Películas que vais viendo en casita

SEGUNDO LÓPEZ AVENTURERO URBANO (1952, -Ana Mariscal)


Notabilisimo film de Ana Mariscal que narra en todo de comedia ligera las aventuras de un hombre de campo que decide ir a la ciudad y se hace amigo de un niño con el que vivirán diferentes peripecias. En el fondo una puesta al día del relato picaresco en una sencilla, bien rodada y bastante entrañable película. Además tiene la virtud de bajo su apariencia ligera dar una visión nada limpia, bastante perturbadora y muy neorealista del Madrid y la España general de principios de los cincuenta.
 
Dave Mustaine dijo:
Hablando de Narciso Ibañez Menta, ¿sabeis si está disponible la mini-serie el pulpo negro?, me han hablado muy bien de ella.
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- Hola. Me tocas ¡Y cómo! no lo sabes tú bien... un punto débil... lo está. Vía mulita me hice con ella hace años (calidad TV regularcilla pero es que no hay nada mejor) y también la tienes completa en varias fuentes en Youtube.

La que no existe porque se borró completamente :doh (aquella práctica de reciclar cintas que destruyó parte de las primeras temporadas de "Doctor Who" e "Historias para no dormir") es la mítica serie "El Hombre que volvió de la muerte" de 1969 considerada la obra maestra de Ibáñez Menta en su etapa argentina :llantopero sí aprovecho para decirte que tienes disponible también en la mulita y Youtube (y te la recomiendo a ojos cerrados) el EXCELENTE remake de 2007 de la serie protagonizado por un enorme Diego Peretti, que se sale en un papel muy similar al de Darkman: un hombre terriblemente desfigurado, tras ser sometido a experimentos médicos que le otorgan fuerza sobrehumana e inmunidad al dolor que clama venganza a lo Conde de Montecristo (trama similar a la de "El Pulpo Negro" en su origen: Elmer Van Hess un hombre inocente encarcelado justo el día de su boda y de por vida por descubrir lo que no debía...) y donde nos regala un festival de disfraces, voces (Peretti es un maestro de cambiar las voces... su vozarrón cuando se pone en plan villano acojona lo suyo) y castigos ¡y qué castigos de aquellos que rozan el gore! a los poderosos y corruptos que causaron su perdición que es una gozada. No te la pierdas, de verdad. Peretti no es Ibáñez Menta pero creo que éste habría bendecido el trabajo de su "discípulo" escénico. ;)

Con diferencias notables en el guion respecto a la versión de 1969, el remake de "El Hombre que volvió de la muerte" de 2007 conservó el atavío de "fantasma de la ópera" que usa el protagonista para ocultarse: máscara y traje negro.

Aquí se habla de la versión original...



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Éste es el remake protagonizado por Peretti:

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Elmer Van Hess probándose uno de sus múltiples disfraces...

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El "Pulpo Negro" es flojilla. Te lo dice un admirador de Ibáñez Menta. Lo decía él, lo dijeron los implicados en el proyecto pero ¡Ay! es un Ibáñez Menta (ese porte, esa voz aristocrática y zalamera...) y hay que verla sí o sí. La disfrutarás mucho porque fue un intento de actualizar (pero con peores resultados de guion y medios. TV Argentina, 1985 y presupuesto menos cero) una historia parecida a la de "El Hombre que volvió de la muerte": de nuevo venganza y disfraces. Ibáñez Menta se los come a todos cada vez que aparece en escena. Sus disfraces son una joyita, pero el final es de lo más regulero y precipitado. Hay muchos, muchísimos tiempos muertos dignos del peor culebrón venezolano en plan "Los ricos también lloran". En cuanto Ibáñez Menta desaparece de escena, el resto del reparto se hunde en la miseria.

En contraposición, los actores del remake de "El Hombre que volvió de la muerte" son todos de primer nivel: como Nancy Dupláa, Gabo Correa, el "Igor" particular de Elmer Van Hess, Mario Pasik y sobre todo el "malo" excepcional Luís Machín. Un villano de los que nunca te vas a poder olvidar.

