Películas que vais viendo en casita

Vista, por enésima vez,
LA HUMANIDAD EN PELIGRO (THEM!)

La de las hormigas gigantes. La vi de crío y prácticamente no la recordaba, solo un poco del inicio en el desierto y seguramente más influenciado por el juego de Cinemaware para Amiga: It Came From the Desert que por mi memoria.

Sorprende toda la parte de los túneles del río/hormiguero con el ejercito incinerando bichos, y lo mucho que recuerda a Aliens.

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Lo del parecido con Alien siempre lo he visto... también en cierto personaje, ejemejem...

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Pues si, tiene muchas cositas que seguro que influenciaron al camionero. Lo de Newt esta calcado... y siendo generosos podríamos hasta asimilar a la hormigologa (toma palabro) con Ripley cuando ella toma la iniciativa de meterse en el hormiguero con los dos marines... digo tios del FBI.
 
EL ÁRBOL DEL AHORCADO (The Hanging Tree, 1959 -Delmer Daves)


Curioso western, para mi gusto inferior a otros más logrados del gran Delmer Daves, pero para nada desdeñable incluso muy notable en detalles concretos y que propone una historia de corte mucho más humanista. Se centra en el conflicto entre un doctor (Gary Cooper) de oscuro pasado que se establece en un pueblo minero y sus enfrentamientos especialmente con los rudos buscadores de oro (genial composición de Karl Malden). El film, de tono distinto, agridulce, muy bien rodado, trascurre con una narrativa sencilla, precisa, tal vez sin demasiadas sorpresas y forzando en extremo el conflicto en su final, pero en cualquier caso es un buen ejemplar de película del Oeste distinta y que se aleja de algunos tópicos sobados
 
ATRACCIÓN DIABÓLICA (Monkey Shines, 1989 -George A. Romero)


Probablemente el mejor film de George A. Romero fuera de sus incursiones sobre la temática "Zombi" que aquí narra el drama de un parapléjico (excelente Jason Beghe) asistido por una mona amaestrada que empieza a comportarse como una psicópata. El film, sigue el patrón habitual del cine de su autor pero en esta ocasión lima los defectos de sus peores films: Puesta en escena no demasiado brillante, tendencia al trazo grueso e incluso algo de efectismo...Todo esto aquí mucho más equilibrado y mejorado con lo que los resultados ofrecen una gran película de terror, sencilla, modesta pero muy eficaz, con una gran banda sonora de David Shire y especialmente lograda en su media hora final
 
Les jours où je n'existe pas (Jean-Charles Fitoussi, 2002)

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Una de las mejores películas de la década pasada. Como ayudante de Straub-Huillet en diversos filmes (atención a su documental Sicilia! Si gira), Fitoussi ha aprendido todas las lecciones necesarias sobre el tempo, la duración y el encuadre, traspasándolas a una historia de resonancias metafísicas que nunca olvida lo fundamental, la figura humana. Antoine es un hombre que existe un día de cada dos. Vive un día entero y al siguiente desaparece del plano de la realidad. No hay huellas, presencia, solo vacío en el lugar que antes ocupaba. Después de veinticuatro horas regresa al mismo lugar que había dejado desierto. Esta es la premisa de esta maravilla, de cuya narración oral somos testigos a través de un fantástico Luís Miguel Cintra. En la vida de Antoine se introduce Clémentine y con ella el amor, dando un vuelco hasta a su entonces monótona y rutinaria pero asumida existencia, introduciendo variantes y dudas al no poder consumar su idilio de manera natural debido a la semi-existencia del primero.

Como decía, estamos esencialmente ante un trabajo de tiempo y duración. Fitoussi esculpe los momentos, se fija en los gestos, capta los pequeños acontecimientos que ocurren en el mundo, la realidad (todo el film está construido alrededor de una materia concreta que existe en una gran infinitud de tiempo y espacio que se nos escapa, como si la extraña historia de Antoine fuese solo un evento minúsculo más en el gran mural del tiempo). Pero esa semi-existencia funciona a la vez como gran metáfora del cine, con sus elipsis, las fascinaciones que surgen entre espacios y tiempos aparentemente cercanos (Antoine solo es consciente de su desaparición por datos externos de la realidad: periódicos, acontecimientos perdidos) pero separados por un misterio indescifrable.

