Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
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Upperseven
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EL MURCIÉLAGO DIABÓLICO (The Devil Bat, 1940 -Jean Yarbrough)
Uno de los films que ya marcaron el declive de Bela Lugosi a la largo de la década de los cuarenta, en una producción de la PRO (la productora más barata de Hollywood y donde el gran Edgar G. Ulmer rodó algunas obras maestras). El film muestra las andanzas de un mad doctor -interpretado por el actor húngaro con su habitual energía- que crea una raza de murciélagos gigantes (se les ven los cables en más de una ocasión) para vengarse de una empresa que lo engañó. Producción muy barata, pero graciosa, se deja ver especialmente por el encanto primitivo de todo el meollo y evidentemente la presencia de su carismático protagonista
DRACULA: PAGES FROM A VIRGIN´S DIARY (2002, -Guy Maddin)
Pretenciosa mezcla de danza filmada y film mudo rodada por Guy Maddin una puesta en escena a ratos fascinante pero que va disolviendo el efecto sorpresa conforme pasan los minutos de metraje. Y es que no se puede negar que la propuesta estética (que bebe de todo: Del Expresionismo al experimentalismo) a veces funciona muy bien -especialmente cuando la historia se narra olvidando los aspectos coreográficos- pero en otros momentos deja ver de modo descarado sus propias trampas, en un artefacto que es un quiero y no puedo que funciona por secuencias, pero no como un todo completo
Uno de los films que ya marcaron el declive de Bela Lugosi a la largo de la década de los cuarenta, en una producción de la PRO (la productora más barata de Hollywood y donde el gran Edgar G. Ulmer rodó algunas obras maestras). El film muestra las andanzas de un mad doctor -interpretado por el actor húngaro con su habitual energía- que crea una raza de murciélagos gigantes (se les ven los cables en más de una ocasión) para vengarse de una empresa que lo engañó. Producción muy barata, pero graciosa, se deja ver especialmente por el encanto primitivo de todo el meollo y evidentemente la presencia de su carismático protagonista
DRACULA: PAGES FROM A VIRGIN´S DIARY (2002, -Guy Maddin)
Pretenciosa mezcla de danza filmada y film mudo rodada por Guy Maddin una puesta en escena a ratos fascinante pero que va disolviendo el efecto sorpresa conforme pasan los minutos de metraje. Y es que no se puede negar que la propuesta estética (que bebe de todo: Del Expresionismo al experimentalismo) a veces funciona muy bien -especialmente cuando la historia se narra olvidando los aspectos coreográficos- pero en otros momentos deja ver de modo descarado sus propias trampas, en un artefacto que es un quiero y no puedo que funciona por secuencias, pero no como un todo completo
Upperseven
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LE LLAMABAN LA MADRINA (1973 -Mariano Ozores)
Uno de los ejemplares de comedia subdesarrollada que rodaba Ozores en la década de los setenta, producto muy mediocre y al servicio de Lina Morgan (aquí en el papel de la hija de un ladrón que decide ayudar a la policía). Adema´s de un guión esquemático e infantil, el film adolece de una puesta en escena muy torpona, erotismo de estar por casa y -como a veces pasa en las comedias chuscas de Ozores- algun momento inspirado que no se sabe como surgió
Uno de los ejemplares de comedia subdesarrollada que rodaba Ozores en la década de los setenta, producto muy mediocre y al servicio de Lina Morgan (aquí en el papel de la hija de un ladrón que decide ayudar a la policía). Adema´s de un guión esquemático e infantil, el film adolece de una puesta en escena muy torpona, erotismo de estar por casa y -como a veces pasa en las comedias chuscas de Ozores- algun momento inspirado que no se sabe como surgió
Upperseven
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LA PIEL (La Pelle, 1980 -Liliana Cavani)
Adaptación algo libre de la célebre obra de Curzio Malaparte sobre los días de la liberación de Napoles en la Segunda Guerra Mundial por parte de los Americanos y el ascenso de estos hacia Roma. Muy bien rodada y con un gran diseño de producción, incluida la gran música de Lalo Schifrin. La película ofrece a la polémica directora Liliana Cavani la oportunidad de hacer un retrato/fresco de la Italia destruida y humillada de aquellos tiempos...Ello da pie a un film descompensado pero muy impactante, en el que los episodios que va narrando combinan lo brillante con lo ridículo, aunque casi siempre prima lo primero. No se puede negar que hay una cierta tendencia la trazo grueso, al efectismo y al sensacionalismo...Pero también es cierto que la posguerra no es una fiesta infantil, lo que permite a la la directora ofrecer imágenes de una verdad y una crudeza desoladoras, como el final con el que cierra este film.
