Películas que vais viendo en casita

El retorno del Doctor X

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Otra serie B de la Warner pre-código Hays, que me ha llegado a despertar casi más simpatía que la primera, dirigida por Michael Curtiz. Clásica cinta de serie B sin pretensiones, con mucha modestia y muy, muy avanzada a su tiempo, y a los años oscuros de la censura en el cine que estaban por caer: tenemos al clásico personajillo sabelotodo (el periodista que hará cualquier cosa por su titular de oro) a un médico honrado y por así decirlo "formal" en contraposición con otro, su colega, un especialsta en enfermedades sanguíneas, siniestro y apasionado. Humprey Bogart hace aquí un papel muy lejano a lo que nos tiene acostumbrados, el del clásico ayudante de mad doctor que da mal rollo.

La película tiene todos los elementos de la época, mezcla de melodrama criminal y cinta de terror (equívocos con supuestos cadáveres que presuntamente, están vivos, personaje principal desacreditado por la policía y por sus propios compañeros de la prensa, encabezonado en resolver el misterio, extrañas muertes de personas aquejadas de falta de sangre...). Resulta curioso, cuanto menos, que al final de la película esta parezca convertirse en una historia de género negro, con Bogart intercambiando tiros con la policía desde una cabaña, donde ha encerrado a la chica con la que piensa experimentar, y que podían salir perfectamente de Scarface y policiacos similares. La primera entrega, Doctor X se me hizo algo estomagante por su protagonista, una mezcla de héroe y gracioso sin puta gracia, que era lo peor.

El regreso de Fu-Manchu

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Primera parte de la saga de Fu-Manchu emprendida por Harry Allan Towers, y protagonizada por el gran Christopher Lee como "el peligro amarillo", y única película de la saga que yo ya había visto de crío (por casa de mis padres debe andar una copia grabada de la tele, si no la han tirado). Volviéndola a ver de nuevo por primera vez en mucho tiempo, me sigue pareciendo una película correcta y entretenida, aunque no tan "mágica" como en su día me lo pareció, lo cual por otra parte, es creo, inevitable.
Fu-Manchu es finalmente ejecutado al principio de la película; su ejecución la presencia su némesis, Neyland Smith, quien, no del todo satisfecho, empieza a pensar que le han dado gato por liebre y que el verdadero doctor continúa con vida. Una serie de crímenes y secuestros ocurridos en Londres empezarán a darle la razón...

La película está llena de los deliciosos elementos indivisibles a este señor: toda clase de trampas, trucos, espionaje y disfraces, escenas de tortura y venenos exóticos; bases subterráneas (en este caso, submarinas, como la del Doctor No) planes insidiosos para apoderarse del mundo y dominar Occidente, por medio de una mezcla de ciencia (un producto destilado de una semilla tibetana que causa la muerte al ser disuelta en líquido) con mística (de Fu Manchu se nos dice que en su juventud estudió en el Tibet y aprendió "todos los secretos de la mente humana, y el dominio de todas las artes oscuras") además de la presencia testimonial de la diosa maligna Kali.

A la película le falta, creo yo, un punto más de locura y despendole para ser completamente redonda, el espectáculo pulp que siempre fue Fu Manchú. Estoy leyendo los relatos originales de Sax Rohmer por primera vez, ahora, así que aprovechare para ir viendo todas las películas y, porqué no, volver a ver por cuarta vez, si no me falla la memoria, esa absoluta obra mestra que es "La máscara de Fu Manchu" con el gran Boris Karloff interpretando al diabólico doctor.
 
Horns, de Alexandre Ajá

Alexandre Ajá, quién te ha visto y quién te ve. Un señor que hizo dos pelis buenas y desapareció en combate. Ahora le ha salido una imposible empanada mental con un Harry Potter que mantiene constante jeta de “dónde me habré dejado el mechero y en qué cojones me he metido”. Una especie de sátira religiosa y social, rollo american gothic que recuerda incluso a “Predicador”, el cómic de Garth Ennis... pero también es comedia negra y sobrenatural, thriller con crimen de por medio, un romance de culebrón muy melodramático que es como de un Nicholas Sparks resacoso... El gabacho se muestra absolutamente incapaz de darle un mínimo de coherencia y de homogeneidad a toda esta mierda.

Y es que no sé como será la novela de King Jr., pero la adaptación no hay por dónde cogerla. Una narración torpísima y farragosa (para la tontería que es en el fondo), salpicada, por si no fuera poco, de interminables flashbacks que pretenden dar ciertas pistas en torno al misterio argumental, pero que lo hacen todo más absurdo y falto de tono, si es posible (cuando son todos pequeños parece incluso “Los Goonies”). El Ajá se pone en modo DJ, con canciones sumamente originales y jamás usadas en el cine como acompañamiento, tales como “Heroes” de Bowie y “Personal Jesus” de Depeche Mode (sutileza). El final ya es un intento desesperado por sorprender con giros que nos importan un carajo.