Es una gran reflexión sobre la existencia, el cine y el misterio de estar vivos. Pero, en esencia, es una gran historia humana, altamente emocionante, rodada por un director en pleno dominio de los elementos puramente cinematográficos, que maneja los tempos y el espacio como pocos hoy en día.

En definitiva, una obra maestra.
 
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MONSTER DOG (1984)



Una estrella del rock (Alice Cooper) regresa a su pueblo natal para rodar su ultimo videoclip, pero se topa con unos perros salvajes que estan matando a los lugareños en las noches de luna llena... anda que como sean hombres lobo. :L

Curiosa produccion americana-italo-española con una jovencisima Victoria Vera rodada en Torrelodones por un tal Claudio Fragasso (aka Clyde Anderson).

Ojo con los cuadros y dibujos que se ven en la antigua casa de Alice, sutileza al poder. Despues salen como unos cowboys (tendrian fiesta ese dia en Almeria) que quieren matar a Alice con balas de plata... todo esto sin que la Vera nos enseñe nada, y manteniendo el suspense acerca de la posible licantropia de Alice hasta el final.
 
Esa del perro es una frikada, la vi hace mil años y la recuerdo cutrona...

LA RESURRECCIÓN DE FRANKENSTEIN (Frankenstein Unbound, 1990 -Roger Corman)


El regreso (y despedida) de Roger Corman a la dirección cinematográfica tras una pausa de 19 años (su último film fue "El Barón Rojo" en 1971)...En un film tan interesante en ocasiones como irregular y que trata de unir en su descabellado argumento una trama de viajes temporales, ciencia ficción y la clásica historia de la creación de Frankensetin. Jugando con dos buenos actores como John Hurt y Raul Julia y rodado con buenos medios en exteriores italianos. Pero algo falla, el guión no remata las posibilidades del relato, los efectos gore están metidos un poco con calzador en un film que siempre denota una realización artesanal e incluso unas secuencias en las que se autohomenajea el ciclo Edgar Allan Poe (esas ensoñaciones rodadas con filtros y alteraciones en la imagen). Curiosa y fallida
 
MONSTER DOG (1984)



Una estrella del rock (Alice Cooper) regresa a su pueblo natal para rodar su ultimo videoclip, pero se topa con unos perros salvajes que estan matando a los lugareños en las noches de luna llena... anda que como sean hombres lobo. :L

Curiosa produccion americana-italo-española con una jovencisima Victoria Vera rodada en Torrelodones por un tal Claudio Fragasso (aka Clyde Anderson).

Ojo con los cuadros y dibujos que se ven en la antigua casa de Alice, sutileza al poder. Despues salen como unos cowboys (tendrian fiesta ese dia en Almeria) que quieren matar a Alice con balas de plata... todo esto sin que la Vera nos enseñe nada, y manteniendo el suspense acerca de la posible licantropia de Alice hasta el final.

Recuerdo el profundo acojone que me producía esta peli en las estanterías del videoclub :sudor

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ATRACCIÓN DIABÓLICA (Monkey Shines, 1989 -George A. Romero)


Probablemente el mejor film de George A. Romero fuera de sus incursiones sobre la temática "Zombi" que aquí narra el drama de un parapléjico (excelente Jason Beghe) asistido por una mona amaestrada que empieza a comportarse como una psicópata. El film, sigue el patrón habitual del cine de su autor pero en esta ocasión lima los defectos de sus peores films: Puesta en escena no demasiado brillante, tendencia al trazo grueso e incluso algo de efectismo...Todo esto aquí mucho más equilibrado y mejorado con lo que los resultados ofrecen una gran película de terror, sencilla, modesta pero muy eficaz, con una gran banda sonora de David Shire y especialmente lograda en su media hora final

Me parece una película muy solvente, con un suspense bien jugado, y las concesiones justas a la época, yo creo que es uno de sus trabajos mejor acabados.