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Como curiosidad, los pulpitos negros de goma que deja como tarjeta de visita cada vez que comete una tropelía Mr Pulpo Negro, se hicieron tan populares en Argentina, que la casa juguetera que los comercializaba se hizo de oro con su venta. ;)
 
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Yo te saludo, María (Jean-Luc Godard. 1985)
a la habitual provocación formal de Godard, transgresión artística aunque aquí bastante mas soportable e inspirado que en muchos otros de sus ejercicios posteriores a los 60, se une la provocación argumental en su idea base, pero aquí la "provocación" es culpa ajena, trasladando relativamente la historia de Jesús, más bien de su concepción por María a tiempos modernos, con alguna reflexiones de altura, los habituales juegos narrativos del francés, y poesía y belleza intermitente, incluso momentos naturalistas para lo que es el cine de JLG, todo rodeado de las brusquedades visuales y textuales suyas; lo peor del Godard más plasta siempre está al acecho pero nunca se apodera del discurso, quedando una cosa discursiva pero qué deja respirar mucho al metraje ,aunque suele pecar de críptica y la fabulación y lo alegórico a veces se te escapan de las manos, poco importa cuando al final la balanza es muy positiva, pensando en cómo se tomaría hoy una pareja, en lo más íntimo, una de las historias básicas del cristianismo.

y como siempre, uno no entiende muy bien el escandalazo que supuso esta película a mitad de los 80, más allá de varios desnudos tan evidentes como delicados, asociados a esta historia ¿sagrada? ; a destacar, en un papel secundario, a una jovencísima y preciosa Juliette Binoche.

 
EL CAMPO DE CEBOLLAS (The Onion Field, 1979 -Harlod Becker)


Extraño cocktail de drama y thrilller -basado en un hecho real en el que dos policías fueron asaltados por un par de delincuentes y uno de ellos asesinados en un campo de cebollas- que tiene en su atmósfera apagada y triste uno de sus mayores logros, obra de un autor como Harold Becker, casi especialista en dotar de un tono apagado y melancólico a los film que de él conozco. La película a ratos interesante (muy lograda en el bloque que narra el asesinato de los policías) es algo lenta en desarrollo, pero destaca especialmente por presentar a un James Woods en uno de sus primeros papeles protagonistas donde ya demuestra su carisma y su capacidad para robar escenas sin apenas pestañear
 
Pays de cocagne (Pierre Etaix. 1971)
última peli del "maldito" cómico Etaix, rara ávis del cine francés, fracaso crítico y comercial, tras una pequeña carrera muy especial; aquí tenemos dos cosas, una pura comedia etaixiana con sus elementos habituales cruzada a lo largo del metraje, y la parte mayor, un documental con poco artificio, en vivo, de un verano cualquiera tras el 68; ese pays de cocagne del título se refiere a un país imaginario y paradisiaco, por un lado en tono claramente irónico, aunque Etaix no puede ocultar el cariño hacia su país y su gente, en este caso parece una radiografía del "gaullismo" popular en pleno;

acaba teniendo un tono algo cercano a los ensayos cómicos de nuestro Manuel Summers, que sin parecerlo eran tratados sociológicos de primer orden, aunque Etaix se dispersa un poco, con alguna pregunta bastante estúpida y arbitraria, lo mejor es cuando está callado y deja hablar a la calle, eso sí, ésto no tiene la afección e importancia de cosas como Crónica de un verano, de Rouch, sino que es algo mucho más ligero y menos pensado; acaba en algo fallido desde su gestación pero conserva el gran valor de capturar el momento del país y por extensión de Europa.

 
MUÑECOS INFERNALES (The Devil Doll, 1936 -Tod Browning)


Clásico del cine fantástico que supuso el último film importante de Tod Browning...Jugando con un argumento que relata la venganza de un delicuente (Lionel Barrymore) que decide utilizar nada menos que una serie de mini humanos reducidos ara acabar con todos aquello que le llevaron a la cárcel. Siempre entrañable, muy corto de duración y con detalles de gran imaginación visual y excelentes F/X aunque tal vez rematado con un final algo azucarado, el film supone una referencia clara en títulos posteriores como "Dr Cyclops" o "El Increíble Hombre Menguante".