Adaptación algo libre de la célebre obra de Curzio Malaparte sobre los días de la liberación de Napoles en la Segunda Guerra Mundial por parte de los Americanos y el ascenso de estos hacia Roma. Muy bien rodada y con un gran diseño de producción, incluida la gran música de Lalo Schifrin. La película ofrece a la polémica directora Liliana Cavani la oportunidad de hacer un retrato/fresco de la Italia destruida y humillada de aquellos tiempos...Ello da pie a un film descompensado pero muy impactante, en el que los episodios que va narrando combinan lo brillante con lo ridículo, aunque casi siempre prima lo primero. No se puede negar que hay una cierta tendencia la trazo grueso, al efectismo y al sensacionalismo...Pero también es cierto que la posguerra no es una fiesta infantil, lo que permite a la la directora ofrecer imágenes de una verdad y una crudeza desoladoras, como el final con el que cierra este film.
Harkness_666
Son cuatro
Misterio en la isla de los monstruos, de Juan Piquer Simón
Libre adaptación de una novela de Julio Verne a cargo del amigo “J. P. Simon”, que suena como más internacional.
Naufragios y tesoros ocultos, encuentros con indígenas amenazantes y con criaturas prehistóricas... aquí hay un amor incondicional por las historias de aventuras a la vieja usanza, por la fantasía ligera y las novelitas de kiosko, siendo una película infame, topicaza, con unos efectos especiales indignos de tal nombre, pero entrañable en definitiva. Me quedo sin dudarlo con los dinosaurios de corcho-pan y con esas criaturas-alga que son señores con cuatro trapos por encima. Diría que la mitad del metraje consiste en gente corriendo de un lado a otro y encontrándose con bichos a cada cual más cutre, que ya es bastante.
Qué maravilla ver en este tinglado a Peter Cushing y a Terence Stamp, compartiendo escena con... Ana Obregón. O a uno de esos secundarios irritantes y supuestamente cómicos que es toda una caricatura humana, acompañado de un mono muy simpático. O alguna que otra ocurrencia genial, de pura psicotronía, como esa impagable gatling bananera. Pero lo mejor sin duda es un giro final que viene a decir lo siguiente, “vale, esto es una cutrada como un piano, lo sabemos, pero al menos lo justificamos...”. Y es que hay algo muy tontorrón, algo de una profunda ingenuidad infantil, tras tamaño despropósito.
Un truño de los que hacen época, pero lo que te puedes reír durante el visionado es algo que no está escrito.
Libre adaptación de una novela de Julio Verne a cargo del amigo “J. P. Simon”, que suena como más internacional.
Naufragios y tesoros ocultos, encuentros con indígenas amenazantes y con criaturas prehistóricas... aquí hay un amor incondicional por las historias de aventuras a la vieja usanza, por la fantasía ligera y las novelitas de kiosko, siendo una película infame, topicaza, con unos efectos especiales indignos de tal nombre, pero entrañable en definitiva. Me quedo sin dudarlo con los dinosaurios de corcho-pan y con esas criaturas-alga que son señores con cuatro trapos por encima. Diría que la mitad del metraje consiste en gente corriendo de un lado a otro y encontrándose con bichos a cada cual más cutre, que ya es bastante.
Qué maravilla ver en este tinglado a Peter Cushing y a Terence Stamp, compartiendo escena con... Ana Obregón. O a uno de esos secundarios irritantes y supuestamente cómicos que es toda una caricatura humana, acompañado de un mono muy simpático. O alguna que otra ocurrencia genial, de pura psicotronía, como esa impagable gatling bananera. Pero lo mejor sin duda es un giro final que viene a decir lo siguiente, “vale, esto es una cutrada como un piano, lo sabemos, pero al menos lo justificamos...”. Y es que hay algo muy tontorrón, algo de una profunda ingenuidad infantil, tras tamaño despropósito.
Un truño de los que hacen época, pero lo que te puedes reír durante el visionado es algo que no está escrito.
Wontnerman
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- La vi en el cine. Confesión: al salir del cine yo quería ser Thomas Artelect en vez del prota del pelo Pantene... eso es decir mucho. 
Impagable doblaje histérico, so British de Rafael Penagos, con el mismo timbre de voz que poco después pondría para doblar al inspector Dix en las aventuras de Williy Fogg ("¡Correeee Bully!") que es perfecto para reflejar al personaje corriendo perseguido por los monstruos.
Para el recuerdo, la secuencia de los hombres alga hecha con cuatro duros
.
Y el anterior ataque de los monstruos marinos en el barco
Por cierto, temazo de "Regaliz" para la banda sonora.
Impagable doblaje histérico, so British de Rafael Penagos, con el mismo timbre de voz que poco después pondría para doblar al inspector Dix en las aventuras de Williy Fogg ("¡Correeee Bully!") que es perfecto para reflejar al personaje corriendo perseguido por los monstruos.
