tonirocker
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A mi en lineas generales me gusto, y mas estando Sagan por enmedio pero en fin, tendria que revisionarla, hace eones que no la he visto.
Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
- Fecha de inicio
Upperseven
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A mi Contact me parece magistral
Vuelvo por aquí que he estado vacacionando y con poco o escaso internet
PERMISO PARA AMAR HASTA MEDIANOCHE (Cinderella Liberty, 1973 -Mark Rydell)
Agridulce combinación de drama y romance que plantea a priori una historia muy atractiva: La relación que se establece entre un marinero con permiso de cenicienta (hasta las 12 cada día) y una prostituta que vive con su hijo, pero que el guión no acaba de rematar del todo en posibilidades, así el film muy bien rodado (soberbias fotografái de Vilmos Zsigmond y músicas de John Williams) acaba siendo unquiero y no puedo, algo impostado y más frio de lo necesario, que cuando funciona es gracias a la esforzada composición de James Caan y Marsha Mason
ESTRELLA DE CRISTAL (Crystal Star, 1986 -Lance Lindsay)
A pesar de parecer un film americano estamos ante una curiosona serie B de ciencia ficción de producción Francesa, no del todos mal rodada, que en sus dos primeros tercios plagia/copia/homenajea la estructura de Alien -aquí tenemos también una presencia extraterrestre contenida en una misteriosa roca de Cristal...Para en su tercio final hacer un cambio radical (que ahora no desvelaré) y que cuanto menos llama la atención. Visible
DRACULA Y LAS MELLIZAS (Twins Of Evil, 1971 -John Hough)
Maravilloso film del siempre interesante John Hough, que aquí hace una particular película que junta vampirismo, erotismo y fanatismo (el guión de Tudor Gates es tan efectivo como sencillo) a la vez que brinda al gran Peter Cushing la oportunidad de hacer un brillante papel de villano enloquecido -en una inesperada y gran interpretación histérica-. Muy bien rodado, con un ritmo de montaje que no cesa y una gran partitura musical de Harry Robinson...Estamos probablemente ante uno de los últimos buenos film rodados por la productora Hammer en su etapa de declive
SALTA, POLOLO! (2002, - Raquel Sáenz de Buruaga.)
Interesante y entrañable documental que se centra en la impagable figura de Ray Pololo (1933-2004) ex boxeador, torero, vividor y especialista cinematográfico que se atrevía con todas las locuras que se le ponían por delante en la década del los 60-70 y 80...Sin miedo a partirse la columna o perder la vida. En un repaso biográfico funcional que mezcla declaraciones del propio Pololo y un resto de compinches, amigos, directores y compañeros
NACIDO PARA GANAR (Born To Win, 1971 -Ivan Passer)
Toda una rareza del extraño director Ivan Passer, que trata de hacer una mezcla de comedia, drama urbano y thriller con la historia de un heroinómano (buena composición de George Segal) que trata por todos los lados de mejorar su situación
ADIOS A LAS ARMAS (Farewell To The Arms, 1957 -Charles Vidor)
Segunda adaptación cinematográfica de la célebre novela de Ernest Heminghway situada en la Italia de la Primera Guerra Mundial. El film, muy espectacular y rodado con corrección por el artesano Charles Vidor tal vez adolece de un exceso de metraje, pero acaba siendo un ejemplo de muy buen cine, con gran interpretación de su terceto protagonista y una majestuosa banda sonora de Mario Nascimbene
MIEDO A LA MUERTE (Scared To Death, 1947 -Christy Cabanne)
Mediocrísimo film de intriga , cuyo único aliciente tal vez sea el tener a Bela Lugosi en su única actuación en color- que parte de una idea muy buena: La víctima de un asesinato explica sus últimas horas de vida desde la Morgue donde se encuentra...La pena es que el film, muy torpón y teatral a todas luces, no sabe conjugar escenas de tensión y adolece de personajes pretendidamente simpáticos que restan más que suman a todo el entramado
GOODBYE AMERICA (2007, -Sergio Oksman)
Brutal repaso a las miserias de la política americana a través de la lúcida mirada del genial cómico Al Lewis (el eterno abuelo de la Familia Munster) en un curioso ejercicio que nos muestra el proceso de maquillaje del actor convirtiéndose en ese popular personaje y como nos va explicando anécdotas y personajes que ocurrieron durante su vida. Documental tan sencillo, honesto y efectivo, que se me antoja uno de los mejores ejemplares del género en los últimos años
Vuelvo por aquí que he estado vacacionando y con poco o escaso internet
PERMISO PARA AMAR HASTA MEDIANOCHE (Cinderella Liberty, 1973 -Mark Rydell)
Agridulce combinación de drama y romance que plantea a priori una historia muy atractiva: La relación que se establece entre un marinero con permiso de cenicienta (hasta las 12 cada día) y una prostituta que vive con su hijo, pero que el guión no acaba de rematar del todo en posibilidades, así el film muy bien rodado (soberbias fotografái de Vilmos Zsigmond y músicas de John Williams) acaba siendo unquiero y no puedo, algo impostado y más frio de lo necesario, que cuando funciona es gracias a la esforzada composición de James Caan y Marsha Mason
ESTRELLA DE CRISTAL (Crystal Star, 1986 -Lance Lindsay)
A pesar de parecer un film americano estamos ante una curiosona serie B de ciencia ficción de producción Francesa, no del todos mal rodada, que en sus dos primeros tercios plagia/copia/homenajea la estructura de Alien -aquí tenemos también una presencia extraterrestre contenida en una misteriosa roca de Cristal...Para en su tercio final hacer un cambio radical (que ahora no desvelaré) y que cuanto menos llama la atención. Visible
DRACULA Y LAS MELLIZAS (Twins Of Evil, 1971 -John Hough)
Maravilloso film del siempre interesante John Hough, que aquí hace una particular película que junta vampirismo, erotismo y fanatismo (el guión de Tudor Gates es tan efectivo como sencillo) a la vez que brinda al gran Peter Cushing la oportunidad de hacer un brillante papel de villano enloquecido -en una inesperada y gran interpretación histérica-. Muy bien rodado, con un ritmo de montaje que no cesa y una gran partitura musical de Harry Robinson...Estamos probablemente ante uno de los últimos buenos film rodados por la productora Hammer en su etapa de declive
SALTA, POLOLO! (2002, - Raquel Sáenz de Buruaga.)
