Recomendaciones musicales para melómanos con orejeras. Spin-Off.

Ayer me pude escuchar todo el disco de George Cables que nos recomendaron desde Bilbao hace unos días: Icons & Influences.
Ya se habían ido las niñas a la cama y me quedé yo solo en el salón escuchándolo con los Koss. El disco estupendo, un piano con un dinamismo y una energía que no parece que estuviera en manos de un venerable músico de 69 años... :palmas :palmas :palmas

Me alegro de que te haya gustado. Un discazo que no me importa volver a recomendar una vez más.

Si te ha gustado ese, no dejes de probar el de Joe Lovano con Hank Jones... 88 años tenía en el concierto Mr. Jones y seguía en plena forma, como siempre con sus dos manos independientes al piano, una llevando la melodía y otra la línea de ritmo... es acojonante.

Y Mr. Lovano, mucho más joven, inspiradísimo con sus improvisaciones.

Y el Dizzy's Club... os puedo asegurar que es un lugar mágico.

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Si os gustó el álbum de Hartman y Coltrane, os encantará este otro en donde la poderosa voz de Hartman toma las riendas y el control de la melodía como sólo el sabía hacer.

En esta ocasión en lugar del saxo de Coltrane tenemos a Illinois Jacquet, aunque no todos los temas tienen al saxo como acompañante y podemos disfrutar de las guitarras de nada más y nada menos que Kenny Burrell y Jim Hall. La rítmica con el piano a cargo del "manco" habitual de mis últimas recomendaciones Hank Jones el bajo de Milt Hinton y las baquetas del gran Elvin Jones.

Precioso. Que lo disfrutéis.

Johnny Hartman: I Just Dropped by to Say Hello (1963, Impulse!)

http://open.spotify.com/album/1aJDAykuxNgAgknxgstBo1

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Ayer 11 de febrero Catherine Rusell lanzó en USA su nuevo álbum... y hoy ya lo tenemos en Spotify. Lo estoy escuchando ahora mismo y sigue en la línea de su anterior Strictly Romancin' con temas clásicos del cancionero americano, interpretados con mucho swing y sabor sureño, rodeada de una excelente banda, su excelente voz destaca por encima de todos ellos con claridad y es que estamos ante una de las grandes voces actuales.

Además, la grabación es de caerse de culo, así que... ¡a disfrutar!

Y si queréis averiguar el PRaT de vuestro equipo... directos al cuarto corte You Got To Swing And Sway

Catherine Rusell: Bring It Back (2014, Jazz Village / Harmonia Mundi)

http://open.spotify.com/album/4Hx5axN7HxCKRxSKYrAeaQ

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Blues acústico tradicional, con la guitarra y la voz de Lightnin' Hopkins en directo desde el Ash Grove... sin palabras.

Son tres sets distintos, los primeros cinco temas a cargo de Lightnin' Hopkins y - el primero son 4 minutos de introducción en un inglés complicado de seguir - los tres siguientes acompañado de Sonny Terry, Brownie McGhee y Big Joe Williams, y el tercer lote a cargo de Sonny Terry y Brownie McGhee.

El original es de Horizon Records y la edición en CD de DCC Compact Classics está cuidadísima, con una grabación que suena fenomenal y en donde puedes colocar con precisión a cada artista e instrumento en el escenario.

Lightnin' Hopkins: Blues Hoot (1961, Horizon Records)

http://open.spotify.com/album/6SEvYMxJxQDIFjBSjvBpIu

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Este es uno de esos discos para disfrutarlos con calma y paladearlos al anochecer, relajados en nuestro sillón favorito, disfrutando de la música como si estuviéramos tomando un buen whisky escocés o un buen armagnac, perfectos para comenzar el fin de semana sin sobresaltos.

Quizá Jimmy Forrest no sea tan conocido - me recuerda a Gene Ammons - pero desde luego en esta sesión muestra su buen hacer al saxo tenor como los mejores. Un saxo tenor cargado de blues desde el comienzo con su fantástico Bolo Blues, y que continúa por los mismos derroteros durante toda la sesión.