Para el recuerdo, la secuencia de los hombres alga hecha con cuatro duros
.Y el anterior ataque de los monstruos marinos en el barco
Por cierto, temazo de "Regaliz" para la banda sonora.
Upperseven
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EL ARMA SECRETA (The Secret Weapon, 1943 -Roy William Neill)
Como a veces pasaba en la serie de films de Sherlock Holmes interpretados por Basil Rathbone y Nigel Bruice, en esta ocasión la acción es contemporánea, aprovechando los entresijos de la Segunda Guerra Mundial y en esta ocasión centrándose en el maléfico Moriarty -en esta ocasión lo encarna Lionel Atwill- que tiene entre sus planes secuestrar a un científico británico que ha creado una nueva mira de bombardero para atacar al ejército alemán. No especialmente brillante, pero un entretenimiento eficaz dirigido por el habitual Roy William Neill
CAMPANADAS A MEDIANOCHE (Chimes At Midnight, 1965 -Orson Welles)
Rodada en España en una estrambótica coproducción y con una banda sonora inmortal de Angelo Francesco Lavagnino estamos ante una monumental obra cinematográfica de Orson Welles que en un declarado acto de amor a William Shakespeare decidió mezclar/adaptar varias obras del eterno escritor: "Enrique IV", "Enrique V", "Las alegres comadres de Windsor" y "Ricardo II". El resultado, es además de una obra redonda que hubiese firmado en texto su escritor original un ejemplo de como el actor/director era capaz de crear algo único, original y rodarlo de modo distinto y diferente (Welles era y fue siempre único ante el resto, una o dos escalas por encima) a pesar de no contar con grandes medios cinematográficos. Para ello la puesta en escena exprime al máximo la fuerza de los planos y las composiciones, amén de dar lecciones de como rodar secuencias de batalla con una fuerza expresiva contundente
Como a veces pasaba en la serie de films de Sherlock Holmes interpretados por Basil Rathbone y Nigel Bruice, en esta ocasión la acción es contemporánea, aprovechando los entresijos de la Segunda Guerra Mundial y en esta ocasión centrándose en el maléfico Moriarty -en esta ocasión lo encarna Lionel Atwill- que tiene entre sus planes secuestrar a un científico británico que ha creado una nueva mira de bombardero para atacar al ejército alemán. No especialmente brillante, pero un entretenimiento eficaz dirigido por el habitual Roy William Neill
CAMPANADAS A MEDIANOCHE (Chimes At Midnight, 1965 -Orson Welles)
Rodada en España en una estrambótica coproducción y con una banda sonora inmortal de Angelo Francesco Lavagnino estamos ante una monumental obra cinematográfica de Orson Welles que en un declarado acto de amor a William Shakespeare decidió mezclar/adaptar varias obras del eterno escritor: "Enrique IV", "Enrique V", "Las alegres comadres de Windsor" y "Ricardo II". El resultado, es además de una obra redonda que hubiese firmado en texto su escritor original un ejemplo de como el actor/director era capaz de crear algo único, original y rodarlo de modo distinto y diferente (Welles era y fue siempre único ante el resto, una o dos escalas por encima) a pesar de no contar con grandes medios cinematográficos. Para ello la puesta en escena exprime al máximo la fuerza de los planos y las composiciones, amén de dar lecciones de como rodar secuencias de batalla con una fuerza expresiva contundente
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davimo
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Dick Tracy (Warren Beatty, 1990)
Esta peli la vi de joven y, por decirlo suave, me decepcionó mucho. Poco a poco la fui hundiendo en la memoria hasta que desapareció completamente.
Y ahi es donde se tenía que haber quedado
A raiz de Batman, a alguien se le ocurrió oferecerle una ingente monton de pasta a Warrem Beatty cuando se ve que aún tenía algo de nombre.
El bueno de Warren no dudó en malgastarla en uno de los mejores directores de fotografía, un diseño de producción fastuoso y un monton de Actores irrreconocibles, o en algunos casos, que es peor, en sus peores caracterizaciones que hicieron nunca. Hablemos claro: Dustin Hoffman y Al pacino. Uno haciendo de Rain Man, otro haciendo, posblemente la caracterización más histrionica que nunca ha hecho. Me imagino que en la dirección de actores influyo el Jocker de Jack Nicholson. A Madonna ni la nombro.
Luego, supongo, no le quedó dinero para el guión y penso que era lo menos importante.
Solo se salva la foto de Vittorio Storaro. El resto es un Sindiós importante que no aguanta ni como "placer oculto". De mirar el reloj cada 5 minutos.