Interesante y entrañable documental que se centra en la impagable figura de Ray Pololo (1933-2004) ex boxeador, torero, vividor y especialista cinematográfico que se atrevía con todas las locuras que se le ponían por delante en la década del los 60-70 y 80...Sin miedo a partirse la columna o perder la vida. En un repaso biográfico funcional que mezcla declaraciones del propio Pololo y un resto de compinches, amigos, directores y compañeros
NACIDO PARA GANAR (Born To Win, 1971 -Ivan Passer)
Toda una rareza del extraño director Ivan Passer, que trata de hacer una mezcla de comedia, drama urbano y thriller con la historia de un heroinómano (buena composición de George Segal) que trata por todos los lados de mejorar su situación
ADIOS A LAS ARMAS (Farewell To The Arms, 1957 -Charles Vidor)
Segunda adaptación cinematográfica de la célebre novela de Ernest Heminghway situada en la Italia de la Primera Guerra Mundial. El film, muy espectacular y rodado con corrección por el artesano Charles Vidor tal vez adolece de un exceso de metraje, pero acaba siendo un ejemplo de muy buen cine, con gran interpretación de su terceto protagonista y una majestuosa banda sonora de Mario Nascimbene
MIEDO A LA MUERTE (Scared To Death, 1947 -Christy Cabanne)
Mediocrísimo film de intriga , cuyo único aliciente tal vez sea el tener a Bela Lugosi en su única actuación en color- que parte de una idea muy buena: La víctima de un asesinato explica sus últimas horas de vida desde la Morgue donde se encuentra...La pena es que el film, muy torpón y teatral a todas luces, no sabe conjugar escenas de tensión y adolece de personajes pretendidamente simpáticos que restan más que suman a todo el entramado
GOODBYE AMERICA (2007, -Sergio Oksman)
Brutal repaso a las miserias de la política americana a través de la lúcida mirada del genial cómico Al Lewis (el eterno abuelo de la Familia Munster) en un curioso ejercicio que nos muestra el proceso de maquillaje del actor convirtiéndose en ese popular personaje y como nos va explicando anécdotas y personajes que ocurrieron durante su vida. Documental tan sencillo, honesto y efectivo, que se me antoja uno de los mejores ejemplares del género en los últimos años
GROUCHO
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Se te echaba de menos, este hilo no es lo mismo....Le tengo muchas ganas a esta de "Goodbye America", tengo a Oksman por un tipo talentosísimo, y una de las futuras joyas del panorama cinematográfico nacional. Has visto su corto "Una historia para los Modlin"? Me parece el mejor cortometraje que he visto en años, una absoluta obra maestra... Por eso quiero ver algo un poco de mayor duración, en espera a que estrene "O futebol".
Mensch Maschine
Santur
Desaparecido (Constantin Costa-Gavras, 1982)
Impresionante film, junto a 'J.F.K.' quizá el mejor de denuncia política que haya dado Hollywood. En esta ocasión, Costa-Gavras logró una sabia combinación entre drama íntimo intergeneracional y rabiosa (en el mejor sentido) denuncia política, gracias a la cual la cinta pudo alcanzar un carácter universal que la aleja casi completamente de toda tendencia al panfleto. Con la colaboración de un reparto en estado de gracia, una excelente dirección artística, y la inolvidable música de un Vangelis en su mejor momento, el director griego traza una puesta en escena colosal, que sumerge de lleno al espectador en la angustia de la represión militar chilena tras el golpe de Pinochet. Pocas películas han sabido retratar como la que nos ocupa la tragedia de una sociedad presuntamente moderna y democrática, sumida repentinamente en el terror del totalitarismo más brutal, cruel y despiadado. Y lo hace contraponiendo la barbarie a la genuina ternura del amor incondicional de un padre hacia su hijo, a pesar de las diferencias entre ambos, sin que en ningún momento domine sentimentalismo gratuito alguno.
En definitiva, estamos ante un hito cinematográfico al que el paso de los años no afecta ni afectará en absoluto.
Un saludete.
Impresionante film, junto a 'J.F.K.' quizá el mejor de denuncia política que haya dado Hollywood. En esta ocasión, Costa-Gavras logró una sabia combinación entre drama íntimo intergeneracional y rabiosa (en el mejor sentido) denuncia política, gracias a la cual la cinta pudo alcanzar un carácter universal que la aleja casi completamente de toda tendencia al panfleto. Con la colaboración de un reparto en estado de gracia, una excelente dirección artística, y la inolvidable música de un Vangelis en su mejor momento, el director griego traza una puesta en escena colosal, que sumerge de lleno al espectador en la angustia de la represión militar chilena tras el golpe de Pinochet. Pocas películas han sabido retratar como la que nos ocupa la tragedia de una sociedad presuntamente moderna y democrática, sumida repentinamente en el terror del totalitarismo más brutal, cruel y despiadado. Y lo hace contraponiendo la barbarie a la genuina ternura del amor incondicional de un padre hacia su hijo, a pesar de las diferencias entre ambos, sin que en ningún momento domine sentimentalismo gratuito alguno.