Peeero si hablamos del mejor film fuera de los zombis, yo apostaría, personalmente, por Martin:

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Cierto que los medios técnicos y presupuestarios de Martin son justísimos, casi-casi a la altura de la primera de Los muertos... con un presupuesto de 100.000 pavos y rodada en casas de amigos, de familiares de los técnicos... sin embargo, a pesar de (o precisamente, gracias a...) sus aires de documental cutre envejecido, conserva un ambiente muy logrado de sordidez, de decadencia tanto económica (esa ciudad envejecida y con sus habitantes amargados, las conversaciones sobre el desempleo y la mejora de la situación vital...) como espiritual.

Para mi es un auténtico tratado sobre la psicología y los males de la religión en un mundo moderno donde cada vez parece hacer menos falta (véase las actitudes de Cuda, el primo de Martin, severo, agrio, cruel, fanático... frente a los modales suaves, relajados y casi de guasa, del cura joven interpretado por el propio Romero). Al final, lo de menos es si el protagonista es un vampiro verdadero, o un enfermo mental viviendo en un ambiente que no solo no cura, sino que estimula y apoya sus fantasías, sino todo lo que rodea a la historia principal, esas llamadas a la radio contando sus fechorías, que van teniendo cada vez más fans (todo un presagio del futuro que nos esperaba con Internet, y el ensalzamiento de figuras no demasiado admirables).

Y vaya, que para mi sus "defectos" de realización son ventajas, que le dan un aire irrepetible, triste, trágico...
 
Knightriders, aunque demasiado larga también es mejor que Atraccion Diabolica.
 
Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau (David Gregory, 2014)

Impagable documental acerca de la concepción y rodaje de uno de los films hollywoodienses con peor fama de los 90. Toda una odisea surrealista en la que nos narran con todo lujo de detalles cómo 'La isla del doctor Moreau' pasó de ser una prometedora obra para estudio de un incipiente director de culto, a un sindiós en el que a los participantes lo que menos les acabó importando fue la película. Empezando por el director de reemplazo (un decadente John Frankenheimer en busca de currele y cheque a toda costa), siguiendo por los protagonistas Marlon Brando (en el peor momento personal y profesional de su carrera) y Val Kilmer (que en aquellos años iba de divo como la estrella de cine que nunca fue realmente), y por último un equipo técnico-artístico al que la desmotivación llevó a una fiesta contínua y autodestructiva, en la tradición de los últimos días de Eva Braun. Aunque en realidad, el documental apunta directamente a que el desastre ya venía de los días de Stanley como director, uno de esos directores británicos malditos que suelen aflorar de vez en cuando, tan cultos e interesados en el arte, la antropología y la filosofía como incapaces de manejar la maquinaria de una película de estudio sin que se les vaya la pinza (en este sentido, me vienen a la mente gente como Donald Cammell).

A todo esto, me han entrado ganas locas de ver el film resultante, que aún no he visto. No sé si lo que me estoy haciendo es bueno para la salud, pero no puedo evitar el deseo de disfrutar de los gags entre Brando y su mono Amelio, que al parecer ha sido la mayor (y seguramente única) contribución del film a la cultura popular posterior.

Un saludete.
 
Yo la vi en cines. El trauma aún me dura. Brando albino gigantesco superstar es una imagen que jamás borraras de tu retina.
 
Knightriders, aunque demasiado larga también es mejor que Atraccion Diabolica.

Pues yo nunca he conseguido verla entera... no sé, creo que es una peli con buenas intenciones pero que algo falla, nunca le he cogido el punto. Y bueno, ejemCreepshowejem, no estaba mal.

Creepshow y Martin me parecen lo mejor fuera de Zombies. Knightriders siempre me ha gustado muchisimo, pero le venían bien unos cuantos tijeretazos aquí y allá. Monkey Bussiness siempre un peldañito para abajo, aunque será cosa mia. Es mejor que Link, eso si... (¿y qué no lo es?)
 