Una tontería como una casa, de la cual puede rescatarse algún momento cómico y tronado, pero que ni tiene ni pies ni cabeza, ni dice absolutamente nada.
 
Lo que es gustar, ninguna de Naschy-lobo me gusta. La que, al menos en mi recuerdo, era la mejor hecha (de más empaque, la foto y medios en general) es curiosamente una de las que menos se habla -“El Retorno del Hombre-Lobo” (1980)- aunque por lo demás fuera más de lo mismo. En cualquier caso, me gustan más otras de las suyas (dirigidas y/o como actor), especialmente “El Jorobado de la Morgue” (1972) y “La Orgía de los muertos” (1973)



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SCUM OF THE EARTH a.k.a POOR WHITE TRASH II (1974, S.F.Brownrigg). Oscura y supurosa producción de un realizador de pésimos film de terror (aunque “No mires en el sótano” (1973) tiene alguna gracia). Aquí, una chica de ciudad es, básicamente, secuestrada por una loca familia habitante de casucha en ambiente bayou; familia de padre, madre, hija e hijo excesivos y estrafalarios, de típica y esperable idiosincrasia (grosería, odio entre ellos, abusos, violaciones etc), todo mientras un psicópata en modo slasher (hacha, POV y descubriendo su identidad al final) ronda la zona. Cierto, podría ser un divertido sleazy trash, pero la verdad es que se acaba haciendo aburrida, mostrando la inoperancia y torpeza marca del director. Tanto a un film llamado “Bayou” (1961), como a “Scum of the Earth”, se las retituló a posteriori “Poor White Trash” (1 y 2), pero no guardan relación entre ellas.

Si, los posters son mejores que la peli, como suele pasar :D
 
TERROR EN LA NOCHE (Terror By Night, 1946 -Roy William Neill)


Correcto film de la serie protagonizada por el dueto Basil Rathbone y Nigel Bruce, que sigue al intriga del robo de una joya y una serie de asesinatos relacionados...En esta ocasión la mayor parte del metraje discurre en un tren. No es el mejor ejemplo , ni el más redondo de los catorce films rodados, pero está acabado con habilidad artesanal por el todoterreno de la serie B Roy William Neill
 
Ah, "la del tren"... eso siempre luce. Del puñadete de Rathbone/Bruce que vi hace meses me gusta mucho él como Holmes y no tanto las pelis, aunque quiero ver la de la mujer araña y alguna de las más típicas (Aventuras, Baskerville), que están mejor apreciadas.
 
LA ÚLTIMA FORTALEZA (The Last Castle, 2001 -Rod Lurie)


Infravalorada película, mucho mejor y más entretenida de lo que se suele decir. Aunque una enésima variante del film carcelario de turno, acaba siendo un notable entretenimiento rodado con bastante pulso (ayuda su extraordinaria bso compuesta por Jerry Goldsmith) y mucho sentido del ritmo. Aquí también tenemos un alcaide ególatra y un grupo de prisioneros dispuestos a rebelarse, jugando con la ventaja de un par de actores que hacen lo que se espera de ellos (buenas composiciones de Robert Redford y James Gandolfini) en una producción, como digo, más reivindicable de lo esperado
 
EL CHICO (The Kid, 1921 -Charles Chaplin)


Sencilla mezcla de melodrama y comedia que ya marca la habilidad de Chaplin para moverse entre estos dos polos dominado los tempos y los recursos a su disposición. El film, logra ser un relato conmovedor y emocionante que narra las aventuras de un chico huérfano (lo abandona su madre, que más tarde será una reconocida actriz) que es adoptado por un vagabundo. Es también la demostración de que el maestro no era un director con una imaginación visual desbordante, ni con el toque surreal de Buster Keaton en los gags, pero si un gran director de actores, un enorme manipulador del espectador y un excelente conocedor de los recursos emocionales al servicio del medio cinematográfico
 
Yo creo que a Chaplin, como a otros artistas cómicos de la época (los Marx sin ir más lejos), les importaba un rábano el medio. Eran artistas mucho antes que cineastas, y llegaron al cine de forma accidental, porque era la forma de acercarse a miles de personas en un momento que el cine explota de forma universal. Quisieron con él seguir haciendo lo mismo que habían hecho teatralmente, por lo que les importa contar su historia, sin hacer mucho caso de cómo está contada. Que se vea y se entienda ante todo. Nunca reflexionaron sobre las posibilidades visuales del mismo, al contrario que Keaton que sí entendió que el nuevo medio era precisamente lo que necesitaba para poder desarrollar sus gags de forma más precisa y que era un aliado, no una herramienta.
 