Le acompañan el piano de Joe Zawinul, el bajo de Tommy Potter y la batería de Clarence Johnston. Puro disfrute, sin sobresaltos.

Jimmy Forrest: Out of the Forrest (1961, Original Jazz Classics)

http://open.spotify.com/album/21UGs6y4l7ybBQfOGDNdqJ

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Esta mañana de sábado invernal con el cielo gris y afortunadamente sin lluvia, podemos acompañarla con un álbum como este de John Pizzarelli, que repasa estándares del cancionero americano con su voz melancólica y su guitarra acústica eléctrica en formato de trío acompañado de su hermano Martin al bajo y de Ray Kennedy al piano. En este caso además tienen también como artistas invitados a su padre Bucky a la guitarra acústica - todo queda en familia - el saxo tenor de Harry Allen, la trompeta de Randy Sandke y las baquetas de Joe Cocuzzo.

Jazz mainstream, muy neoyorquino sí, pero de calidad y muy agradable de escuchar. Un disco sin riesgo y sin sobresaltos.

John Pizzarelli: After Hours (1996, Novus)

No está disponible en Spotify, aunque podéis escuchar fragmentos de 30'' en https://itunes.apple.com/us/album/after-hours/id298356339

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Maravillosa recopilación de la gran Aretha Franklin interpretando como sólo ella sabe hacerlo, con esa voz plena de blues y de soul, una voz que te atrapa y te impide continuar con lo que estés haciendo. El tema con el que abre el álbum Drinkin' Again es muy apropiada para un domingo a la mañana, pero esta pequeña joya contiene versiones impresionantes de temas muy conocidos, como el clásico What a Diff'rence a Day Makes de la también grande Dinah Washington.

Disfrutarlo y si podéis, subid el volumen hasta donde os de la gana, es para escucharlo en la zona alta...

Aretha Franklin: Aretha Sings The Blues (1980, Columbia)

http://open.spotify.com/album/2SMCgdVm2vqMDyzpz9qpO4

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Vamos con uno de mis discos favoritos, de uno de mis artistas favoritos y al que le tengo un cariño muy especial.

People Time es una edición en doble CD con una selección de 14 temas realizada por Jean-Philippe Allard - productor de la sesión - de los 48 que interpretaron Stan Getz y Kenny Barron en el Café Montmartre de Copenhague el 3, 4, 5 y 6 de marzo de 1991, justo 3 meses antes de que Stan Getz muriera de cáncer de hígado, a las 5 de la mañana del 6 de junio de 1991 en su casa de Malibú. Dicen que a las 3 de la mañana pidió que lo ayudaran a acercarse a su ventana en su silla de ruedas para ver el mar... quizá sabía que sería su última vez.

El doble CD People Time está disponible en Spotiffy, aunque desde España no nos dejan reproducirlo por completo. Aún así, podéis disfrutar del primer tema con el que se abre el primer set del primer día: I'm Okay, una composición de Eddie Del Barrio que Stan Getz nos cuenta que compuso para una amiga cantante de Jazz que le llamó diciendo que quería suicidarse.  También tenéis I Remember Clifford y First Song. Aunque sólo tuviera esos 3 temas, el álbum ya merecería la pena.

Stan Getz & Kenny Barron: People Time (1991, Polygram)

http://open.spotify.com/album/20uJuOfXBnddLbHR3zBeut

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Además de la edición en doble CD de Polygram en Francia bajo el sello Gitanes, existe una edición completa de los 48 temas que tocaron y que lleva de nombre People Time: The Complete Sessions, y que para los que sentimos este trabajo como algo más que música, es una compra obligada. No sólo porque tengamos más contenido, sino porque nos permite acercarnos a lo que fueron aquellas 4 noches de verdad y no sólo a la música que se grabó.

Poder escuchar las palabras de Stan Getz saludando al público cuando comienza el primer set, con una voz claramente afectada ya por la enfermedad, sentir que le falta el aire para hablar y descubrir que luego pareciera que le sobra para soplar... eso no tiene precio. Tenemos a Getz hablándonos, al público participando y por supuesto la magnífica música, perfectamente registrada por Johnnie Hjerting y masterizada por Dave Collins en los estudios A&M de Hollywood. Son 7 CDs, que podrían haber sido 8 si Stan Getz no hubiera cancelado el segundo set del último día, pero se encontraba mal y no pudo tocar.