ULTIMATUM A LA TIERRA (The Day The Earth Stood Still, 1951 -Robert Wise)


Clásico total de la ciencia ficción rodado con especial solvencia por el todoterreno Robert Wise -un director capaz de abordar todos los géneros con lasolidez suficiente y la habilidad nacida en sus años de montador- Siendo probablemente uno de los primeros films S/F sobre invasiones extraterrestres narrado desde una perspectiva adulta, sería e incluso científica. Eso hace que la película, con un guión que funciona a la perfección, sigue siendo un clásico a todos los niveles: Desde sus excelentes efectos especiales, una foto en blanco y negro que remite al Noir de aquellos años, el reparto de buenos actores o la excepcional y adelantada partitura de Bernard Herrmann
 
Lo último que vi, además me encantó "Somos lo que somos". Se puede definir como la matanza de Texas pero con gente guapa. Muy tranquilita con ínfulas de autor pero cuando hay que sacar el mono de carnicero se saca.
 
BLACK MAMA, WHITE MAMA (1973 -Eddie Romero)


Una de las famosas exploitations Americanas que se rodaron en Filipinas aprovechando las facilidades productivas y el entorno paisajista del lugar. Dirigida por Eddie Romero -uno de los clásicos del cine de género en aquel país-, la película es una variante de "Fugitivos" (Stanley Kramer) pero aquí mezclándolo con algo de película de cárcel de mujeres, buenas dosis de violencia , sexo e incluso un poco de reivindicación política....Los resultados, intrascendentes pero divertidos, mejoran gracias a la química entre Pam Grier (la negra) y Margaret Malkow (la blanca) y la aparición de secundarios divertidos como Sid Haig
 
Il cammino della speranza (Pietro Germi. 1950)
una de segunda fila del neorrealismo pero muy rescatable y con mucha fuerza, en buena parte gracias a la labor de un enorme Raf Vallone, actor de tanta presencia como calidad; es una mezcla algo extraña de denuncia y cine de aventuras, con un grupo de vecinos escapando de la pobreza de su pueblo siciliano hasta Francia y viviendo una road-movie algo parecida a las uvas de la ira fordiana, frente a todo tipo de adversidades, por un lado tenemos a Fellini participando en el guión y se agradece el sentido visual de Germi, con unas composiciones bellísimas en entornos rurales, alejados de los suburbios neorrealistas al uso, aunque irregular en su metraje, es estremecedora especialmente en su parte final, puro humanismo, con un ¿guiño? al final de La gran ilusión,
un momento histórico extraño, de cuando la Unión europea era sólo un proyecto idealista, Europa estaba en ruinas todavía y la emigración interior era toda una aventura, es una peli que te revuelve por dentro.

 
por cierto, tras leer Herbert West, anoche recuperé Reanimator, y me sorprendió lo bien que aguanta, muy por encima de clásicos de videoclub de su época, es de esas cintas en las que parece que casi todo funciona muy bien, y eso que Stuart Gordon no es un tipo especialmente dotado, supongo que es más una labor de conjunto; aunque la locura final del relato de Lovecraft no esté aquí tan marcada, mas que nada por las derivas argumentales; no recuerdo muy bien Bride ni Beyond, ¿de qué iban? y bueno, más que las tetazas de la Crampton me quedo con sus ojazos.

el rey de la función desde luego es el loco de David Gale, qué maravilla, una de esas pelis que uno ve cada 10 años temiéndose lo peor y cada vez disfruta más.

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Última edición:
Es una astracanada la mar de disfrutable. En los primeros cinco minutos sale un exterior en foto fija, globos oculares explorando en primer plano y el mayor plagio musical de la década; desde entonces sabes que les importaba tres cojones hacer algo medio serio tanto como a ti mismo verlo.
 
Re-Animator aguanta lo que le eches... es una de esas películas que "funcionan" independientemente de sus medios (pocos). De hecho, si te fijas en la película no hay ni una p*ta escena rodada en exterior, solo una o dos fotos fijas. En nuestro país ha tenido bastante suerte y hubo una edición en DVD y otra en Blu Ray que son esenciales para cualquiera a quien le guste.

Y si, películas de ese pelaje aguantan pocas. ¿Has visto Re-Sonator, sikander? Continuación directa de esta en la carrera de Gordon, con Combs y la Crampton, además Ken Foree, y una historia alucinante con unos FX que ya quisiera el CGI...
 
En RESONATOR sale un villano deforme y violador llamado Sorel, a partir de ahí obviamente todo es cuesta arriba.

Y Barbara Crampton con bata de laboratorio es jugar sucio.
 