Última edición:
Absolutamente cierto, aunque creo que Chaplin ganó mucho a nivel de puesta en escena a mediados de los veinte...Sus mejores films llegan desde "La Quimera del Oro" en adelante
 
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EL DEMONIO (Il Demonio, 1963 – Brunello Rondi). Excepcional drama rural, de contorno fantástico y terrorífico, dirigido por uno de los guionista del 8 ½ de Fellini. Una chica (pobre diablo, nunca mejor dicho) es percibida por sus vecinos, como una poseída, una bruja. Espeluznante tratamiento crudo, realista y subversivo, en la descripción del ambiente impregnado de superstición y catolicismo (claro antecedente del sorprendentemente bueno Lucio Fulci de “Angustia de Silencio” (1972), por el que fluyen ecos místicos y legendarios, en ambigua sintonía; sobria, descarnada y muy entonada la realización de Rondi, ayudado por unas estupendas fotografía en b&n y la música, el escalofriantemente desolado paisaje de la zona, y una maravillosa y sensual Daliah Lavi (de recuerdo en la extraordinaria “La Frusta e Il Corpo“de Mario Bava) de protagonista. Aparte de esa atinada ambientación y dramaturgia general, apuntar solo algunas –de muchas- escenas concretas: el exorcismo y spider-walk de Lavi (muy similares a “El Exorcista”, ver imágen abajo); la persecución del populacho antorchas en mano, a lo terror de la Universal; y un final cortante, directo al estómago. Partiendo, pero alejándose, de la recién nacida temática italiana de brujería; apostando por una formulación dramático-visual parte Bergman parte hasta Dreyer; para apuntar un pre-William Friedkin. Peliculón.

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Upperseven dijo:
TERROR EN LA NOCHE (Terror By Night, 1946 -Roy William Neill)


Correcto film de la serie protagonizada por el dueto Basil Rathbone y Nigel Bruce, que sigue al intriga del robo de una joya y una serie de asesinatos relacionados...En esta ocasión la mayor parte del metraje discurre en un tren. No es el mejor ejemplo , ni el más redondo de los catorce films rodados, pero está acabado con habilidad artesanal por el todoterreno de la serie B Roy William Neill
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- Confieso mi debilidad por los filmes de intriga en los trenes (casi tanto como las de misterios en los hoteles y en menor medida en los barcos) con ese sabor añejo tan entrañable. Estamos en la penúltima de las 14 películas que la Universal dedicó a Sherlock Holmes protagonizadas por Basil Rathbone y Nigel Bruce. A mí me encanta el momento teatral en el que Rathbone con los pelos de loco, aparece despeinado tras la pelea en la oscuridad para engañar a los falsos policías y lograr que no se lleven al Coronel Moran. En apenas unos segundos logra deshacer a toda velocidad la operación de los supuestos agentes y retener al Coronel.

Impagable también el malhumorado profesor de matemáticas al que Watson intenta interrogar como sospechoso emulando a Holmes y éste le devuelve la pelota, siendo él el que le interroga con suma violencia: "Ya... ya... cuando se trata de ese tal señor Sherlock Holmes siempre hay alguna joya desaparecida o una mujer misteriosa" :lol; el matrimonio de supuestos culpables (espectacular secundario Gerald Hammer, quien brilló como protagonista y villano rey del disfraz en la que está considerada la mejor entrega de la saga Sherlockiana de la Universal, "La Garra Escarlata") que han robado una tetera y creen que la policía va tras ellos; el siempre solvente Dennis Hoey como inspector Lestrade (la química entre Rathbone, Bruce y Hoey era magistral) en su última aparición en la saga. Lamentablemente no se contó con él para la última entrega "Vestida para matar" :mutriste o la pequeña pistola de "juguete" maléfica que parece de agua de la piscina. :mparto