Hay una muy buena crítica de Geoffrey Himes de esta edición en http://jazztimes.com/articles/26050-people-time-the-complete-recordings-stan-getz-kenny-barron que os recomiendo leer. Comienza diciendo que cuando un músico supera la frontera de los 60, debe decidir cómo tocar a partir de ese momento, bien mantenerse en su estilo con menos fuerza emocional, recurrir a nuevos trucos o destilar tu estilo como si fuera whiskey, eliminando las notas superfluas para que solo quede la música de verdad.

Stan Getz evidentemente eligió esta última opción. Su fraseo sigue siendo elegante como siempre, pero transmite una cantidad de emoción increíble con pocas notas, largas y reposadas, que acompañadas con la maestría del piano de su íntimo amigo Kenny Barron, que coloca las notas justo donde deben estar, para apoyar la interpretación de su compañero, toda una lección de humildad y de saber hacer.

Los temas interpretados no son originales de Getz sino de artistas muy conocidos como Charlie Haden, Dizzy Gillespie, Thad Jones, Eddie Del Barrio, Mal Waldron, Benny Carter o Benny Golson, que es el autor de uno de los temas que más me gustan, el homenaje al gran trompetista Clifford Brown titulado I Remember Clifford.

Stan Getz & Kenny Barron: People Time The Complete Recordings (1991, Universal)

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No hay nada como el hogar... y así me siento cuando escucho el Hard Bop de mediados de los cincuenta. En este caso recurro a uno de mis trompetistas preferidos, Lee Morgan, que en formación de sexteto intepreta cuatro temas originales de Benny Golson y otros dos de Owen Marshall. Además de su trompeta tenemos el saxo alto de Kenny Rodgers, el tenor de Hank Mobley el piano de Horace Silver, el bajo de Paul Chambers y la batería de Charlie Persip. Una formación que sólo con enunciarla sabes que algo mágico esconderán...

Y no es para menos, en esta sesión lo hacen muy bien, técnicamente son todos muy precisos y aunque sean habituales del género nunca dejarán de sorprenderme las armonías casi corales que se marcan en perfecta sintonía coreográfica, todos al unísono sin una sola nota discordante.

No es el mejor álbum de Lee Morgan, pero me reconozco fan y soy de los que vuelve a él una y otra vez. La grabación no está mal, pero no es de las mejores firmas de Rudy Van Gelder. Está grabado en 1956 en su estudio de Hackensack en New Jersey y posteriormente remasterizado por él mismo en 2007 en esa legendaria colección de Blue Note, la RVG Edition. Noto el sonido un poco sucio, como si la toma de sonido no hubiera sido todo lo buena que acostumbraba. Aún así, no me importa el detalle pues la música que esconde sigue siendo fabulosa.

Lee Morgan: Volume 2 Sextet (1956, Blue Note)

http://open.spotify.com/album/1W1Q2JOTGHTgMlm8yr8wwH

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Tela marinera la frase con la que firma este trabajo Carmen McRae en la contraportada del CD: "Billie Holiday is the greatest infuence on my life, as far as my career is concerned. If Billie Holiday had never existed, probably wouldn't I have, either" que traducido querría decir algo así como "Billie Holiday es la mayor influencia en mi vida, al menos en lo que concierne con mi carrera. Si Billie Holiday no hubiera existido, probablemente yo tampoco".

Con esa declaración de intenciones firma un maravilloso álbum en el que interpreta temas de Lady Day acompañada de Eddie "Lockjaw" Davis al saxo tenor y Nat Adderley a la corneta, con el bajo de Bob Cranshaw (fantástico en el comienzo de I'm Gonna Lock My Heart en el que también está genial el piano de Norman Simmons) y la batería de Walter Perkins. Mundell Lowe también aparece con la guitarra y me encanta cómo acompaña el solo de Carmen en Strange Fruit... ¡es mágico!