Maravillosas "Reanimator" y Resonator" puro festival Empire Pictures

LA INDIA EN LLAMAS (Flame Over India/North West Frontier, 1959 -J.Lee Thompson)


Entretenida muestra de cine de aventuras para todos los públicos rodada por un director tan irregular en ocasiones como bien dotado para las escenas de acción. El film aquí se conforma casi en una trip movie (esta vez un recorrido en tren) en un territorio Indio conflictivo. Rodada con sentido del espectáculo y ritmo constante, eficaz y con el aroma añejo de un tipo de cine popular que ya no se estila
 
LA DIOSA DEL FUEGO (She, 1965 -Robert Day)


Entrañable cruce de Peplum, film fantástico y adaptación de la célebre novela de H Rider Haggard pasada por el filtro de las producciones Hammer. Los resultados son un entretenimiento muy básico pero que funciona de modo notable, especialmente gracias a la correcta dirección de Robert Day (se nota que sabía bregar con films de corte aventuresco y aquí además hay algunos exteriores muy bien localizados). Beneficiado todo por una maravillosa banda sonora de James Bernard y un plantel de secundarios magníficos (Peter Cushing, Christoppher Lee y André Morell) aunque hay una pega: Dos protagonistas principales tan bellos como sosos
 
EL HOMBRE LOBO (The Wolfman, 1941 -George Waggner)


Algo así como un reboot en toda regla del mito del hombre Lobo por parte de Universal (ya lo habían presentado en "The Werewolf Of London" (1935), pero aquella no les funcionó) esta vez utilizando a un actor que vivió siempre algo de rentas de su apellido (Lon Chaney Jr, infinitamente pero actor que su padre) y la colaboración de un Bela Lugosi en pleno declive. Dirigido por un artesano no especialmnete notable, el film deviene muy esquemático y de corta duración, Aunque tiene una atmósfera intermitentemente lograda (ayuda mucho los decoradillos de estudio, con su niebla y la música de Hans J. Salter)...Y es especialmente memorable por la caracterización del maquillador Jack Pierce, ya de pura antología.
 
Recuerdos del ayer / Omohide poro poro (Isao Takahata, 1991)


Taeko Okajima es una mujer que ha vivido toda su vida en Tokyo, y recuerda su vida mientras hace un viaje a una casa del campo en Yamagata.

Es la historia de un personaje que a sus 27 no se siente a gusto con su estilo de vida, escondiéndose bajo una mascara para adaptarse a la sociedad. Cuando empieza la película ya ha tomado la decisión de ir a pasar una semana en el campo. En sus flashbacks de pequeña nos muestra que ella no era ningún ejemplo a seguir y tenia más defectos que virtudes. Nos muestra también sus relaciones con su familia, especial mención la del padre quien denota un cariño especial hacia ella, con sus amigos y los errores que comete durante su vida que forjan su personalidad. De vuelta al presente, Taeko se enfrenta a una vida que no va con ella y en el que no se siente a gusto, y por ello decide viajar a la casa de campo de un familiar con la esperanza de encontrar en ese sub mundo tan diferente al de la urbe un sitio para ella. Ahí además se reencuentra con Toshio, un joven sincero pero torpe y socialmente inepto, dando lugar a un romance poco convencional.

La historia esta llena de situaciones mundanas sin nada espectacular que la haga destacar. Pero es este aspecto el que hace que te acuerdes tanto de la historia: la vida de Taeko resulta interesante por lo fácil que es conectar con ella, y eso hará que veamos cosas que probablemente hayamos vivido de pequeños, a pesar de las diferencia culturales. Al final de la película se desvela el gran conflicto del personaje: como es posible que esa niñita precoz y curiosa se haya convertido en un rostro más perdido en una gran ciudad?

A nivel visual, es otra muestra del estudio Ghibli de una gran animación tradicional, utilizando diferentes estilos visuales: a modo de acuarelas poco definidas y un ligero viñeteado para las escenas del pasado, y otro más convencional para el presente, con contornos bien definidos y unos colores más vibrantes. En ambos casos hay gusto para el encuadre y el detalle. Especial mención a los detalles de los rostros, contorneando músculos y arrugas de los rostros dándole así más entidad a los personajes. A medida que Taeko va creciendo, la animación se vuelve más detallada y los colores más vivos, acercándose cada vez más al estilo usado para la narración del presente.