Sorel
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EL ARMA SECRETA (The Secret Weapon, 1943 -Roy William Neill)
Como a veces pasaba en la serie de films de Sherlock Holmes interpretados por Basil Rathbone y Nigel Bruice, en esta ocasión la acción es contemporánea
Salvo las dos primeras rodadas para 20th Century Fox, TODAS, las doce restantes realizadas para Universal, son contemporaneas. Tambien son series b (aunque maravillosas) en comparación con los grandes presupuestos de las dos de 20th Century.
GROUCHO
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CAMPANADAS A MEDIANOCHE (Chimes At Midnight, 1965 -Orson Welles)
Rodada en España en una estrambótica coproducción y con una banda sonora inmortal de Angelo Francesco Lavagnino estamos ante una monumental obra cinematográfica de Orson Welles que en un declarado acto de amor a William Shakespeare decidió mezclar/adaptar varias obras del eterno escritor: "Enrique IV", "Enrique V", "Las alegres comadres de Windsor" y "Ricardo II". El resultado, es además de una obra redonda que hubiese firmado en texto su escritor original un ejemplo de como el actor/director era capaz de crear algo único, original y rodarlo de modo distinto y diferente (Welles era y fue siempre único ante el resto, una o dos escalas por encima) a pesar de no contar con grandes medios cinematográficos. Para ello la puesta en escena exprime al máximo la fuerza de los planos y las composiciones, amén de dar lecciones de como rodar secuencias de batalla con una fuerza expresiva contundente
Campanadas a medianoche creo que es la película que mejor describe a Orson Welles. Es la obra de un genio, un derroche de talento sin límite. Coger a Shakespeare, adaptar varias obras y acabar haciéndolo tuyo; y como dices que el texto final no parezca un corta-pega sino un texto propio y con entidad. Coger un personaje como Falstaff y recrear un arquetipo bufonesco que hunde sus raíces hasta lo más profundo del sentido carnavalesco de la existencia, y además interpretarlo de forma excepcional. Y luego encima tienes 4 duros, coges a media docena de tipos y tres caballos y te vas a la Casa de Campo una tarde... Y te cascas la mejor secuencia de batalla old-school que se ha rodado jamás. Y luego me imagino que a cenar a casa Botín, zamparte un cochinillo y tres de tinto y a esperar a ver si alguien me presta algo para la próxima.... Menuda bestialidad de individuo...
Les rendez-vous d'Anna (1978) de Chantal Akerman
El poder del cine de Akerman proviene en gran parte de su preciso découpage. El trabajo de planificación y estructuración del film en planos de alto esmero compositivo y su relación con otros en pequeños bloques de tiempo. Es una cineasta que presta especial atención a la geometría del espacio y a la simetría de los elementos. Las películas de Akerman nos muestran hasta cierto punto la realidad más bruta, podemos sentir el mundo y las personas que habitan en él, pero detrás de cada plano se esconde un misterio, una puerta hacia lo desconocido.
Este es un film de viajes, de pequeñas estancias en hoteles, poseedor de una obvia relación con la propia vida de la cineasta, con idilios pasajeros y hombres confesores ante una mujer, directora de cine también, que parece distanciada y a la vez necesitada de todo el amor del mundo (bellísima confesión nocturna a su madre). La madre como epicentro del cine de la cineasta belga, que ronda los metrajes como una presencia fantasmal, incluso aunque no aparezca en ningún plano, a la manera de un ángel guardián. Como todos los grandes films, es también un agudo retrato de su tiempo y un documento del momento de su rodaje. Podemos ver y oír con exactitud las calles, el tráfico, las gentes, que parecen interponerse al propio drama o transformarse en la propia materia que le interesa a Akerman: conversaciones en tren que se detienen para observar desde la ventanilla los andenes que van desapareciendo. El gusto por capturar lo real, por organizar el ruido de una ciudad o el caos de la vida moderna en pequeños fragmentos espacio-temporales que intenten dar un sentido a una alienación y falta de propósitos que van en incremento.
El verdadero cine de la clase obrera, habituado a sus ritmos de vida y a sus tiempos, para nada frío ni distanciado. En su exactitud y gran esmero pictórico se encuentra un gran mural de la vida de una mujer algo desconectada del mundo pero ansiando encontrar un punto de anclaje.
El poder del cine de Akerman proviene en gran parte de su preciso découpage. El trabajo de planificación y estructuración del film en planos de alto esmero compositivo y su relación con otros en pequeños bloques de tiempo. Es una cineasta que presta especial atención a la geometría del espacio y a la simetría de los elementos. Las películas de Akerman nos muestran hasta cierto punto la realidad más bruta, podemos sentir el mundo y las personas que habitan en él, pero detrás de cada plano se esconde un misterio, una puerta hacia lo desconocido.