En definitiva, estamos ante un hito cinematográfico al que el paso de los años no afecta ni afectará en absoluto.
Un saludete.
Upperseven
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COCODRILO (Chorake/Cocrodile, 1980 -Sompote Sands)
Lamentable exploitation del fenómeno "Tiburón"(el final es prácticamente un calco), sustituyendo aquí al escualo por un enrome cocodrilo -fruto de la radiación- que hace estragos en Tailandia...Amén de pasarse por el forro toda lógica (el bicho navega por ríos y por mares con soltura) el film , rodado en coprodución Corea-Tailandia, está rodado de forma bastante pedestre, con F/X muy rudimentarios, maquetones e imágenes de stock de cocodrilos reales...En un poti poti que nunca acaba de funcionar y más bien aburre soberanamente
EL HOTEL ELÉCTRICO (1908, -Segundo de Chomón)
Joyita del cine fantástico y una de las obras más populares de Segundo De Chomón, que aquí rodó este cortometraje sobre una pareja que se aloja en un hotel moderno llamado "Eléctrico". El argumento es la excusa para un gran despliege de efectos de stop motion, muy elaborados y trabajadisimos para la época en que se rodó. Una pieza histórica de vsionado indsipensable
Lamentable exploitation del fenómeno "Tiburón"(el final es prácticamente un calco), sustituyendo aquí al escualo por un enrome cocodrilo -fruto de la radiación- que hace estragos en Tailandia...Amén de pasarse por el forro toda lógica (el bicho navega por ríos y por mares con soltura) el film , rodado en coprodución Corea-Tailandia, está rodado de forma bastante pedestre, con F/X muy rudimentarios, maquetones e imágenes de stock de cocodrilos reales...En un poti poti que nunca acaba de funcionar y más bien aburre soberanamente
EL HOTEL ELÉCTRICO (1908, -Segundo de Chomón)
Joyita del cine fantástico y una de las obras más populares de Segundo De Chomón, que aquí rodó este cortometraje sobre una pareja que se aloja en un hotel moderno llamado "Eléctrico". El argumento es la excusa para un gran despliege de efectos de stop motion, muy elaborados y trabajadisimos para la época en que se rodó. Una pieza histórica de vsionado indsipensable
Upperseven
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EN BUSCA DE LA FELICIDAD (In Pursuit Of Happiness, 2006 -Gabrilele Muccino)
Drama curioso, menos duro de lo que aparenta y más blando de lo necesario, acerca de un padre y un hijo que tras ser abandonados por la esposa caen en un pozo de desgracias que les llevaran a casi la indigencia absoluta. Como una reversión de "Kramer Contra Kramer" pero claramente maniquea (los ricos son buenos, los pobres una lacra social), nunca desgradable gracias a una aséptica puesta en escena. Su título ya marca su intención final, está bien rodado y cuenta con una más que solvente interpretación de Will Smith (y su hijo), aunque no nos engañemos: Estamos en el fondo frente a la típica historia de todo es posible en América y de que en el dinero está la esencia de la felicidad
Drama curioso, menos duro de lo que aparenta y más blando de lo necesario, acerca de un padre y un hijo que tras ser abandonados por la esposa caen en un pozo de desgracias que les llevaran a casi la indigencia absoluta. Como una reversión de "Kramer Contra Kramer" pero claramente maniquea (los ricos son buenos, los pobres una lacra social), nunca desgradable gracias a una aséptica puesta en escena. Su título ya marca su intención final, está bien rodado y cuenta con una más que solvente interpretación de Will Smith (y su hijo), aunque no nos engañemos: Estamos en el fondo frente a la típica historia de todo es posible en América y de que en el dinero está la esencia de la felicidad
frank zito
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He revisionado dos de mis fantastique fetiche setenteros, con miedo a que asaltase la amarga, parcial o total, decepción sufrida con otras (Lemora, Hauting of Julia…) pero descubriendo, con alegría, que se mantienen al nivel –excelentes las dos- que les recordaba, ambas hijas de “Carnival of Souls”, George A. Romero y un punto Polanski, pero con personalidad.
MESSIAH OF EVIL a.k.a DEAD PEOPLE (1973, Williard Huyk & Gloria Katz *). Una especie de historia de vínculo Lovecraft, con elementos figurativos arty. La chica en la casa de la playa (me pirra el horror costero), en una ciudad poseída por el muy antiguo recuerdo de la visita de un sobrenatural Extraño, que hará desatar el Horror cuando la Luna se vuelva Roja de Sangre. La sinopsis sucumbe ante lo que de verdad llama la atención: haber visto una pesadilla en imágenes, con personajes bizarre deambulando por escenarios y situaciones de ensueño, más conseguida (tal es su abrumadora sugerencia atmosférica, colorista, abstracta y espectral) que el “pretendo que mis films sean como sueños” de Fulci, aunque aquí sí verdaderamente todo debido -al parecer- por la locura de post-producción (lo cual no merma, aún involuntario, haber conseguido semejante resultado). Una terrorífica y asombrosa sensación entre la vigilia y lo irreal, me queda tras verla y, sobre todo, recordarla. Para el recuerdo: el gigante albino, el peso de la maldición primitiva en el mundo moderno y dos escenas geniales: en un supermercado y un cine.
*si, son los de “Howard El Pato”, pero nada que ver.