A destacar dos momentos: una secuencia en la que nos enseñan todo el proceso para teñir las piezas de ropa, seguido por la recogida de las flores en el campo durante el amanecer. En las escenas en el campo la animación adquiere un realismo casi fotográfico, pero en este momento concreto las imágenes son especialmente impactantes. En segundo lugar, el final, cuando Taeko ha decidido volver a la ciudad, en el que ve a sus compañeros de clase guiándola hacia el lugar al que pertenece de verdad.

Si a caso le reprocho algún exceso de exposición en algunos momentos de la película, sobretodo hacia al final, que no hacen más que redundar ideas mostradas durante el resto de la película.

Es una historia personal y reflexiva llena de nostalgia que no gustará a todo el mundo, pero eso no quita que sea otra muestra del gran talento y artesanía de ese otro genio -no tan reconocido como Hayao Miyazaki- del estudio Ghibli.

9/10
 
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Eye of the Devil (1967, J.Lee Thompson). Una de las extrañas realizaciones ("El oro de MacKenna", "La reencarnación de Peter Proud", "El desafío del búfalo blanco") de Lee Thompson, al que la mayoría asocia exclusivamente con films de pura acción y venganza, y, para mi gusto, la mejor de ellas. Como en un antecedente de "The WickerMan", con culto exigiendo un sacrificio para salvar las cosechas de la región, pero aquí sin bailes, canciones ni demás stuff hippioso, en blanco y negro y con sacrificio a base de flechazos.
Pese a sus problemas de producción, algunos tics de realización típicos de la época y un estilo frío y distante típicamente inglés, con casi ausencia de escenas de terror (y nocturnas) propiamente dichas -cosas que no gustarán a muchos-, me encantan la historia, el tono weird general y unos fascinantemente hieráticos David Hemmings y Sharon Tate, aún más fascinantes gracias a ese b&n (la peli, en color, seguro sería mucho más ramplona). Y acaba como uno imagina, pero como debe acabar. Por lo demás, tenemos a David Niven como el marqués-sacrificio elegido, Deborah Kerr como su esposa que no sabe lo que está pasando y Donald Pleasance.
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Ni el mar ni la arena (1972, Fred Burnley). Lo que empieza con media hora de film romántico convencional (un poco drama, un poco hasta ligero y divertido) da un giro cuando el chico muere. Ella, desesperada, y en plan "La pata de mono" de W.W.Jacobs (curiosamente en el mismo año, si no me equivoco, que la magistral "Deathdream" de Bob Clark aludió al mismo clásico relato) ruega y pide por el regreso de la tumba de su amado. A partir de ahí, se puede imaginar. Sigue el romance, pero cada vez de contornos más tortuosos y que acaban hasta en asesinato. Película curiosa pero quizá falta de una real y densa atmósfera fantastique que la eleve a algo de verdadera gran categoría. Susan Hampshire lo da todo y la peli siempre es interesante y con algunas muy buenas escenas (notablemente, el reencuentro y algunas hacia el final) pero como digo, no le hubiera venido mal un estilo más intenso, atmosférico y mortuorio al conjunto. Pero siempre es bueno descubrir estas rarezas y da pena que aún no siendo lo que podrían se igualan o hasta superan a las "buenas" actuales (pena aquí por las de ahora, claro).
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CRIMEN EN LA NOCHE (Dead Of Night-Deathdream 1972 -Bob Clark)


Extraño y muy reivindicable film de terror setentero dirigido por el notable Bob Clark (si no me falla la memoria este film ganó un premio en el festival de Sitges de 1974) que narra el retorno de un soldado muerto en la Guerra de Vietnam convertido en un inquietante vampiro que se encargará de desitengrar la estructura familiar de su entorno. La película, que siempre que vuelvo a ver tiene un toque de mal rollo logradisiimo juega con unas efectivas bazas de puesta en escena, tan simple y seca como efectiva, un conjunto de buenos actores (John Marley como el padre de familia hace una interpretación muy potente) , fotografía bastante feísta que por una vez acentúa la atmósfera extrañante del film y muy buenos F/X de Tom Savini, conformando un clásico del género -su secuecnia final, que incluye un entierro es inolvidable- que por alguna extraña razón aun no está del todo valorado
 
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