Este es un film de viajes, de pequeñas estancias en hoteles, poseedor de una obvia relación con la propia vida de la cineasta, con idilios pasajeros y hombres confesores ante una mujer, directora de cine también, que parece distanciada y a la vez necesitada de todo el amor del mundo (bellísima confesión nocturna a su madre). La madre como epicentro del cine de la cineasta belga, que ronda los metrajes como una presencia fantasmal, incluso aunque no aparezca en ningún plano, a la manera de un ángel guardián. Como todos los grandes films, es también un agudo retrato de su tiempo y un documento del momento de su rodaje. Podemos ver y oír con exactitud las calles, el tráfico, las gentes, que parecen interponerse al propio drama o transformarse en la propia materia que le interesa a Akerman: conversaciones en tren que se detienen para observar desde la ventanilla los andenes que van desapareciendo. El gusto por capturar lo real, por organizar el ruido de una ciudad o el caos de la vida moderna en pequeños fragmentos espacio-temporales que intenten dar un sentido a una alienación y falta de propósitos que van en incremento.
El verdadero cine de la clase obrera, habituado a sus ritmos de vida y a sus tiempos, para nada frío ni distanciado. En su exactitud y gran esmero pictórico se encuentra un gran mural de la vida de una mujer algo desconectada del mundo pero ansiando encontrar un punto de anclaje.
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Upperseven
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DE TAL PADRE, TAL HIJO (Soshite chichi ni naru Like Father, -Hirokazu Koreeda) Like Son, 2013 -
Notable drama japonés que sitúa el conflicto en el descubrimiento de dos niños que viven con padres equivocados y el intento que se hace de que vuelvan a vivir con sus familias originales...El film, muy bien rodado, tal vez es un poco extenso en su metraje, pero juega con la baza de una buena puesta en escena y especialmente un conjunto de actores (especialmente los niños) que bordan sus papeles
REDENCIÓN (Tyrannosaur, 2011 -Paddy Considine)
Drama seco y contundente en torno a la relación entre una mujer maltratada por su marido (Olivia Colman y Eddie Marsan) y un padre de familia con graves problemas de alcohol y violencia (inmenso Peter Mullan)...El film, aporta una visión seca, descarnada y muy poco complaciente sobre la Inglaterra profunda y los personajes que pululan en ella, además de contener muy buenas interpretaciones y un final sorpresa que se agradece
LOCA OBSESIÓN (All About Steve, 2009 -Phil Traill)
Comedia bastante simpática, curiosa y siempre entonada, que bajo el tono de una intriga romántica deja entrever algo más de mala baba y un final poco complaciente que la sitúa por encima de lo esperado...Además de mantener una buena química entre sus dos protagonistas principales: Sandra Bullock en un excelente rol de mujer con tendencias obsesivas y el talentoso Bradley Cooper
Notable drama japonés que sitúa el conflicto en el descubrimiento de dos niños que viven con padres equivocados y el intento que se hace de que vuelvan a vivir con sus familias originales...El film, muy bien rodado, tal vez es un poco extenso en su metraje, pero juega con la baza de una buena puesta en escena y especialmente un conjunto de actores (especialmente los niños) que bordan sus papeles
REDENCIÓN (Tyrannosaur, 2011 -Paddy Considine)
Drama seco y contundente en torno a la relación entre una mujer maltratada por su marido (Olivia Colman y Eddie Marsan) y un padre de familia con graves problemas de alcohol y violencia (inmenso Peter Mullan)...El film, aporta una visión seca, descarnada y muy poco complaciente sobre la Inglaterra profunda y los personajes que pululan en ella, además de contener muy buenas interpretaciones y un final sorpresa que se agradece
LOCA OBSESIÓN (All About Steve, 2009 -Phil Traill)
Comedia bastante simpática, curiosa y siempre entonada, que bajo el tono de una intriga romántica deja entrever algo más de mala baba y un final poco complaciente que la sitúa por encima de lo esperado...Además de mantener una buena química entre sus dos protagonistas principales: Sandra Bullock en un excelente rol de mujer con tendencias obsesivas y el talentoso Bradley Cooper
Upperseven
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LOS TRES MOSQUETEROS (The Three Musketeers, 1973 -Richard Lester)