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LA MALDICIÓN DE LOS BISHOP (Let’s Scare Jessica to Death, 1971 – John Hancock). Con un esquema similar a la anterior (mujer protagonista, voz en off, locura y estructura circular) este film me produce una indefinible fascinación incluso mayor: quizá su mezcla temática (fantasmas, vampiros, zombis), los escenarios, su languidez y atmósferas elusivas, sus dos hipnóticas actrices, no sé. Aparte cierto desaliño en realización y montaje, dejadme pues que la visión subjetiva (lo siento) me invada, y siga a la pobre Jessica salida de un psiquiátrico (muy creíble entre sonriente y desconcertada Zohra Lampert) que oye voces en cementerios o encuentra a vampíricas pelirrojas Carmillescas (fascinante Marie Claire Costello) en la casa junto al lago, adonde llega con su novio y su hermano: será su dispersión narrativa (que entiendo no guste) ¿reflejo de una mente perturbada?; la presencia continua, sensitiva, del viento, susurros, del agua, la niebla, de naturaleza y lugares (y fotografías) abandonados; del inusual y arriesgado –pero conseguido- uso mayoritario del ambiente diurno para el suspense o el terror; o el maravilloso final, triste sospecha de la decaída de Jessica (sola en una barca, su mente perdida, quizá para siempre) cuando quizá, esta vez, no se lo había imaginado todo.
MESSIAH OF EVIL a.k.a DEAD PEOPLE (1973, Williard Huyk & Gloria Katz *). Una especie de historia de vínculo Lovecraft, con elementos figurativos arty. La chica en la casa de la playa (me pirra el horror costero), en una ciudad poseída por el muy antiguo recuerdo de la visita de un sobrenatural Extraño, que hará desatar el Horror cuando la Luna se vuelva Roja de Sangre. La sinopsis sucumbe ante lo que de verdad llama la atención: haber visto una pesadilla en imágenes, con personajes bizarre deambulando por escenarios y situaciones de ensueño, más conseguida (tal es su abrumadora sugerencia atmosférica, colorista, abstracta y espectral) que el “pretendo que mis films sean como sueños” de Fulci, aunque aquí sí verdaderamente todo debido -al parecer- por la locura de post-producción (lo cual no merma, aún involuntario, haber conseguido semejante resultado). Una terrorífica y asombrosa sensación entre la vigilia y lo irreal, me queda tras verla y, sobre todo, recordarla. Para el recuerdo: el gigante albino, el peso de la maldición primitiva en el mundo moderno y dos escenas geniales: en un supermercado y un cine.
*si, son los de “Howard El Pato”, pero nada que ver.
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LA MALDICIÓN DE LOS BISHOP (Let’s Scare Jessica to Death, 1971 – John Hancock). Con un esquema similar a la anterior (mujer protagonista, voz en off, locura y estructura circular) este film me produce una indefinible fascinación incluso mayor: quizá su mezcla temática (fantasmas, vampiros, zombis), los escenarios, su languidez y atmósferas elusivas, sus dos hipnóticas actrices, no sé. Aparte cierto desaliño en realización y montaje, dejadme pues que la visión subjetiva (lo siento) me invada, y siga a la pobre Jessica salida de un psiquiátrico (muy creíble entre sonriente y desconcertada Zohra Lampert) que oye voces en cementerios o encuentra a vampíricas pelirrojas Carmillescas (fascinante Marie Claire Costello) en la casa junto al lago, adonde llega con su novio y su hermano: será su dispersión narrativa (que entiendo no guste) ¿reflejo de una mente perturbada?; la presencia continua, sensitiva, del viento, susurros, del agua, la niebla, de naturaleza y lugares (y fotografías) abandonados; del inusual y arriesgado –pero conseguido- uso mayoritario del ambiente diurno para el suspense o el terror; o el maravilloso final, triste sospecha de la decaída de Jessica (sola en una barca, su mente perdida, quizá para siempre) cuando quizá, esta vez, no se lo había imaginado todo.
Upperseven
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LOS ASESINATOS DE TODD (The Todd Killings, 1971 -Barry Shear)
Thriller interesante y especialmente extraño que narra los asesinatos realizados por un joven desclasado , jugando con tiempos, algún flashback y haciendo un retrato intermitentemente interesante de la juventud americana de principios de los años setenta. Muy bien rodado y fotografiado, el film se beneficia por una ajustada interpretación de sus principales protagonistas
Thriller interesante y especialmente extraño que narra los asesinatos realizados por un joven desclasado , jugando con tiempos, algún flashback y haciendo un retrato intermitentemente interesante de la juventud americana de principios de los años setenta. Muy bien rodado y fotografiado, el film se beneficia por una ajustada interpretación de sus principales protagonistas
GROUCHO
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La pequeña vendedora de cerillas, de Jean Renoir, 1928
Adaptación basada en el cuento de H.C. Andersen, que le sirve a Renoir para la experimentación visual. Lo que hace es mantener el tono trágico de la historia: una chiquilla que recorre las calles de una ciudad vendiendo sin mucho éxito cajas de cerillas, mientras cae la nieve, y que en un momento se sienta a descansar y para combatir el frío enciende una por una las cajas de cerillas que lleva, mientras sueña e imagina futuros mejores. Con este punto de partida que no se sale de la narración canónica del relato, lo extraordinario es como digo la experimentación cinematográfica en base a lo onírico y casi fantasmal. En un momento en el que las vanguardias artísticas vieron en el cine un medio afín en el que proyectar discursos, muchos directores se vieron tentados ellos mismos con la posibilidad de buscar fronteras y traspasarlas. Lo curioso es que Renoir se adelanta a gente como Vertov o Buñuel y Dalí, que desde presupuestos artísticos mucho más claros, utilizaron el cine como un medio más en el que expresar sus ideas estéticas. Me hace gracia que se hable de Speed Racer como una película vanguardista o rompedora, cuando en 1928 Renoir filma una secuencia de persecución que es basicamente el germen de lo que los Wachos hacen, no se si de forma consciente. La acumulación de texturas, superposición de planos y frenesí visual (no en montaje sino en plano, con un uso de la cámara completamente exaltado), convierten la cinta en una cima de la modernidad. Altera planos a cámara lenta con otros en los que el manejo de la cámara está anticipando cuestiones muy posteriores, lo que la convierten en un ejercicio de innovación sin precedentes, esta sí me temo... La peli dura media hora y toda su parte final, se me antoja imprescindible de verdad. Está por aquí para el que le tenga ganas.