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GROUCHO dijo:
Yo creo que a Chaplin, como a otros artistas cómicos de la época (los Marx sin ir más lejos), les importaba un rábano el medio. Eran artistas mucho antes que cineastas, y llegaron al cine de forma accidental, porque era la forma de acercarse a miles de personas en un momento que el cine explota de forma universal. Quisieron con él seguir haciendo lo mismo que habían hecho teatralmente, por lo que les importa contar su historia, sin hacer mucho caso de cómo está contada. Que se vea y se entienda ante todo. Nunca reflexionaron sobre las posibilidades visuales del mismo, al contrario que Keaton que sí entendió que el nuevo medio era precisamente lo que necesitaba para poder desarrollar sus gags de forma más precisa y que era un aliado, no una herramienta.
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De todas formas entre Chaplin y los Marx no quedaba mucho más allá de bigotes en blanco y negro, Chaplin me da la impresión de que quería ser el responsable final del producto, se dirigía, escribía, montaba y lo que hiciese falta, mientras que los Marx (sobre todo inicialmente) hacía el equivalente de rodar un concierto; hay un punto curioso cuando empiezan a apagarse y llega el jovencito Thalberg y les dice que ahora van a hacer películas de verdad (que se quedó en meter más "historia" y menos rodar tres paredes), pero necesitando siempre a alguien gritando acción y a otros que llenasen el guión de chistes (son fascinantes todas esas historias de mercadeo y recicle de chistes, oneliners y rutinas, tipos tecleando a máquina de madrugada porque si no se le ocurren comentarios irónicos sobre Mae West mañana no cobran). Gente a la que luego en set probablemente tuviesen hasta los huevos, claro.
 
Bueno es que los Marx llegaron el al cine de forma circunstancial, llevando sus espectáculos de Broadway tal cual eran. De ahí su enloquecido anarquismo que no respeta nada, y su falta de conciencia cinematográfica. Se la soplaba bastante no ya el medio en sí sino que aquello tuviera algún sentido. Chaplin llevó su personaje pero si lo adaptó al cine, a fin de cuentas él estaba detrás de todo como bien dices. Pero usó el cine como herramienta para Charlot, para universalizar su personaje. Para él era muy sencillo, salgo delante de la cámara y hago mi show. Todo lo demás, que obviamente lleva un componente artístico en lo fílmico, es secundario. Lo único y principal es Charlot, aunque como señala Upper, llega un momento en que los gags ya son elaborados y requieren de un especial cuidado. Tiempos modernos a mi me parece que tiene momentazos a caballo entre lo teatral de sus orígenes y el puro cine. Con los Marx hubiera estado bien que Thalberg pudiera haber estado detrás de más pelis... El propio Groucho cuenta que para ellos el cine era un coñazo mayúsculo, aburridisimo entre plano y plano, repeticiones, etc. que además les hacía perder la frescura de su ingenio. Los Marx no estaban hechos para el cine, a pesar de que consiguieron sacar adelante un buen número de momentos absolutamente antológicos para la comedia del siglo XX. En cuanto a tipos tecleando de madrugada tratando de sacar chistes y gags, hay una foto maravillosa sobre ello... Creo que es de Una tarde en el circo, y en ella están Chico y Groucho con Buster Keatom al que contrataron para llevar a cabo gags visuales. No se si la idea es de ellos o de Thalberg, pero ya en 1939 el pobre Keaton estaba muy de capa caída.
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DESECHOS HUMANOS (The Clonus Horror, 1979 – Robert S. Fiveson). En el futuro, la gente rica y poderosa puede hacerse clones (para tener repuestos orgánicos, of course), los cuales viven en una colonia, diciéndoles que tras entrenamiento se les mandará a un lugar próspero llamado América. Si, la peli en que “La Isla” (2005) se “inspira” descaradamente, provocando serios litigios legales en su día e incluyendo sospechosos cuerpos humanos colgados embolsados y panorámicas aéreas de huidos en ondulaciones desérticas. Pese al interés teórico de la propuesta, la peli sufre su paupérrimo presupuesto, limitaditas interpretaciones y tonterías varias, siendo objeto de emisión en el famoso y ridiculizador “Mystery Science Theater”. Para paladares curiosos pero no exigentes.
 
Tomorrowland
La película es imaginativa y divertida durante más de una hora pero pierde parte de su magia y su interés al mostrar los verdaderos entresijos de Tomorrowland. La contraposición de idealistas y conformistas no está mal llevada pero en ese punto la película aburre y la explicación y el plan de los malvados está muy cogido con pinzas. Por otro lado, sorprende que en una película tan familiar se mate a gente con tanta alegría(aunque no se vea ni una gota de sangre y no me refiero a los robots muertos).
Un buen planteamiento con un bonito envoltorio pero que se acaba diluyendo. Quizás con menos metraje se le notarían menos los fallos.
 