Carmen McRae, Sarah Vaugahn, Ella Fitzgerald... ellas son de otro planeta y la perfecta demostración de que una voz puede ser mucho más que una voz y convertirse en un instrumento más. Cada vez que las escucho descubro nuevos registros y giros en sus forma de modular y llevar una nota hasta donde quieren, dejándola suspendida en un vibrato infinito difícil de creer...

La grabación está muy bien, y en Spotify tenéis la edición con los dos temas extras: If the Moon Turns Green y The Christmas Song.

http://open.spotify.com/album/5GJ5gYx2VulbjhOuPwlH0A

Carmen McRae: Sings Lover Man and other Billie Holiday Classics (1961, Columbia)

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El cuarteto que configuró Dave Brubeck con el saxo alto de Paul Desmond, el bajo de Eugene Wright y la batería de Joe Morello nos dejó el legado de Time Out, una de las obras maestras indiscutidas del Jazz, pero en la discografía de Brubeck se esconden multitud de joyas como este magnífico álbum titulado Jazz Goes to College que recoge actuaciones en directo en la universidad de Michigan en 1954, aunque en este caso Brubeck y Desmond forman el cuarteto con Bob Bates al bajo y Joe Dodge a la batería.

Brubeck fue un revolucionario en sus planteamientos musicales, y ya sabemos qué suele suceder cuando juntas juventud y revolución... que encajan perfectamente. Además de un excelente pianista y compositor, Brubeck se dedicó a divulgar su forma de entender la música en los círculos universitarios, en donde tuvo una acogida excelente.

Los 7 temas que recoge este álbum son auténticos ejercicios de improvisación libre ante un público entusiasmado. El creativo piano de Brubeck y el delicioso e incomparable saxo alto de Desmond se turnan en una serie de movimientos de libertad sin fin, acompañados por una perfecta línea de ritmo con el bajo y el piano de Bates y Dodge. En mi opinión Desmond está simplemente increíble, monstruoso, con una delicadeza en cada nota que nos hace disfrutar aún más de la sesión.

Espero que os guste tanto como a mí...

The Dave Brubeck Quartet: Jazz Goes to College (1954, Columbia)

http://open.spotify.com/album/5LZkf6hrPnIwg7H6TlHG2C

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Cualquier aficionado al Jazz reconocerá inmediatamente en el título de este álbum una traza de Miles Davis. La traducción de flamenco sketches sería algo así como bocetos, apuntes de flamenco, una composición de Miles Davis y Bill Evans que se incluye en el álbum ultra-clásico Kind of Blue. La relación de Miles Davis con el flamenco no responde en realidad a ningún viaje por España, sino a lo maravillado que quedó tras escuchar una versión del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo que le mostró un amigo.

El gaditano Chano Domínguez, un pianista dotado de una técnica extraordinaria, nos trae con este trabajo mucho más que un homenaje a ese Kind of Blue al que se enfrenta como un encargo del Festival de Jazz de Barcelona y que es una interpretación libre de los temas del álbum de Miles Davis desde el flamenco más sentío, que te deja sin respiración y que te hace sentir la peor de las envidias por no estar delante de los músicos en el increíble directo que ofrecieron en el Jazz Standard neoyorquino http://jazzstandard.net/ que afortunadamente grabó Blue Note Records con sus mejores instrumentos, pues la grabación también es excelente.

El disco mezcla el Jazz con mucho Blues y por supuesto con mucho flamenco. El virtuoso piano de Chano Dominguez se mezcla maravillosamente como si fuese una pócima de efectos alucinógenos con la percusión hipnótica de Israel "Piraña" Suárez y las palmas y la voz de Blas "Kejío" Córdoba y Tomás "Tomasito" Moreno, que le ponen el toque gitano a la sesión. El bajo de Mario Rossy nos recuerda que el Jazz no existe sin una línea de ritmo marcada con este instrumento.

