz rebotada en pos de una apariencia más natural). Además, abusa de otros tics de la época, como los exagerados zooms (que por suerte son ocasionales) o incluso mezcla con muy poco acierto luz fluorescente sin corregir, con sus característicos tonos verdosos, con luz de tungsteno, obteniendo imágenes que son poco vistosas y agradables. En definitiva, no se trata ni mucho menos de una de las películas mejor fotografiadas de la filmografía de Richard Lester, del que sigo prefiendo sus colaboraciones con Gil Taylor ("A Hard Day's Night"), Gerry Fisher ("Juggernaut") y sobre todo sus múltiples trabajos con el gran David Watkin.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

"8 1/2" (1963), de Federico Fellini, fotografiada por Gianni Di Venanzo.

Emblemática e influencial película acerca de la crisis personal que sufre un cineasta, incapaz de seguir adelante con su próximo proyecto, en la que se entremezclan sus recuerdos, sufrimientos y ensoñaciones. Rodada en un vistoso blanco y negro, lo más destacable de la estupenda fotografía de Gianni Di Venanzo es la increible movilidad y energía de su puesta en escena y del trabajo de cámara, que dotan al film de una espontaneidad, dinamismo y energía prácticamente insuperables. Así, la cámara parece que "flota" en un gran número de ocasiones, siguiendo a un personaje, luego a otro, y otro, y otro, o girando sobre sí misma o en diversas combinaciones de movimientos. Asimismo, Di Venanzo colabora con Fellini en la exploración de la mente del protagonista, mostrando duras sombras en las escenas en las que éste recuerda su infancia, o fuertes sobreexposiciones en sus sueños, dejando las imágenes más convencionales para la acción "real". Aún así, no se trata de una imagen convencional para la época, porque aunque Di Venanzo utiliza con frecuencia luz dura para iluminar los sets o como relleno en los exteriores, también hay un gran número de secuencias resueltas exclusivamente con luz rebotada. No es un trabajo en el que las imágenes muestren una perfección absoluta en ningún momento, pero desde luego sí que es muy, muy efectivo y derrocha talento en cuanto a la puesta en escena. El inspirado operador de cámara no era otro que el futuro director de fotografía Pasquale Di Santis.

 

[JDUG]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

"8 1/2" (1963), de Federico Fellini, fotografiada por Gianni Di Venanzo.

Emblemática e influencial película acerca de la crisis personal que sufre un cineasta, incapaz de seguir adelante con su próximo proyecto, en la que se entremezclan sus recuerdos, sufrimientos y ensoñaciones. Rodada en un visto blanco y negro, lo más destacable de la estupenda fotografía de Gianni Di Venanzo es la increible movilidad y energía de su puesta en escena y del trabajo de cámara, que dotan al film de una espontaneidad, dinamismo y energía prácticamente insuperables. Así, la cámara parece que "flota" en un gran número de ocasiones, siguiendo a un personaje, luego a otro, y otro, y otro, o girando sobre sí misma o en diversas combinaciones de movimientos. Asimismo, Di Venanzo colabora con Fellini en la exploración de la mente del protagonista, mostrando duras sombras en las escenas en las que éste recuerda su infancia, o fuertes sobreexposiciones en sus sueños, dejando las imágenes más convencionales para la acción "real". Aún así, no se trata de una imagen convencional para la época, porque aunque Di Venanzo utiliza con frecuencia luz dura para iluminar los sets o como relleno en los exteriores, también hay un gran número de secuencias resueltas exclusivamente con luz rebotada. No es un trabajo en el que las imágenes muestren una perfección absoluta en ningún momento, pero desde luego sí que es muy, muy efectivo y derrocha talento en cuanto a la puesta en escena. El inspirado operador de cámara no era otro que el futuro director de fotografía Pasquale Di Santis.

Otra maravilla de Di Venanzo para quienes no hayan tenido aún ocasión de disfrutarla: La notte de Michelangelo Antonioni.

 

[Lovekraft]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Lo siento pero no puedo con Antonioni .

Yo he sido más modesto hoy, solo he revisado Capricornio Uno, de Bill Butler (con música maravillosa de Goldsmith que siempre ayuda ) y que puedo decir... me encanta la película, excepto ese final a cámara hiper lenta que parece un anuncio de compresas, el resto es nervio puro, concisión, trama conspiparanoica de las que soy fan y un ritmo interno de los que ya no se hacen.
Respecto a la foto están los típicos forzados en los interiores donde el grano no es que aparezca, es que el protagonista (especialmente en la conversación del periodista con la viuda) y la casa de él cuando le visitan los del Servicio Secreto donde se ven un par de lámparas completamente fuera de rango en la exposición (sobretodo en el baño) y el relleno rebotado al techo en la cocina aunque el operador trate de disimularlo cortando el techo en el encuadre .
Otra escena demasiado cantosa es una de un coche desbocado donde ruedan a menos fotogramas para parecer que va a hipervelocidad y que queda muy deslucida (al estilo con la muerte en los talones del tito Hicth).... pero vamos en conjunto, un trabajo correcto sobretodo por las escenas que ahora mismo se harían con croma, como una donde un helicoptero da golpes al ala de un avión, donde se nota que está rodado realmente y la fisicidad del momento.
Creo que también hay un par de momentos de maquetas con los helicópteros... en fin seguro que acaban haciendo un remake y es mejor técnicamente pero ni la mitad de entretenido .