Versión setentera de la célebre obra de Alejandro Dumas producida por el clan Salkind justo unos años antes de sumergirse en el proyecto de "Superman" y todo un éxito de taquilla en aquellos tiempos. Los resultados son vistosos, especialmente por un reparto que quita el hipo, un diseño de producción espectacular (el film fue rodado íntegramente en España) y la gloriosa fotografía de David Watkin...Pero también el film juega a las cartas de la parodía y el humor marca de la casa -dirigía Richard Lester, casi especialista en dar una impronta desmitificadora a todo lo que tocaba- con resultados algo descompensados e irregulares. Fue seguida de una secuela rodada en continuidad con este primer film
Versión setentera de la célebre obra de Alejandro Dumas producida por el clan Salkind justo unos años antes de sumergirse en el proyecto de "Superman" y todo un éxito de taquilla en aquellos tiempos. Los resultados son vistosos, especialmente por un reparto que quita el hipo, un diseño de producción espectacular (el film fue rodado íntegramente en España) y la gloriosa fotografía de David Watkin...Pero también el film juega a las cartas de la parodía y el humor marca de la casa -dirigía Richard Lester, casi especialista en dar una impronta desmitificadora a todo lo que tocaba- con resultados algo descompensados e irregulares. Fue seguida de una secuela rodada en continuidad con este primer film
Robot Monster (Phil Tucker. 1953)
una de las películas más extravagantes y locas que uno se puede echar a la cara, mítica en su bajo presupuesto basicamente por el vestuario del marciano ¿es todo una puta broma? y situaciones absurdas.. el caso es que es extraña hasta para ser mala, se aleja del canon ci·fi, tiene unos diálogos extraterrestres para enmarcar, encima con entonación shakesperiana, con dudas morales incomprensibles... entre medias ese disfraz provocador -gorila con casco de astronauta- y momentos para el recuerdo (el monstruo andando cuesta abajo mientras se va refrenando los pies, no vaya a ser que se pise el traje y se caiga cuesta abajo
)
L'enfance nue (Maurice Pialat. 1968)
y de una peli muy mala a una demasiado buena, seguramente lo mejor que yo haya visto este verano, Pialat recrea.. ¿documenta? un periodo en la vida de un chico adoptado por varias familias sin acabar de encontrar su lugar en el mundo, todos los actores sin excepción están soberbios y la cinta es muy tierna, dura, cruda, natural, uno no sabe dónde empieza y acaba la ficción; al final, de forma muy sencilla y sin darte cuenta, acabas de ver una cinta fundamental sobre la vida, la infancia, el hogar, los sentimientos... enorme y emocionante
una de las películas más extravagantes y locas que uno se puede echar a la cara, mítica en su bajo presupuesto basicamente por el vestuario del marciano ¿es todo una puta broma? y situaciones absurdas.. el caso es que es extraña hasta para ser mala, se aleja del canon ci·fi, tiene unos diálogos extraterrestres para enmarcar, encima con entonación shakesperiana, con dudas morales incomprensibles... entre medias ese disfraz provocador -gorila con casco de astronauta- y momentos para el recuerdo (el monstruo andando cuesta abajo mientras se va refrenando los pies, no vaya a ser que se pise el traje y se caiga cuesta abajo
)L'enfance nue (Maurice Pialat. 1968)
y de una peli muy mala a una demasiado buena, seguramente lo mejor que yo haya visto este verano, Pialat recrea.. ¿documenta? un periodo en la vida de un chico adoptado por varias familias sin acabar de encontrar su lugar en el mundo, todos los actores sin excepción están soberbios y la cinta es muy tierna, dura, cruda, natural, uno no sabe dónde empieza y acaba la ficción; al final, de forma muy sencilla y sin darte cuenta, acabas de ver una cinta fundamental sobre la vida, la infancia, el hogar, los sentimientos... enorme y emocionante
Sorel
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Más que una secuela, los actores se enteraron de que la pelicula que habían firmado se iba a dividir en dos y denunciaron a Salkind para que les pagara por las dos peliculas que iban a sacar a cambio. De ahí nació la en el sindicato de actores la "clausula salkind", que obliga los contratos a especificar cuantas peliculas van a realizarse de un material rodado.
Hay una tercera a finales de los ochenta, con el equipo y reparto identico, adaptando Veinte Años Despues, titulada El Regreso de lso Mosqueteros.
Hay una tercera a finales de los ochenta, con el equipo y reparto identico, adaptando Veinte Años Despues, titulada El Regreso de lso Mosqueteros.