Adaptación basada en el cuento de H.C. Andersen, que le sirve a Renoir para la experimentación visual. Lo que hace es mantener el tono trágico de la historia: una chiquilla que recorre las calles de una ciudad vendiendo sin mucho éxito cajas de cerillas, mientras cae la nieve, y que en un momento se sienta a descansar y para combatir el frío enciende una por una las cajas de cerillas que lleva, mientras sueña e imagina futuros mejores. Con este punto de partida que no se sale de la narración canónica del relato, lo extraordinario es como digo la experimentación cinematográfica en base a lo onírico y casi fantasmal. En un momento en el que las vanguardias artísticas vieron en el cine un medio afín en el que proyectar discursos, muchos directores se vieron tentados ellos mismos con la posibilidad de buscar fronteras y traspasarlas. Lo curioso es que Renoir se adelanta a gente como Vertov o Buñuel y Dalí, que desde presupuestos artísticos mucho más claros, utilizaron el cine como un medio más en el que expresar sus ideas estéticas. Me hace gracia que se hable de Speed Racer como una película vanguardista o rompedora, cuando en 1928 Renoir filma una secuencia de persecución que es basicamente el germen de lo que los Wachos hacen, no se si de forma consciente. La acumulación de texturas, superposición de planos y frenesí visual (no en montaje sino en plano, con un uso de la cámara completamente exaltado), convierten la cinta en una cima de la modernidad. Altera planos a cámara lenta con otros en los que el manejo de la cámara está anticipando cuestiones muy posteriores, lo que la convierten en un ejercicio de innovación sin precedentes, esta sí me temo... La peli dura media hora y toda su parte final, se me antoja imprescindible de verdad. Está por aquí para el que le tenga ganas.
Upperseven
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GOODBYE LENIN !!! (2003 -Wolfgang Becker)
Simpática mezcla de drama y comedia que basa su éxito al jugar con un acontecimiento histórico -la caída del muro de Berlín.- y los cambios radicales que sufrió Alemania en apenas unos meses. Aquí todo tramado a partir del accidente de una madre comunista convencida que tras u accidente que la deja unos meses en coma,despierta en la nueva Alemania y es engañada por su hijo para que crea que todo sigue igual. <rl film siempre simpático y muy bien interpretado adolece de un punto increíble que el director no sabe cortar en su tercio final, cuando ya la trama se alarga en demasía y la cosa no da para más
Simpática mezcla de drama y comedia que basa su éxito al jugar con un acontecimiento histórico -la caída del muro de Berlín.- y los cambios radicales que sufrió Alemania en apenas unos meses. Aquí todo tramado a partir del accidente de una madre comunista convencida que tras u accidente que la deja unos meses en coma,despierta en la nueva Alemania y es engañada por su hijo para que crea que todo sigue igual. <rl film siempre simpático y muy bien interpretado adolece de un punto increíble que el director no sabe cortar en su tercio final, cuando ya la trama se alarga en demasía y la cosa no da para más
Upperseven
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EL GOLEM (Der Golem, 1920 -Paul Wegener)
.jpg)
Clásico del cine mudo y del expresionismo alemán...Muy conseguido a nivel estético y plástico (la ambientación y decorados son sensacionales) aunque la historia deviene un tanto alargada en ocasiones...Siendo al final un claro y directo antecedente de "Frankenstein" así como una clara influencia en el cine fantástico posterior
EL JOROBADO DE NOTRE DAME (The Hunchback Of Notre Dame, 1923 -Wallace Worsley)
Primera versión de la legendaria novela de Victor Hugo interesante de ver, pero no por ello deja de ser un drama histórico muy irregular (con el único elemento terrorífico en la caracterización del Jorobado) en su planteamiento y estructura. Su mayor atractivo estriba en la inmortal encarnación de Lon Chaney como Quasimodo que logra ser tierno, cruel, despiadado y compasivo en su creación...El problema es que el film trata de abarcar muchas sub tramas., algunas de las cuales quedan demasiado forzadas, una historia de amor muy ramplona en un compendio que en manos de un director más talentoso hubiese sido sublime, pero que en manos de Wallace Worlsey se queda en simplemente correcto
Clásico del cine mudo y del expresionismo alemán...Muy conseguido a nivel estético y plástico (la ambientación y decorados son sensacionales) aunque la historia deviene un tanto alargada en ocasiones...Siendo al final un claro y directo antecedente de "Frankenstein" así como una clara influencia en el cine fantástico posterior
EL JOROBADO DE NOTRE DAME (The Hunchback Of Notre Dame, 1923 -Wallace Worsley)
Primera versión de la legendaria novela de Victor Hugo interesante de ver, pero no por ello deja de ser un drama histórico muy irregular (con el único elemento terrorífico en la caracterización del Jorobado) en su planteamiento y estructura. Su mayor atractivo estriba en la inmortal encarnación de Lon Chaney como Quasimodo que logra ser tierno, cruel, despiadado y compasivo en su creación...El problema es que el film trata de abarcar muchas sub tramas., algunas de las cuales quedan demasiado forzadas, una historia de amor muy ramplona en un compendio que en manos de un director más talentoso hubiese sido sublime, pero que en manos de Wallace Worlsey se queda en simplemente correcto
Atreyub
En busca y captura
Gollem me chifla por su forma y también por su fondo.