PD: los diálogos entre Karen Black y Gould y éste mismo y Savalas... dignos para enmarcar.

 

[Elliott]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

el personaje de Karen Black parece de otra peli, de una screwball de los 40 actualizada. Sus dialogos con Gould son delirantes.

y que gran malo era Holbrook!

es verdad que hoy la harian todo en CGI y daria asco.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

"Capricornio Uno" es de los pocos Hyams que no he visto y que me interesan, pero creo que no aún no hay una edición en HD que merezca la pena. Nunca he tenido en gran estima a Bill Butler, que me parece que únicamente brilló realmente en las noches americanas de "Tiburón" (porque incluso lo mejor de la película de Spielberg es el trabajo de cámara, obra de Michael Chapman). ¿Se deja notar en "Capricornio Uno" la mano de Hyams con el humo, haces de luz, etc? Soy un fan absoluto de la fotografía de "Hanover Street" (Watkin), "Outland" (Hyams y Goldblatt) y las escenas de la tierra de "2010" (Hyams), que están a la altura de cualquier Scott (Ridley o Tony) de la época.

 

[Lovekraft]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

http://www.play.com/DVD/Blu-ray/4-/3297395/Capricorn-One/Product.html
http://www.amazon.co.uk/Capricorn-One-Blu-ray-Elliott-Gould/dp/B000X1ETWQ

. El trabajo de Butler no me entusiasma, digamos que cumple pero no se nota la mano de Hyams detrás, lo cual creo que es porque es uno de los primeros trabajos del realizador donde aún no tenía la confianza suficiente en sí mismo para discutir cuestiones estéticas con el director de fotografía.
Es curioso como la cronología nos lo revela

1. 2010 (1984)
   ... aka "2010: The Year We Make Contact" - USA (promotional title)
2. The Star Chamber (1983)
3. Outland (1981)
4. Hanover Street (1979)
5. Capricorn One (1977)

Creo que aprendió más de Watkin y de Goldblatt y luego se soltó el pelo... aunque claro todo ésto son suposiciones ::.
Del mismo género conspiparanoico le da cien mil vueltas a nivel fotográfico El Último Testigo (Willis es mucho Willis), pero pese a todo Capricornio Uno, como diría Magnolia , es una película que me tiene ganado.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

¿Y qué tal la calidad del Blu-ray?

Yo intuyo que de quien más aprendió Hyams fue de Watkin, porque el propio Goldblatt reconoce que le contrataron para hacer "Outland" únicamente por cuestiones sindicales, y que el grueso del trabajo lo hizo el director. Sea como fuere, la fotografía de esa película es notabilísima.

¿Habéis visto "The Star Chamber"? La firma un director de fotografía con un único crédito además de éste, por lo que es obvio que también la hizo Hyams.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

"Gallipolli" (1981), de Peter Weir, fotografiada por Russell Boyd, ASC, ACS.

Dramatización del enfrentamiento bélico entre las tropas australianas y las turcas en la península de Gallipolli en agosto de 1915, narrada a través de dos personajes ficticios del pelotón australiano. Rodada íntegramente en dicho continente, con la excepción de algunas escenas en las que los cineastas se trasladaron a Egipto para rodar junto a las pirámides de Giza, se trata de una película de un gran acabado y un estupendo aspecto, especialmente debido a la consciente decisión de rodar un alto porcentaje de las escenas evitando las horas centrales del día, por lo que casi todos los exteriores tienen una luz lateral de una gran calidad. Además, abundan las tomas realizadas con el sol de frente a los personajes (en lugar del contraluz), por lo que los cielos aparecen saturados y azulados casi de forma constante, aunque también hay momentos de sobreexposición para evitar el uso de luz artificial en los exteriores. En los interiores y exteriores nocturnos, Russell Boyd sufre un poco más, debido a la escasa profundidad de campo del formato panorámico anamórfico y al logrado intento de emplear fuentes integradas en los decorados para iluminar las escenas, una empresa a cuyo éxito contribuyó sin duda el revelado forzado. Se trata, por consiguiente, de un trabajo estupendo, realizado con mucho gusto y talento, como lo demuestra -además del trabajo lumínico- la gran frecuencia con la que aparecen composiciones de imagen muy logradas o incluso ingeniosas (ver al respecto la escena en que los protagonistas se pierden en el desierto). El operador de cámara fue el posteriormente célebre John Seale [ASC, ACS]. Panavision.