No es por hacerme el importante, pero me gustaría recuperar el post que escribí anteayer sobre 'Moreau' y Rohmer del otro día después del 'borronazo' de anoche:

Al final acabé viendo el 'Moreau' de Frankenheimer. La verdad es que el comienzo en general no me desagradó, e incluso creo que tiene un sentido de la tensión muy loable gracias a la puesta en escena de Frankenheimer. Sin embargo, en cuanto hacen aparición los humanimales, toda esa tensión se viene abajo, evidenciando de manera escandalosa el nulo interés que tenía el director en contar esta historia, y la manera en que dejó hacer a Brando y Kilmer lo que les diera la gana, ambos precisamente en el peor momento de lucidez de sus carreras (en el caso de Kilmer, si es que alguna vez la tuvo). Lo peor de todo es que hay algunas escenas en las que afloran elementos de interés (no sé si achacables a Wells, a Richard Stanley o incluso al yayo Frankenheimer), y que dan una idea del film de culto que podría haber sido de haber contado con un director comprometido con el material (no hablo ya de Stanley, cuyas capacidades como cineasta no puedo juzgar por no haber visto nada suyo).

Pero bueno, mejor será olvidarlo y pasar a directores que sí que tenían perfectamente claro lo que querían contar ...


El amor después del mediodía
(Éric Rohmer,1972)

Revisionada en glorioso HD, qué se puede decir de uno de los retratos más demoledores que ha habido del alma masculina cuando se vive en pareja. Rohmer ya había estado dando vueltas a la misma idea básica en sus otros 'cuentos morales', pero tuvo que ser en el último de ellos donde diese con la llave de la verdad. Como si un oráculo nos hablase directamente desde la pantalla. Un estudio brutal de la delgadísima línea que separa la felicidad de la monotonía, la pasión de la condescendencia, o la libertad de la hipocresía más despreciable.

Resulta curioso cómo un autor como Rohmer, que se apoya en todos los recursos cinematográficos que pone a su disposición el espíritu de libertad y ruptura de convenciones surgido en los 60, los utilice para lanzar un mensaje aparentemente tan conservador que habría hecho soltar una lagrimita a más de un obispo o cardenal. Y digo aparentemente porque, si bien el final parece cerrarse con una moraleja clara y concisa, en realidad al final la moraleja no es más que la duda.

Por otro lado, el film se puede ver como una puñetera cápsula del tiempo que nos transporta hacia 1972 como pocas películas lo pueden hacer, gracias a la magistral luz de Néstor Almendros, que aquí incluso se atreve con algún que otro momento esteticista en la onda de Vittorio Storaro. Junto a la fotografía, tenemos todos los elementos favorecidos poir ella: el desfile de lugares, costumbres cotidianas y formas de vestir que, aunque en un primer momento parezcan casuales y funcionales, siguen en realidad una férrea pauta de diseño que fascina poderosamente cuarenta y pico años después.

En definitiva, obraza de arte y piedra angular a la hora de explorar la masculinidad a través del cine.

Un saludete.
 
EL HOMBRE, EL ORGULLO Y LA VENGANZA (L, Uomo, L´Orgoglio e la Vendetta, 1968 -Luigi Bazzoni)


Memorable versión de "Carmen" de Prosper Merimee rodada bajo la influencia estética del spagethy western sesentero...De tal combinado surge esta rareza maravillosa, muy soprendente y bella (ayuda muchisimo la banda sonora de aires hispanos de Carlo Rustichelli que aquí firma una de sus más contundentes obras maestras). Con un reparto que ya es delicia para cualquier amante del cine de género de aquella década (Franco Nero, Tina Aumont y Klaus Kinsky) Y que triunfa en crear un paisaje y mundo propios del cine del Oeste aunque el film esté situado en Andalucía. La puesta en escena de Luigi Bazonni discurre entre lo plácido y lo tenso, con unos modos, estilo e impronta visuales tan cercanas al western europeo que el film acaba siendo una película de dicho género. Muy bien rodada, combinandocon naturalidad la trama de amor pasional con el destino implacablemente trágico que se cierra sobre sus protagonistas. Maravillosa

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Looking for Richard (En busca de Ricardo III), de Al Pacino