Comenzamos con una versión de Flamenco Sketches que es todo un viaje hasta llegar al minuto 12:30 en donde directamente nos ponemos en modo "orgía musical" con un derroche de fuerza en el conjunto que tuvo que abrumar a la audiencia neoyorquina, que como se puede comprobar en la grabación queda entusiasmada. Le sigue una versión magnífica de Freedie Freeloader que te con los primeros compases te transporta al blues sureño de los años 30, seguimos con una tranquila y delicada versión de Blue In Green, perfecta para relajarnos después de semejante festival, para continuar con el legendario So What, que comienza interpretado en la octava más baja del piano de Chano al compás con el zapateado de sus hermanos gitanos. En un minuto te has metido dentro de la zambra que se han cocinado y te olvidas que estás en niuyor, y puedes pensar perfectamente que estás en el Sacromonte granaíno...

Parece difícil superar lo que han hecho hasta el momento, pero llegamos a uno de los platos fuertes de la sesión: una versión de All Blues que estoy seguro que si Miles Davis o Bill Evans la hubieran escuchado, simplemente se pondrían de rodillas. El trabajo de Mario Rossy con el bajo es sobresaliente, y aquí no es solo una línea rítmica sino que se convierte en protagonista junto con un inspiradísimo Chano Dominguez, que nos lleva de nuevo de viaje con sus notas, mezcladas de nuevo sobre el minuto 4'30" con el aire gitano de las palmas y los tacones, terminando con un público que pierde las formas y les dedica mucho más que un aplauso.

De nuevo volvemos al mar en calma, y con Nardis Chano devuelve la tranquilidad al público, que imagino embelesado escuchando esta versión de la composición de Miles Davis que interpretara Bill Evans junto con Julian Cannonball Adderley en el álbum Portrait of Cannonball, y que en esta ocasión nos transporta al desierto, y nos podemos imagina en medio de una noche bereber perfectamente.

El álbum termina con la característica energía que transmite y la versión de Serpent's Tooth es bastante inusual y a su comienzo me recuerda a una producción de un musical de Broadway. Toda una fiesta de nuevo dirigida por el piano de Chano y acompañada por la percusión, las palmas y el bajo de forma magistral.

La mezcla y el master de la grabación han sido realizados en Barcelona, y la calidad es magnífica. Os recomiendo que lo escuchéis con un volumen moderadamente alto, pues el trabajo pide volumen a gritos, y en esta ocasión más que una butaca cómoda os recomiendo una zona despejada de muebles, pues seguro que acabáis bailando entre tangos, bulerías, seguiriyas y soleás...

¡Bravo, Chano, Bravísimo!

Chano Dominguez: Flamenco Sketches (2012, Blue Note)

http://open.spotify.com/album/1VUdsgwh9tgYdTKX7LHYcS

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Si es que los atracones no son nunca buenos Diego, mejor poco a poco :yes

Os dejo la crónica del último álbum que he seleccionado para escuchar. Estoy seguro de que también os gustará y se puede calificar como tinitus-safe

El trombón es un instrumento menos habitual entre los que se utilizan en el Jazz, y menos aún el trombón de válvulas que a diferencia del de varas funciona con pistones al igual que la trompeta. Su sonido es bastante característico y le da un toque especial a la melodía, como puede atestiguar la obra de Bob Brookmeyer, coprotagonista de la recomendación de hoy.

¿Y qué pasa cuando juntas el sonido especial del trombón de válvulas con el sonido también especial y característico de Sant Getz? Pues que si tienen la noche inspirada te sale un álbum redondo. Y esta grabación en Nueva York en otoño de 1961 lo es, ambos están muy, muy inspirados y su compañía en formato de quinteto no quedan a la zaga. Les acompañan nada menos que Steve Kuhn al piano, John Neves al bajo y Roy Haynes a la batería.

Tres de los seis temas que componen el álbum son composiciones originales de Bob Brookmeyer. El Minuet Circa '61 con el que abren la sesión es una animada pieza de más de 10 minutos con el típico aire del sonido West Coast, pero el segundo tema... ese segundo corte Who Could Care? es simplemente mágico y es una pena que no llegue a los cinco minutos, pues te quedas con ganas de más, de mucho más. Los dos se recrean con la melodía y con su instrumento en una maravillosa conversación. Si no lo habéis escuchado, os aconsejo luz baja y tranquilidad para disfrutarlo como merece.