GRITOS EN LA NOCHE (1960, -Jesús Franco)


Quinto film en la filmografía de Jesús Franco y uno de los títulos más logrados de su carrera, rodado además en un periodo donde demostró talento, personalidad y capacidad para hacer un cine de género muy elevado y a la altura de otros clásicos del género que se rodaban en países como Inglaterra, Francia o Italia. La película es un remiendo descarado de "Los Ojos Sin Rostro" de Georges Franju (aunque el director nunca quiso confirmarlo), pero no por ello el director sabe imponer un estilo más potente y crudo, secuencias de mayor violencia y erotismo, todo ello con la ayuda inestimable de una fabulosa fotografía de Godofredo Pacheco...En un film que mezcla influencias, añade soterrado humor muy autóctono y cre para la inconografía la figura mítica de "El Dr. Orloff" encarnado por el rostro inquietante de Howard Vernon.
 
ACTRIUS (1996, -Ventura Pons)


Eficaz muestra de cine al servicio de los actores, aquí adaptando una obra de Josep Maria Benet i Jornet y que Ventura Pons rueda con funcionalidad y algún retazo de buena inspiración, centrando la trama -nada menos que los rencores y las envidias entre tres actrices maduras- (excelentes Nuria Espert, Rosa María Sardá y Ana Lizarán) todo ello adornado con una magistral banda sonora de Carles Cases
 
FAT CITY: CIUDAD DORADA (Fat City, 1972 -John Huston)


Casi como una vuelta a los losers de "The Misfits" en un notable drama de fracasados con el trasfondo del mundo del boxeo (un boxeo de tugurios, ligas menores y sueños rotos), el film muestra la comodidad y la habilidad de Huston para rodar una historia en la que tal vez no se explica mucho, pero que traspira una verdad y una autenticidad que la conforman en una de las mejores películas de su etapa setentera...Amén de hacer un retrato sobre la América de los losers y los alcohólicos. Ayuda mucho la maravillosa fotografía de Conrad Hall y unos actores especialmente soberbios (mención especial a Stacy Keach y Susan Tyrrell)
 
Upperseven dijo:
ACTRIUS (1996, -Ventura Pons)


Eficaz muestra de cine al servicio de los actores, aquí adaptando una obra de Josep Maria Benet i Jornet y que Ventura Pons rueda con funcionalidad y algún retazo de buena inspiración, centrando la trama -nada menos que los rencores y las envidias entre tres actrices maduras- (excelentes Nuria Espert, Rosa María Sardá y Ana Lizarán) todo ello adornado con una magistral banda sonora de Carles Cases
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No pude aguantarla, lo siento. Y sabiamente no cuelas a la Pons entre la excelencia, por lo que veo...
 
Pues de las más visibles, gracias a ellas que están soberbias

EL EXTERMINADOR DE LA CARRETERA (Gli Sterminatiori dell anno 3000, 1983 -Giuliano Carmineo)


Típico exploit italiano surgido a raiz del éxito de "Mad Max" rodado en tierras españolas en régimen de coproducción - por ahí pululan Eduardo Fajardo y Alicia Moro- y dirigida por un artesano de la serie B transalpina venido a menos (Giuliano Carmineo que firma como Jules Harrison)...Los resultados, algo así como una versión pobretona del clásico Australiano con 5 camiones destartalados y dos coches de desguace, son siempre bantante ramplones, auqnue no se puede negar que en ocasiones el humor involuntario hace que el producto se vea con inevitable cachondeo
 
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UNA HISTORIA INMORTAL (The Immortal Story, 1968 -Orson Welles)
Primer film en color de Orson Welles y bellísima adaptación de una obra de Karen Blixen, el film es un ejemplo de como el maestro era capaz de sacar adelante proyectos imposibles (aquí rodado en el madrileño pueblo de Chinchon y haciéndolo pasar por Macao),jugando con los encuadres, unos decorados simples y exprimiendo la paleta cromática con la ayuda de Willy Kurant. Producida para la Televisión francesa y con un presupuesto muy limitado, el film es un poética reflexión sobre la vejez y las historias...De indispensable visionado
 
ASESINOS DE ÉLITE (The Killer Elite, 2011 -Gary McKendry)



Thriller de lo más extraño y que a pesar de su título para nada es un remake del film de Sam Peckimpah de la década de los setenta. Alargado en metraje, el film quiere ser algo así como una mezcla de las tendencias actuales en el género y a su vez tener una aire desencantado que homenajea a los títulos de la década de los setenta...Eso hace que su estructura sea algo extraña –tal vez el guión no brilla del todo- con un tono que va de lo acertado a lo fallido...Casi siempre salvado por una puesta en escena que por lo menos es limpia y un buen casting en el que (por cierto) Robert De Niro sale bastante menos de lo esperado y anunciado
 
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