Pacino rodó hace un par de décadas este inclasificable falso documental sobre la preparación de un proyecto sobre Ricardo III de Shakespeare, destinado a acercar al gran público una obra del dramaturgo que está entre las preferidas de Pacino, y que es incluso la más representada de toda la producción shakespeariana. Vemos el proceso de gestación de dicho proyecto (que termina siendo la propia película que estamos viendo), entrevistas con especialistas, recreaciones de la obra en cuestión, así como un intento por Pacino y su gente de comprender la esencia del texto y hacerla llegar a la gente. Más bien una especie de tormenta de ideas sobre el personaje, una especie de “fluir de la conciencia” en forma de imagen, que otra cosa. La personalidad bullente de Pacino viene a encontrarse con toda la profundidad humana y dramática del vil personaje de la obra, y el resultado son constantes idas y venidas de la realidad a la ficción, donde falta cuanto menos una estética más cuidada (las recreaciones son cutrísimas). No veo yo tampoco a Pacino como alguien capaz de articular un discurso complejo sobre lo que está hablando, los tiros van más por el tema actoral (claro), las dificultades a la hora de abordar el texto por los actores estadounidenses (cosa que pasa desapercibida para los no angloparlantes) y por las nuevas generaciones... en definitiva, lo que viene siendo un homenaje de parte de un entusiasta admirador de Shakespeare que quiere compartir esa admiración con los demás... en ese sentido, pese al carácter experimental y ensayístico de la propuesta, hay mucha sinceridad y poca pretenciosidad... otra cosa es que Pacino esté loco (festival para los más pacinófilos).

El diálogo entre artistas de épocas muy distantes entre sí, la maleabilidad del arte que solemos definir como “atemporal” conforme pasan los siglos... eso he entendido yo, más allá de ser un producto para los fans del actor italoamericano y del teatro inglés. Recomendable como complemento a haber visto representada “Ricardo III” o alguna de sus adaptaciones.


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Salón Kitty (Tinto Brass, 1976)

Célebre cinta erótica con pretensiones artísticas, muy típica del cine europeo de los 70, en el que se explotan y mezclan con toda alegría el nazismo de tebeo, el porno softcore, el tremendismo a la italiana, y unos toques de sado para deleite de un público recién salido de la mojigatería general pre-70s. El film cuenta con un reparto bastante apañado, encabezado por el siempre andrógino y perverso Helmut Berger, la bergmaniana Ingrid Thulin y la preciosidad 'peluda' Teresa Ann Savoy. Lo mejor del film es sin duda el diseño de producción de Ken Adam, mezclando siempre con buen gusto la decadencia burguesa de las mansiones germanas con estancias amplias, asépticas, geométricas y austeras al más puro estilo fascista. Mención aparte merece el vestuario, repleto de recreaciones de las diferentes indumentarias nazis bordeando deliberadamente la parodia (atención a los delirantes uniformes de superhéroe ario que gasta Berger en algunas escenas).

Desgraciadamente, el infumable guión digno de una serie B de las malas, el ritmo cansino (con algunos números musicales de nulo interés) y la lamentable puesta en escena de Brass (borracha de los peores zooms de la historia del cine) estropean una cinta que contaba con los elementos suficientes para haber sido una cinta erótica algo más notable, y no una mera bufonada destinada a contentar la vista de un público pansexual.

Un saludete.
 
SIETE MUJERES ATRAPADAS (The House On Sorority Row, 1983 -Mark Rosman)


Physcho killer ochentero de lo más normalito, con un grupo de jóvenes chicas estudiantes atrapadas en una casa y asediadas por un asesino en serie. Muy de manual, pero rodada con cierta gracia...La película es un cúmulo de tópicos del género en aquella década, pero está sublimado por una extraordinaria banda sonora de Richard Band

INFIERNO (Inferno, 1953 -Roy Ward Baker)


Toda una curiosona y eficiente película producida por la Fox en la época del 3D de los años cincuenta, rodada para exhibir en este formato y dirigida por un buen artesano que lograría sus mayores éxitos en su Inglaterra natal. El film, una serie B sencilla, muestra las penurias y tribulaciones de un hombre de negocios (Robert Ryan) abandonado a su suerte en un desierto por su mujer y el amante de esta. Bajo esta premisa el film discurre con sencillez, apoyado por una puesta en escena directa y sin abusar de los efectos y los planos que jugaban a lanzar cosas al espectador, resultando un film siempre efectivo y honesto.
 