El álbum continúa con un clásico de Gershiwn, el conocido Nice Work If You Can Get It que construyen a su manera, para volver a otra composición de Brookmeyer, el también animado Thump, Thump, Thump! para relajarnos de nuevo con el dulce A Nightingale Sang In Berkeley Square y terminando con un tema de Buck Clayton cargado de swing: Love Jumped Out

¡Que lo disfrutéis!

Stan Getz & Bob Brookmeyer: Recorded Fall 1961 (1961, Verve)

http://open.spotify.com/album/1lJijIFWQClkTaAW8iA6uG

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Esos Genelec son pata negra, pero mucho nivel de precio para lo que busco...



El lunes sigue por los derroteros del West Coast Jazz y la sesión doble termina con este trabajo de Stu Williamson, un muy competente trompetista - uno más, ¿cuántos hay? - que junto con el saxo alto de Charlie Mariano en unos temas, con un toque a lo Desmond, el saxo tenor de Bill Holman y el saxo barítono de Jimmy Giuffre en otros, con su hermano Claude Williamson con un piano a lo bluesman, el bajo de Max Bennett o Leroy Vinnegar y la batería de Stan Levey o Mel Lewis, en unos temas configurados como quinteto y en otros como sexteto, firman una sólida grabación, muy al estilo "cool" de los años 50, con muchos estándares, pocas estridencias y mucha elegancia.

Lo siento, pero este no está en Spotify. Podéis escuchar otros álbumes de Stu Williamson en http://open.spotify.com/artist/77Lgj7SbQICEreDtK3uh2D

Stu Williamson: Stu Williamson Plays (1956, Fresh Sound Records)

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Habitualmente asociamos a Nat King Cole con su faceta de vocalista, intérprete de temas conocidísimos y explotados hasta la saciedad como su Unforgettable que ha llegado a cantar a dúo con su hija Natalie - otra excelente voz - y no suele ser tan conocido en su faceta de pianista, la cual desarrolló con muy buenos trabajos con su trío.

Uno de los que más me gusta de Nat King Cole es este After Midnight, en el que combina ambas habilidades, un disco cargado de swing en el que Nat King Cole toca genial el piano y canta de fábula.

Como se ve en la portada del álbum, a su trío le acompañan varios instrumentos invitados y así tenemos a Willie Smith's con el saxo alto, Harry "Sweets" Edison con la trompeta, Juan Tizol con el trombón de válvulas, Jack Constanzo con los bongos y hasta el violín de Stuff Smith. También tenemos la guitarra de John Collins, el bajo de Charlie Harris y la batería de Lee Young.

La remasterización de 1999 de la grabación original de 1956 suena "de pelotas", así que... ¡a disfrutarlo!

Nat King Cole and his Trio: After Midnight (1956, Capitol)

http://open.spotify.com/user/debilbao_spotify/playlist/4MyTkl1YkSqGbfqz79wlk6

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Con John Coltrane me pasa un poco como con Miles Davis, son artistas que para mis gustos tienen una cara y una cruz. Hay mucho de Coltrane que me encanta y mucho que me exaspera... le reconozco el mérito improvisador, pero cuando le sale la mala leche tocando, parece que se hubiera enfadado con el mundo, y es cuando me saca de mis casillas y me dan ganas de mandarle a paseo...

Este fin de semana he estado escuchando de nuevo por enésima vez la reunión de Coltrane con Ellington, un curioso trabajo en el que juventud y experiencia se reúnen para una producción de Bob Thiele con grabación a cargo de Rudy Van Gelder para el sello Impulse. No sé de quién fue la iniciativa, pero no imagino a Coltrane llegando con humildad ante el maestro Ellington. Es curioso que a pesar de que ambos interpretan juntos los temas, cada uno se trajo su bajo y su batería para completar el cuarteto.

El álbum abre con un In A Sentimental Mood, composición original de Duke Ellington, en el que ambos se compenetran fantásticamente. No puedo evitar que este tema me recuerde siempre a Uma Thurman, que está guapísima en la película Prime (Secretos Compartidos) en la que hace el papel de una fotógrafo divorciada de 37 años que se enamora del hijo de su psicoterapeuta que tiene 27, interpretada por Meryl Streep. Cuando él va a su apartamento por primera vez le pregunta qué es eso que suena, y en su apartamento de lujo de Manhatann suena... In A Sentimental Mood.