Fascina como antes las deformidades (por la carencia de empatía o el simple hecho de que somos la rehostia de malos y morbosos) se presentaban como monstruosidades (Freaks es quizás el claro ejemplo) mientras que ahora sería impensable. Digo esto por la razón de que siempre me ha hecho gracia que El jorobado de Notre Dame lo presentaran como un monstruo de terror.
Fascina como antes las deformidades (por la carencia de empatía o el simple hecho de que somos la rehostia de malos y morbosos) se presentaban como monstruosidades (Freaks es quizás el claro ejemplo) mientras que ahora sería impensable. Digo esto por la razón de que siempre me ha hecho gracia que El jorobado de Notre Dame lo presentaran como un monstruo de terror.
frank zito
Miembro habitual
Tras ver un montón de spaghettis, con combinaciones de vocablos en sus títulos, tales como Django, Sabata, Sartana, vivir, matar, Camposanto etc; me he topado al fin con uno, no ya apreciable, sino incluso muy notable, casi sobresaliente.
EL DÍA DE LA IRA (I Giorni Dell’Ira, 1967 – Tonino Valerii). Spaghetti-Western adorado por Tarantino (la banda sonora de Riz Ortolani será retomada para “Kill Bill” o “Django Desencadenado”), aunque dotado de un estilo narrativo y visual clasicote, más cercano a su padre americano, sin excesos característicos del ahijado italiano (aunque haberlos haylos, claro… alguno referido en simpática clave irónica). Esto seguramente debido a la sensibilidad más finada del director Valerii (responsable de aportar una muestra de giallo, también más sobria de lo habitual, aunque no me convenza mucho: “Sumario Sangriento de la Pequeña Estefanía”). La historia del pistolero (genial Lee Van Cleef) que acoge a un advenedizo aprendiz, no es novedosa, pero presenta un peculiar interés por la profundidad –incluso algunos apuntes sutiles- e introspección psicológica, mayor de la habitual e insólita; de modo que el inevitable choque final de personalidades, entre el desalmado y criminal Van Cleef y el jovenzuelo (en el fondo de buen corazón, aunque harto de verse abusado y menospreciado por los demás), se ve además beneficiado por la cuidada puesta en escena, composición de plano y colorido del director, y una al parecer ya mítica cuenta (para los conocedores de siempre del film): “Lección 1” … “Lección 4” … “última Lección”.
EL DÍA DE LA IRA (I Giorni Dell’Ira, 1967 – Tonino Valerii). Spaghetti-Western adorado por Tarantino (la banda sonora de Riz Ortolani será retomada para “Kill Bill” o “Django Desencadenado”), aunque dotado de un estilo narrativo y visual clasicote, más cercano a su padre americano, sin excesos característicos del ahijado italiano (aunque haberlos haylos, claro… alguno referido en simpática clave irónica). Esto seguramente debido a la sensibilidad más finada del director Valerii (responsable de aportar una muestra de giallo, también más sobria de lo habitual, aunque no me convenza mucho: “Sumario Sangriento de la Pequeña Estefanía”). La historia del pistolero (genial Lee Van Cleef) que acoge a un advenedizo aprendiz, no es novedosa, pero presenta un peculiar interés por la profundidad –incluso algunos apuntes sutiles- e introspección psicológica, mayor de la habitual e insólita; de modo que el inevitable choque final de personalidades, entre el desalmado y criminal Van Cleef y el jovenzuelo (en el fondo de buen corazón, aunque harto de verse abusado y menospreciado por los demás), se ve además beneficiado por la cuidada puesta en escena, composición de plano y colorido del director, y una al parecer ya mítica cuenta (para los conocedores de siempre del film): “Lección 1” … “Lección 4” … “última Lección”.
Mensch Maschine
Santur
El hombre que pudo reinar (John Huston, 1975)
Obra capital del cine de aventuras, rodada con un pulso excepcional por un Huston que con casi 70 tacos aún era capaz de dar sopas con ondas a casi todos los cineastas jóvenes de aquella época. Un trío protagonista irrepetible, un fascinante e imaginativo diseño de producción, unas localizaciones marroquíes que nunca han lucido mejor que en este film, y una extraordinaria banda sonora de corte étnico por Maurice Jarre (quizá el músico Hollywoodiense de su generación que mejor supo entender y utilizar la música tradicional de otras culturas) completan el elenco de virtudes de todo un clásico del cine que sigue fascinando cuatro décadas después, y a buen seguro lo seguirá haciendo otras cuatro más.
Nixon (Oliver Stone, 1995)
Secuela espiritual de 'J.F.K.', que utiliza la figura del defenestrado presidente para ahondar en los mismos temas de aquella. Sin embargo, Stone carece aquí de la inspiración en el guión, puesta en escena y montaje de aquella, de manera que lo que le queda es un film de ritmo irregular, confuso en ocasiones, y con una intrepretación protagonista de Anthony Hopkins que, pese a salir adelante tirando de oficio y carisma, muchas veces bordea cierta caricatura. Aunque en descargo de Hopkins y de Stone hay que decir que, teniendo en cuenta la complejidad de lo que cuenta, sin los excesos de ambos el film habría resultado más pesado de lo que es.