Viva el amor, de Tsai Ming-Liang

Segundo largometraje del afamado realizador taiwanés, cuyo título supongo que es irónico. Un vendedor de urnas funerarias, una agente inmobiliaria y un buscavidas, es decir, tres individuos sin nada que ver entre sí, van a coincidir en un piso vacío y a la venta, donde sin saberlo comparten sus existencias. Cual náufragos urbanos, los tres buscan algo que les haga felices, pero no lo consiguen... persiguen fantasmas, cada uno los suyos, y hay algo que les impide el contacto humano que tanto desean. Forman, pues, un triángulo romántico poco convencional, donde el sexo resulta ser un sustituto pobretón del amor verdadero. Los tres son vendedores, los tres son fumadores empedernidos, los tres encuentran en el apartamento un espacio de autonomía personal que falta en sus vidas monótonas (la de ella), frustradas (la de él), o tratan, sencillamente, de sobrevivir (el otro) en un mundo que en realidad no le gusta a nadie, donde la gente se preocupa de estar junta solamente al estirar la pata.

La sombra de Antonioni es alargada (encuadres muy medidos, narración anecdótica...). Vaya final, a modo de catarsis de todo lo que hemos visto, un plano de cinco minutazos con ella sollozando cual Magdalena. Los diálogos son casi inexistentes, no hay mucho que decir, al menos más allá de inconexas conversaciones telefónicas. El amigo Tsai sabe convertir espacios asépticos, impersonales, sin encanto, en elementos estéticos y atmosféricos, extrae una cualidad poética de lo feo, de lo cutre. A través del agua representa la soledad y el distanciamiento. El suyo es un cine muy físico, hecho con nada, no hay música, no hay nada visualmente apabullante... nada más que una confianza absoluta en sus imágenes, en el eco que dejan, en lo que podemos entrever en ellas, obtiene lo máximo de cada movimiento, de cada sonido (esa escena de seducción del principio, genial). Y mucho ojo, que abundan momentos de un humor muy absurdo; por ejemplo, los peculiares usos de un melón.

Una especie de cuento tragicómico, con el sello característico, el peculiar tempo, la capacidad de hermanar lo cotidiano y lo inesperado, lo anodino y lo insólito, de uno de esos cineastas empeñados en arañar el alma humana.


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UN EXTRAÑO VUELVE A CASA (The Unholy Four, 1954 -Terence Fisher)


Notable thriller de serie B especialmente logrado en su primera mitad, donde un marido dado por muerto (William Sylvester) vuelve a casa, se encunetra con su viuda (madura Paulette Goddard) y provoca todo un vendaval de acciones y conspiraciones (incluído el asesinato). La película, una intriga que deriva casi en un whodoit en su segunda mitad, piierde algo de fuelle en su desenlace, pero muestra una puesta en escena sobria y elegante de un Terence Fisher a punto de darse a conocer como maestro del fantástico
 
Choses secrètes (2002), Les anges exterminateurs (2006) y À l'aventure (2008) de Jean-Claude Brisseau

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Estas tres películas forman una especie de trilogía temática que orbita alrededor de ciertos temas comunes como el deseo femenino, el ansia existencial, los límites de la representación, el mundo sobrenatural.... Brisseau se lanza completamente a la piscina y rueda los cuerpos consumidos por la pasión y la codicia de una manera que nunca resulta gratuita o pornográfica. Algunas de las escenas más eróticas que se hayan rodado nunca se encuentran aquí, pero esto es mucho más que unos simples softcores, pues Brisseau sabe cómo filmar el deseo y nunca hace un espectáculo de todo esto, pues Brisseau sabe cómo filmar el deseo y nunca hace un espectáculo de todo esto, ya que esas escenas explícitas están enredadas en un cúmulo de grandes ideas que responden a un propósito superior.

En Choses secrètes, una historia centrada en la dualidad femenina de la maestra-aprendiz que recorren juntas un camino lleno de hombres débiles y atormentados, ya se ve claramente esa doble influencia de Buñuel y Hitchcock que flota sobre el espectro de estos filmes. Aunque haya un evidente componente morboso en el film, Brisseau rueda con insólita pureza y curiosidad inocente estos cuerpos, respetando su intimidad y mostrándolos en todo su esplendor mientras que ellas van cayendo en la espiral de una sociedad capitalista punitiva y asfixiante. Fantástico el uso de la gama cromática, dotando a todo el conjunto de un gran expresionismo. En el cine de Brisseau todo es expresivo, aunque no todo sea bello. Atención a ese final con ecos de Eyes Wide Shut.