Sólo por este tema y por los recuerdos que me trae ya merece la pena el álbum completo, pero esconde mucho más. El segundo corte se llama Take The Coltrane y después de ese primer tema tan íntimo es como una especie de pulso entre la fuerza de Coltrane, que lleva "a rastras" a Elvin Jones y a Jimmy Garrison que imagino que las pasaban canutas cuando al "Tren" le daba por arrollar con sus notas.

Con Big Nick, el tercer corte, el conjunto me sorprende llevándome a una melodía que inicialmente parece mucho más del corte del West Coast Jazz de Brubeck y Desmond, hasta que el Tren Coltrane asume de nuevo el riesgo de la improvisación y se carga ese ambiente "Cool" de un plumazo. De nuevo Elvin Jones y a Jimmy Garrison tuvieron que flipar un rato con el boss mandando.

En Stevie, el cuarto tema, el Duque se lleva el ascua a su sardina, e interpreta su composición original junto con su bajo Aaron Bell y su batería Sam Woodyard, que diría que lo tienen más fácil que Jones y Garrison. Coltrane se une a la fiesta y aunque sigue improvisando "a su bola", lo hace de una forma más moderada, como no queriendo reventar el tema de Duke. Pero si escuchas el tema te queda claro que al final Duke Ellington se acaba convirtiendo en parte de la sección rítmica y Coltrane lleva la voz cantante.

Llegamos al quinto y mi tema preferido de este álbum: My Little Brown Book. Una composición original de Billy Strayhorn y uno de esos temas en los que pienso cuando Coltrane me saca de mis casillas. Me digo a mí mismo... "no te olvides que este tipo es el que es capaz de tocar así..." y es que si Coltrane te quiere llevar al huerto, lo consigue sin duda.

El álbum termina con Angelica y con The Feeling of Jazz, ambos composiciones de Ellington, que a nivel de repertorio lleva el peso de la sesión, interpretados ambos en compañía de sus respectivos bajo y batería.

La grabación es muy buena y está disponible en todo tipo de ediciones. Yo tengo la edición de 2001 de Universal en formato híbrido CD y SACD que suena "de auténtico vicio".

Duke Ellington & John Coltrane: Duke Ellington & John Coltrane (1962, Impulse!)

http://open.spotify.com/album/7qsnx3thQiQabvDkHfqI1m

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Con John Coltrane me pasa un poco como con Miles Davis, son artistas que para mis gustos tienen una cara y una cruz. Hay mucho de Coltrane que me encanta y mucho que me exaspera... le reconozco el mérito improvisador, pero cuando le sale la mala leche tocando, parece que se hubiera enfadado con el mundo, y es cuando me saca de mis casillas y me dan ganas de mandarle a paseo...

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Lo mismo me encanta (Coltrane), que me termina dando dolor de cabeza. Dependiendo también de cómo tenga yo el día...

Aquí os recomiendo un disco suave, suave y con muy buen sonido para estar un rato relajado. :cafe:cafe

Pizzarelli me gusta mucho más desde que lo estoy oyendo con auriculares.. Su música, en general, es una delicia con la que podemos disfrutar a tope de nuestros mini-equipazos. Ahora mismo lo estoy oyendo con el Ipad y los Yuin PK3 y suena fantástico. Con los 650 y el Musical Fidelity ya es la leche :ok:ok

John Pizzarelli - P.s. Mr.Cole

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http://open.spotify.com/album/6oDr2xJMqhib2vDZXn1S5M
 
Desgraciadamente hoy nos hemos quedado sin el gran Paco de Lucía, así que este álbum es de escucha obligada en esta triste jornada. Un concierto en el que no me cabe la menor duda que además del público - que lo expresa contundentemente con sus ovaciones - estos tres virtuosos se lo pasaron "de cojones" en aquella noche de viernes de 1981 en San Francisco.

Descanse en paz, maestro. E infinitas gracias por su música, que siempre permanecerá entre nosotros.