En cualquier caso, si el film tiene interés es por el retrato de Nixon como un personaje trágico más que villano, en la línea de un Michael Corleone de la política. Un tipo sinceramente entregado al bienestar de su país, cuyo destino se torció debido a una mala gestión de su imagen, y sobre todo, a errores políticos y personales derivados de su complejo de inferioridad y culpa. Un enfoque claroscuro que hace añorar al Stone de aquellos años, cuando aún no perdía el culo por cebarse a mojitos y arepas con Castro y Chávez.
Un saludete.
Obra capital del cine de aventuras, rodada con un pulso excepcional por un Huston que con casi 70 tacos aún era capaz de dar sopas con ondas a casi todos los cineastas jóvenes de aquella época. Un trío protagonista irrepetible, un fascinante e imaginativo diseño de producción, unas localizaciones marroquíes que nunca han lucido mejor que en este film, y una extraordinaria banda sonora de corte étnico por Maurice Jarre (quizá el músico Hollywoodiense de su generación que mejor supo entender y utilizar la música tradicional de otras culturas) completan el elenco de virtudes de todo un clásico del cine que sigue fascinando cuatro décadas después, y a buen seguro lo seguirá haciendo otras cuatro más.
Nixon (Oliver Stone, 1995)
Secuela espiritual de 'J.F.K.', que utiliza la figura del defenestrado presidente para ahondar en los mismos temas de aquella. Sin embargo, Stone carece aquí de la inspiración en el guión, puesta en escena y montaje de aquella, de manera que lo que le queda es un film de ritmo irregular, confuso en ocasiones, y con una intrepretación protagonista de Anthony Hopkins que, pese a salir adelante tirando de oficio y carisma, muchas veces bordea cierta caricatura. Aunque en descargo de Hopkins y de Stone hay que decir que, teniendo en cuenta la complejidad de lo que cuenta, sin los excesos de ambos el film habría resultado más pesado de lo que es.
En cualquier caso, si el film tiene interés es por el retrato de Nixon como un personaje trágico más que villano, en la línea de un Michael Corleone de la política. Un tipo sinceramente entregado al bienestar de su país, cuyo destino se torció debido a una mala gestión de su imagen, y sobre todo, a errores políticos y personales derivados de su complejo de inferioridad y culpa. Un enfoque claroscuro que hace añorar al Stone de aquellos años, cuando aún no perdía el culo por cebarse a mojitos y arepas con Castro y Chávez.
Un saludete.
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Upperseven
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EL CONCIERTO (Le Concert, 2009 -Radu Mihaileanu)
Sobrevalorada comedia -casi siempre simpática- pero muy por debajo de las excelentes críticas que suele tener, acerca de un grupo de músicos rusos semi-retirados que vuelven a interpretar un concierto en Paris...El film, que parte de una idea cuanto menos interesante, va perdiendo fuelle conforme avanza aunque no se puede negar que fluye especialmente por la buena interpretación de sus actores
"El Día De La Ira" la recuerdo monumental, en breve la revisionaré en BR
Sobrevalorada comedia -casi siempre simpática- pero muy por debajo de las excelentes críticas que suele tener, acerca de un grupo de músicos rusos semi-retirados que vuelven a interpretar un concierto en Paris...El film, que parte de una idea cuanto menos interesante, va perdiendo fuelle conforme avanza aunque no se puede negar que fluye especialmente por la buena interpretación de sus actores
"El Día De La Ira" la recuerdo monumental, en breve la revisionaré en BR
Harkness_666
Son cuatro
Los cuatro fantásticos, de Oley Sassone
La primera de las adaptaciones de los cuatro héroes marvelianos, producida por Roger Corman y saldada con resultados calamitosos, hasta el punto de ser considerada todo un clásico “trash” a día de hoy. Rodada únicamente para conservar los derechos y realizar futuras producciones, salió directamente (si no me equivoco) al mercado de vídeo y permaneció inédita. Los noventa causaron estragos como cualquier otra época, y ésto desde luego es prueba de ello; parece una película surgida de la resaca ochentera, con una cursilería y una tontorronería infantil que no tienen precio. El apoteósico final, con el bodorrio y el brazo de Mr. Fantástico estirándose por la ventana del coche, es sin duda de lo más grotesco y descojonante que he visto en mi vida.
¡Y vaya efectos especiales! Muchos cojones hay que tener, debemos reconocerlo, para lanzarse a la aventura de rodar algo así con semejante presupuesto, quedando el resultado más cerca no ya de un mal capítulo de los “Power Rangers”, sino de los “VR Troopers”, sus sucedáneos mierder. ¡Y el Dr. Doom, haciendo gestos de oligofrénico, con su capa verde que parece un albornoz! Luego está el hombre Topo, que es la monda; tanto él como los esbirros vienen a ser los típicos villanos excéntricos y como de cuento gótico que estaban de moda por aquellos años, popularizados por Tim Burton y sus adaptaciones del hombre-murciélago.
Divertidísima cutrada, de imprescindible visionado. Le da sopas con onda a Josh Trank, o al menos resulta ser una propuesta infinitamente más coherente que el engendro reciente.
La primera de las adaptaciones de los cuatro héroes marvelianos, producida por Roger Corman y saldada con resultados calamitosos, hasta el punto de ser considerada todo un clásico “trash” a día de hoy. Rodada únicamente para conservar los derechos y realizar futuras producciones, salió directamente (si no me equivoco) al mercado de vídeo y permaneció inédita. Los noventa causaron estragos como cualquier otra época, y ésto desde luego es prueba de ello; parece una película surgida de la resaca ochentera, con una cursilería y una tontorronería infantil que no tienen precio. El apoteósico final, con el bodorrio y el brazo de Mr. Fantástico estirándose por la ventana del coche, es sin duda de lo más grotesco y descojonante que he visto en mi vida.