Upperseven
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SALÓ O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975 -Pier Paolo Passolini)
El último film dirigido por Pier Paolo Passolini antes de su trágica muerte (en extrañas y aun no del todo aclaradas circunstancias). El film, mezcla realidad histórica y una adaptación de relatos del Marqués de Sade, de una crudeza inusitada, muestra las atrocidades de un grupo de fascistas Italianos que en la República de Saló decide atrapar a un grupo de nueve chicas y nueve chicos y someterlos a todo tipo de vejaciones y humillaciones en un descenso a los infiernos (de hecho la película se divide en partes : Anteinfierno y 3 círculos, con un epílogo o círculos tales como: El círculo de la mierda. No es desdeñable, ni la película atroz que había leído por ahí, no se puede negar que estamos ante un film muy contundente, rodado con una puesta en escena elegante que choca con al crudeza de lo que vemos, pero que para mi gusto peca de una obviedad enorme en el discurso de lo que quiere denunciar, en este caso la denuncia a los fascismos y la crueldad sin límites del ser humano
El último film dirigido por Pier Paolo Passolini antes de su trágica muerte (en extrañas y aun no del todo aclaradas circunstancias). El film, mezcla realidad histórica y una adaptación de relatos del Marqués de Sade, de una crudeza inusitada, muestra las atrocidades de un grupo de fascistas Italianos que en la República de Saló decide atrapar a un grupo de nueve chicas y nueve chicos y someterlos a todo tipo de vejaciones y humillaciones en un descenso a los infiernos (de hecho la película se divide en partes : Anteinfierno y 3 círculos, con un epílogo o círculos tales como: El círculo de la mierda. No es desdeñable, ni la película atroz que había leído por ahí, no se puede negar que estamos ante un film muy contundente, rodado con una puesta en escena elegante que choca con al crudeza de lo que vemos, pero que para mi gusto peca de una obviedad enorme en el discurso de lo que quiere denunciar, en este caso la denuncia a los fascismos y la crueldad sin límites del ser humano
LOS TRES MOSQUETEROS (The Three Musketeers, 1973 -Richard Lester)
Versión setentera de la célebre obra de Alejandro Dumas producida por el clan Salkind justo unos años antes de sumergirse en el proyecto de "Superman" y todo un éxito de taquilla en aquellos tiempos. Los resultados son vistosos, especialmente por un reparto que quita el hipo, un diseño de producción espectacular (el film fue rodado íntegramente en España) y la gloriosa fotografía de David Watkin...Pero también el film juega a las cartas de la parodía y el humor marca de la casa -dirigía Richard Lester, casi especialista en dar una impronta desmitificadora a todo lo que tocaba- con resultados algo descompensados e irregulares. Fue seguida de una secuela rodada en continuidad con este primer film
Precisamente la tengo para ver, en la cola, pensaba verla este fin de semana... ahora con más ganas
PD: ¿Richard Lester, desmitificador? ¿Donde?
Sorel
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LOS TRES MOSQUETEROS (The Three Musketeers, 1973 -Richard Lester)
Versión setentera de la célebre obra de Alejandro Dumas producida por el clan Salkind justo unos años antes de sumergirse en el proyecto de "Superman" y todo un éxito de taquilla en aquellos tiempos. Los resultados son vistosos, especialmente por un reparto que quita el hipo, un diseño de producción espectacular (el film fue rodado íntegramente en España) y la gloriosa fotografía de David Watkin...Pero también el film juega a las cartas de la parodía y el humor marca de la casa -dirigía Richard Lester, casi especialista en dar una impronta desmitificadora a todo lo que tocaba- con resultados algo descompensados e irregulares. Fue seguida de una secuela rodada en continuidad con este primer film
Precisamente la tengo para ver, en la cola, pensaba verla este fin de semana... ahora con más ganas
PD: ¿Richard Lester, desmitificador? ¿Donde?
"¿Porqué?"
"Te amo. Te amo más que a todo, más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana o que a la paz, más que a nuestros alimentos. Te amo más que al amor o a la alegría o a la vida entera. Te amo más que a Dios»
"Donde caiga la flecha, John, colócanos juntos y déjanos allí."
ADORO esta pelicula.
Upperseven
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"Robin y Marian" está muy bien, no tanto por la puesta en escena de Lester, que siempre fue justito, y que también trata de quitarle mítica a todo (solo hay que ver la aparición de Richard Harris al principio) sino por un guión increíble, la melancólica bso de John Barry y unos actores maravillosos. Mi favorita de Lester junto con "Juggernaut" y "The Knack"
Sorel
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La puesta en escena en esa pelicula es pura perfección. Igual que su mezcla de humor y seriedad, desmitificación y mitificacion. De Lester, además de Jugernaut, Los Mosqueteros y Knack, Superman II es gloriosa, igual que Petulia y Something...to the way to the Forum. Por no hablar de las dos joyas con los Beatles.
Upperseven
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Son opiniones, para mi Lester es muy justito (incluso cutre) en lo visual
SIERRA BARÓN (1958, -James B. Clark)
Western bastante discreto, una serie B sencilla sin demasiadas sorpresas (tal vez ver a Brian Keith en pleno ascenso a la fama), dirigido por un autor que no brilla demasiado, pero que tiene eso si una variación argumental curiosa: Nada menos que el conflicto entre los propietarios mexicanos de tierra en Texas y los recién llegados americanos que trataban de pasarse la ley y al justicia por el forro.