 

[Harmonica]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

Recupero la reseña de "Diamante de Sangre", que volví a ver ayer. Lo cierto es que en HD la cosa mejora un poco lo que ví en el cine, puesto que las inconsistencias entre las ópticas fijas y el zoom se minoran un poco (aunque sigue habiéndolas) y otros defectos como la falta de exposición del negativo en las escenas nocturnas o el tremendo grano de alguna de ellas tampoco son tan aparentes. Eduardo Serra se luce en algunos momentos con el uso de la luz natrual y toda la película tiene un acabado que ya quisiera ver yo todos los días, aunque no le perdono que en la escena más íntima entre los protagonistas -la del porche por la noche- Connelly esté tan mal iluminada que parezca la madre de Di Caprio. Bueno, pongo la reseña tal cual la escribí tras salir del cine de ver el film hace unos años:


DIAMANTE DE SANGRE (BLOOD DIAMOND, EDWARD ZWICK, 2006): Primer trabajo del director de fotografía Eduardo Serra [AFC, ASC] para Edward Zwick, un director de segunda fila que sin embargo tiene el buen gusto de rodearse de algunos de los mejores profesionales detrás de las cámaras, como Freddie Francis [BSC] (Oscar por “Tiempos de Gloria”), John Toll (Oscar por “Leyendas de Pasión”) o Roger Deakins. Por otro lado, el argumento de “Blood Diamond” (la desesperada búsqueda de un diamante durante la guerra civil de Sierra Leona) así como sus localizaciones en Mozambique y Sudáfrica proporcionan a los cineastas la excusa perfecta para proporcionar imágenes de primer nivel en cuanto a atractivo y vistosidad. Sin embargo, a pesar de un buen número de planos que muestran espectaculares puestas de sol, atardeceres o la grandeza de los paisajes, la fotografía de la película resulta un poco decepcionante dadas las expectativas creadas por el operador de “La Joven de la Perla” y un director cuyo último film fue “El Último Samurái”.

Parte de los problemas son consecuencia de la cuestionable elección de las ópticas. Aunque los objetivos anamórficos Hawk V-Series son de última generación y proporcionan imágenes perfectamente comparables a las de los objetivos Panavision, prácticamente toda la película está rodada en el zoom 46-230mm T/4, lo cual resta nitidez y sobre todo contraste. Y cuando Serra prescinde del zoom y lo sustituye por ópticas fijas es en las escenas en las que cuenta con bajísimos niveles de iluminación, utilizando éstas a máxima abertura en combinación con un negativo que es forzado en el revelado uno y hasta dos pasos de diafragma (1000-2000 ASA): sirva como ejemplo el aparente grano, el mayor contraste y la pérdida de densidad de negros de la escena nocturna en el porche entre Jennifer Connelly y Leonardo Di Caprio, o cuando éste presencia los disturbios nocturnos de la ciudad. Y todo ello, unido a al Digital Intermediate (2K) de Efilm, provoca que la película tenga una apariencia más nítida que el habitual Super 35 muy esporádicamente.

Dejando de lado las cuestionables elecciones técnicas, el trabajo de Serra destaca más por el oficio del operador portugués que por la inspiración con la que lo acomete. Aunque en “Blood Diamond” muestra los medios a su disposición y en todo momento tiene la apariencia natural que caracteriza a todas sus películas, en ningún momento se aprecia el menor interés por buscar imágenes de una mayor fuerza o riesgo, por lo que los instantes en los que aparece alguna chispa de talento (para el encuadre o captar la luz natural en los exteriores) son más bien escasos en un conjunto que parece rodado con el piloto automático. Buena muestra de ello resultan las secuencias de acción, resueltas de forma muy rutinaria recurriendo en todas ellas a la alteración del ángulo de obturación (45 y/o 90º) que pusiera de moda Janusz Kaminski [ASC] en “Salvar al Soldado Ryan”.

Por todo ello, la fotografía de “Blood Diamond” resulta decepcionante, ya que más allá de su oficio, a un operador como Serra cabía exigirle mucho más con estos medios y localizaciones a su disposición. Kodak 5218 (500T) y 5279 (500T). Hawk Scope.

 

[Lovekraft]

Respuesta: Fotografía Cinematográfica

¿Y qué tal la calidad del Blu-ray?

Yo intuyo que de quien más aprendió Hyams fue de Watkin, porque el propio Goldblatt reconoce que le contrataron para hacer "Outland" únicamente por cuestiones sindicales, y que el grueso del trabajo lo hizo el director. Sea como fuere, la fotografía de esa película es notabilísima.

¿Habéis visto "The Star Chamber"? La firma un director de fotografía con un único crédito además de éste, por lo que es obvio que también la hizo Hyams.

http://www.dvdbeaver.com/film2/DVDReviews36/capricorn_one_blu-ray.htm

No hay rastros de DNR y la verdad es que debe ser lo más parecido a verla en una pantalla de cine... el salto de calidad respecto a verla en el viejo VHS de mi padre ha sido notable .
En cualquier caso la imagen debido a los procesos que llevo a cabo Butler (de forzado del negativo) no luce como otras pero es la mejor manera de ver éste filme... eso sí hay una escena que está enormemente deteriorada y que "salta" respecto al resto (al menos solo es una), debía estar en malas condiciones el negativo en esa secuencia en concreto.

Star Chamber es de las pocas que no he visto de este hombre (El sonido del Trueno tampoco... no tuve valor y mira que me gusta la sci-fi)