¡Y vaya efectos especiales! Muchos cojones hay que tener, debemos reconocerlo, para lanzarse a la aventura de rodar algo así con semejante presupuesto, quedando el resultado más cerca no ya de un mal capítulo de los “Power Rangers”, sino de los “VR Troopers”, sus sucedáneos mierder. ¡Y el Dr. Doom, haciendo gestos de oligofrénico, con su capa verde que parece un albornoz! Luego está el hombre Topo, que es la monda; tanto él como los esbirros vienen a ser los típicos villanos excéntricos y como de cuento gótico que estaban de moda por aquellos años, popularizados por Tim Burton y sus adaptaciones del hombre-murciélago.
Divertidísima cutrada, de imprescindible visionado. Le da sopas con onda a Josh Trank, o al menos resulta ser una propuesta infinitamente más coherente que el engendro reciente.
Ropit
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El Concierto me pareció un bodriazo tremendo, de topicazos, de ñoñería, de pornografía sentimental, de condenar a su director a no volver a ver nada más suyo y creo que ha paseado por Cannes.
Amo esta película con todas mis fuerzas, y Huston tiene una docena de títulos maravillosos, pero creo que has ido a despotricar de los directores jóvenes en el mejor momento de los directores jóvenes americanos de toda su historia.
Amo esta película con todas mis fuerzas, y Huston tiene una docena de títulos maravillosos, pero creo que has ido a despotricar de los directores jóvenes en el mejor momento de los directores jóvenes americanos de toda su historia.
ostras de la China!
Not Gods... englishmen. The next best thing.
VR Troopers... un momento... VR Troopers... ¡Grimlord y la realidad virtual! ¡Esto era!
VR Troopers... un momento... VR Troopers... ¡Grimlord y la realidad virtual! ¡Esto era!
Mensch Maschine
Santur
No era mi intención despotricar contra Scorsese, Coppola, Bogdanovich, etc, ni muchísimo menos. La suya también es mi época cinematográfica favorita, por cierto. Pero sí reconozco que he metido la pata eligiendo mis palabras, dando efectivamente a entender que les estaba criticando. Lo que quería decir es que, a sus 70 años, Huston tenía una sabiduría, vitalidad e imaginación en el cine y en la vida que seguía siendo toda una lección para los cineastas que se consagraron en aquella época, independientemente de que éstos también demostrasen una sabiduría cinamatográfica colosal con treinta y pocos años.
Un saludete.
Upperseven
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VIAJE AL MÁS ALLÁ (1980, -Sebastian D´Arbò)
Entrañable muestra del cine "parapsicológico" que trataba de rodar Sebastian D´Arbó en la década de los ochenta...Y en cualquier caso un film bastante simpático a pesar de sus deficiencias -la puesta en escena combina momentos muy brillantes (atención la parte del exorcismo- con otros más toscos) en cualquier caso en un loable intento de hacer cine de género
Entrañable muestra del cine "parapsicológico" que trataba de rodar Sebastian D´Arbó en la década de los ochenta...Y en cualquier caso un film bastante simpático a pesar de sus deficiencias -la puesta en escena combina momentos muy brillantes (atención la parte del exorcismo- con otros más toscos) en cualquier caso en un loable intento de hacer cine de género
frank zito
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LA CAÍDA DE LA CASA USHER (La Chute de la Maison Usher, 1928 – Jean Epstein). Primigenia adaptación al celuloide del relato de Poe (con retazos de otros, en especial de “El Retrato Oval”), francesa y coguionizada por Luis Buñuel. La peli empieza algo morosa, pero es un fascinante, poético (esos planos: guitarra, cielos y aguas batidas por el viento), e inquietante espectáculo visual, consistente en significativos primeros planos, travellings, ralentís, superposiciones de imágenes (esas velas mientras transportan el ataúd) etc; que evocan el romántico, siniestro, surreal e introvertido mundo y sensibilidad Poe, de forma más afín al escritor que las películas de Roger Corman. Estupenda su sensitiva captación de la Naturaleza (paisajes desolados y neblinosos, árboles vetustos, animales, rayos y tormentas) y memorables últimos veintes minutos, tras el regreso del entierro (los –doblemente-mudos, doloridos cinco primeros de ellos y lo que sigue…). Menos satisfactoria es la conclusión del film, en esto sí más fiel y conseguida la peli de Corman de 1960; pero en todo caso, estamos en uno de esos casos, como el “Vampyr” de Dreyer, de casi centenarios films fantásticos isla, sin descendencia aparente, no demasiado conocidos a nivel general, pero cuyo espíritu vanguardista, imaginería e innovación narrativa y estética, los hacen de indispensable visionado para todos los interesados por el origen y desarrollo del género en el cine.
Chungo escoger imágenes, se podrían poner cincuenta. VEDLA. Son sesenta minutejos.
Epstein es Dios y habiendo visto bastantes cosas suyas es habitual.
se llama La casa Usher pero podría llamarse otras muchas porque es pura experimentación sensorial en unos años en que el cine daba pasos de gigante; la verdad es que está algo hermanada con el Vampyr, tienen sensibilidades parecidas, casi una ensoñación.
se llama La casa Usher pero podría llamarse otras muchas porque es pura experimentación sensorial en unos años en que el cine daba pasos de gigante; la verdad es que está algo hermanada con el Vampyr, tienen sensibilidades parecidas, casi una ensoñación.