SIERRA BARÓN (1958, -James B. Clark)
Western bastante discreto, una serie B sencilla sin demasiadas sorpresas (tal vez ver a Brian Keith en pleno ascenso a la fama), dirigido por un autor que no brilla demasiado, pero que tiene eso si una variación argumental curiosa: Nada menos que el conflicto entre los propietarios mexicanos de tierra en Texas y los recién llegados americanos que trataban de pasarse la ley y al justicia por el forro.
es que Robin y Marian sobresale muy por encima, igual se la hizo su primo.
Cuando los mundos chocan (Rudolph Maté. 1951)
simpática cinta entre el cine de catástrofes y la ciencia ficción, aunque algo rudimentaria en su guión plantea cuestiones morales interesantes cuando un cuerpo celeste amenaza la Tierra y algunos de sus habitantes planean una fuga a otro lugar; tiene un logrado diseño de producción y un dramático final; lo malo, algún personaje planteando imbecilidades y cierta sensación de pobreza; para terminar su encantadora aunque incomprensible escena final ¿formas geométricas humanas en el planeta de visita? ¿y nadie comenta nada en la expedición? me temo que hubo algún descontrol en la post-producción de la peli.. sin embargo, está muy bien como sugerencia....
Teen Kanya / Three Daughters (Satyajit Ray. 1961)
uno de los mejores Ray ocultos, durante un tiempo recortada en su metraje y poco conocida; tres historias independientes centradas en 3 féminas, una niña, una adolescente y una mujer, esta última historia es la más floja pero las otras dos son una joyaza, conmovedor estudio sociológico de la India pero sin excesos, además el estilo del indio aquí es pletórico, el río, el campo, las habitaciones... menudas composiciones, de paso tiene una escena en un columpio tan maravillosa como el otro columpio más famoso del cine, el de Vivir, de Kurosawa... en este caso sería la pura definición de la LIBERTAD; muy recomendable, eso sí, dura tres horazas.
simpática cinta entre el cine de catástrofes y la ciencia ficción, aunque algo rudimentaria en su guión plantea cuestiones morales interesantes cuando un cuerpo celeste amenaza la Tierra y algunos de sus habitantes planean una fuga a otro lugar; tiene un logrado diseño de producción y un dramático final; lo malo, algún personaje planteando imbecilidades y cierta sensación de pobreza; para terminar su encantadora aunque incomprensible escena final ¿formas geométricas humanas en el planeta de visita? ¿y nadie comenta nada en la expedición? me temo que hubo algún descontrol en la post-producción de la peli.. sin embargo, está muy bien como sugerencia....
Teen Kanya / Three Daughters (Satyajit Ray. 1961)
uno de los mejores Ray ocultos, durante un tiempo recortada en su metraje y poco conocida; tres historias independientes centradas en 3 féminas, una niña, una adolescente y una mujer, esta última historia es la más floja pero las otras dos son una joyaza, conmovedor estudio sociológico de la India pero sin excesos, además el estilo del indio aquí es pletórico, el río, el campo, las habitaciones... menudas composiciones, de paso tiene una escena en un columpio tan maravillosa como el otro columpio más famoso del cine, el de Vivir, de Kurosawa... en este caso sería la pura definición de la LIBERTAD; muy recomendable, eso sí, dura tres horazas.
Última edición:
Upperseven
Miembro habitual
DOS EN LA CARRETERA (Two For The Road, 1966 -Stanley Donen)
Probablemente la cumbre de Stanley Donen en su faceta director/productor y en cualquier caso una de las joyas del cine comercial de los años sesenta que proponía (y propone) un análisis profundo y sin contemplaciones de la vida en pareja. Para ello el film utiliza una estructura de constantes juegos temporales y mosaico, en un juego de fondo y forma al que el espectador se acostumbra enseguida y en el que se perdonan algunas licencias estéticas típicas de aquella década especialmente por la maravillosa escritura de su guión (obra de Frederick Raphael), la inmortal y melancólica música de Henry Mancini y especialmente dos actores con química y en estado de gracia llamados Audrey Hepburn y Albert Finney.
Probablemente la cumbre de Stanley Donen en su faceta director/productor y en cualquier caso una de las joyas del cine comercial de los años sesenta que proponía (y propone) un análisis profundo y sin contemplaciones de la vida en pareja. Para ello el film utiliza una estructura de constantes juegos temporales y mosaico, en un juego de fondo y forma al que el espectador se acostumbra enseguida y en el que se perdonan algunas licencias estéticas típicas de aquella década especialmente por la maravillosa escritura de su guión (obra de Frederick Raphael), la inmortal y melancólica música de Henry Mancini y especialmente dos actores con química y en estado de gracia llamados Audrey Hepburn y Albert Finney.