Les anges exterminateurs pasa también como un gran ejercicio de metaficción, basado libremente en la propia denuncia que sufrió Brisseau por tres actrices que le acusaran de engatusarlas para rodar escenas explícitas. Un director que lejos de amilanarse y hacer un filme convencional, trata de frente con el problema, introduciendo su propia voz en la narración y personificándose en un protagonista similar. Entonces aquí, al ya conocido relato de deseos y pasiones ocultas, se introduce la problemática de la representación del sexo en el cine, de sus límites y maneras de tratarla, a veces poco ortodoxas. Es la historia de un director preguntándose dónde están estos límites, que a la vez funciona como documental de la propia vida de Brisseau.

El mundo de Brisseau es uno donde el más allá está siempre al otro lado de la esquina en una narración que juega con lo fantasmagórico y sobrenatural. La semiótica espectral está presente en los tres filmes aquí comentados pero es algo especialmente obvio en À l'aventure, donde al relato de iniciación en placeres prohibidos y deseo de liberación de una vida monótona y alienada se le introduce un componente sobrenatural explícito que traspasa esa vida paralela para introducirse en la propia narración. Ecos de Rohmer se posan en las imágenes, en especial en todo lo que concierne al matemático/filósofo y sus conversaciones con Sandrine.
 
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Paisaje en la niebla, de Theo Angelopoulos

Dos niños emprenden un viaje a Alemania, en busca de un supuesto padre que vive allí y al cual nunca han llegado a conocer. Mi primer Angelopoulos; la historia de un viaje físico por parajes yermos, ciudades, carreteras, fábricas, presidido por el mal tiempo y por la huida constante hacia ninguna parte... todo ello es la viva imagen de la desolación y el reflejo de un viaje más profundo, de maduración y de descubrimiento doloroso, en busca de un origen incierto que le otorgue un sentido a la propia existencia. No importa la mentira, lo que mueve a los dos pequeñuelos es la fe, es el camino (parece decirnos el cineasta griego) y no la meta, lo que importa, lo que nos ofrece, en definitiva, un papel en la gran tragicomedia que es la historia. Los protagonistas parecen una excusa para hablar de todo esto, sin embargo, toda la película parece contagiada por el mundo, un tanto irracional y absurdo, de una infancia que termina quizás demasiado pronto.

Niños perdidos, decadencia, sufrimiento... el tema es digno de cualquier culebrón de sobremesa, pero el envoltorio es de culo de titanio reforzado; la narración, cada vez más dispersa, entre anécdota y anécdota, cada vez más tenue el hilo conductor. Hay elementos crípticos (la mano gigante saliendo del agua), contrastes (el jolgorio de una boda y la muerte de un caballo en la nieve), encuentros con ángeles (el motero) y con demonios (el camionero)... queda desarticulado así cualquier tópico tremendista y almibarado de género, sin dejar de lado la crudeza. Me topo con unos encuadres de gran elaboración y mucha profundidad, con planos-secuencia concebidos circularmente, con un tempo dilatado conforme a la propia idea de viajar y de errar sin encontrarse. Y ya, si eso, con un trasfondo social jodido, sobre guerras, fronteras y pasados traumáticos. Llega el final; tal vez han hallado esa patria espiritual que tanto anhelan, o tal vez no.

Una fábula llena de luz y de oscuridad, una pelicula pausada, sutil, a lo mejor un poco impostada por momentos... en cualquier caso, hay todo un talento detrás, y eso lo notas.


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MEMORIA LETAL (THE LONG KISS GODNIGHT) Renny Harlin 1996

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Curiosa y muy tipica peli de accion de los 90 made in Harlin con todos sus topicos y ticks de camara... a veces parece que estes viendo la accion de La Jungla 2. El guion de Shane Black se adelanta en el tiempo con toques de pelis posteriores que si lograrian el exito.

El tema del espia desmemoriado... Bourne... o femina protagonista que busca recuperar/salvar a su hija... La Novia de Kill Bill.

Profetico tambien que la propia CIA planee un auto atentado que culpabilice a terroristas islamicos para que les den mas presupuesto.
 
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