Al di Meola & Paco de Lucía & John McLaughlin:
Friday Night in San Francisco (1981, Universal Music)


http://open.spotify.com/album/2zJMxui25tclR2FYj8jDYT

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En Japón hay muchos artistas de Jazz, pero hay mucho "de relleno" y las recomendaciones de artistas japoneses siempre me las tomo con doble ración de precaución. Pero de vez en cuando me encuentro con sorpresas muy agradables, como esta pianista llamada Junko Onishi, que de japonés le queda el apellido y los rasgos... musicalmente hablando no puede ser más americana. Estudiante de Berklee y compañera en Nueva York de Joe Henderson, Betty Carter, Kenny Garrett, y Mingus Dynasty. En sus colaboraciones se incluyen también Jackie McLean, Holly Cole y Billy Higgins entre otros. Y graba para Blue Note... de libro, vamos.

He de reconocer que no la tenía fichada y me está gustando mucho. He comenzado cronológicamente por el álbum Cruisin' de 1993 y me lo he pasado genial con el tema Eulogia con el que abre el álbum, en donde se muestra muy hábil con la mano izquierda, pues pasa mucho tiempo en la parte baja de la escala sacándole jugo a los graves del piano, pero luego se va viniendo arriba y muestra "la garra" que lleva dentro sin tapujos. A ratos me está recordando a Petrucciani...

Muy buena la batería de Billy Higgins, especialmente en Congeniality en donde se marca un solo de aúpa, pero es fantástico el trabajo de Rodney Whitaker al contrabajo. Simplemente mayúsculo. Ambos se marcan un "Caravan" estupendo, un tema clásico a más no poder pero presentado con un estilo actualizado sobre todo en la forma de interpretarlo de Junko al piano, intenso y a ratos hipnótico.

En The Sepherd he escuchado unos acordes robados a Art Blakey y su Moanin' que me han dejado expectante. Sigo con el disco pero os lo recomiendo desde ya. Fabulosa la música y fabulosa la grabación, el registro del piano es buenísimo.

Junko Onishi Trio: Cruisin' (1993, Blue Note)

http://open.spotify.com/album/1p3toZ0t2vihkZwLmkz8yw

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El libreto que acompaña al CD de este álbum comienza diciendo que "Claire Austin es una de las grandes cantantes de blues contemporáneas, en la línea clásica y tradicional de Ma Rainey y Bessie Smith. Su forma de cantar es natural, sin esfuerzo, con un tono creíble, pleno y emocionante. Pero estas cualidades por si mismas no son suficientes para ser una gran cantante de blues. Para el blues debes tener además de convicciones sentidas muy profundamente, una madurez emocional que llega con la experiencia de la vida y del amor..."

Claire Austin era para mi una perfecta desconocida, pero no puedo estar más de acuerdo. En este trabajo hay mucho más que voz y sentimiento. Cuando hay alguien canta tan relajado y deja que su voz fluya con la melodía, es que algo mágico ha ocurrido, y eso sucede en este álbum.

Aunque sus influencias son evidentes, es un disco que sabe más mucho más a Jazz que a Blues, más aún cuando escuchas la siempre notable guitarra de Barney Kessel que le acompaña, que junto con la muy agradable trompeta de un para mi desconocido Bob Scobey que se compementan francamente bien con una sección rítmica a cargo del piano de Stan Wrightsman, el bajo de Morty Corb y la batería de Shelly Manne.

La grabación suena francamente bien, y si quieres probar hasta dónde llegan los medios de tu equipo... es perfecto.

Claire Austin: When Your Lover Has Gone (1955, Contemporary Records)

http://open.spotify.com/album/6RRM80p6grukNKNaoCJIy8

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Será el gripazo que llevo encima, pero este fin de semana me está apeteciendo escuchar ese jazz que tira más hacia el blues, apoyado con una guitarra suave y una rítmica de calidad. Tengo la cabeza como un bombo y si normalmente escucho con auriculares, me he tenido que pasar a los altavoces para poder seguir disfrutando de la música.

Un ejemplo más de esta combinación es este fabuloso Confessin' The Blues de Billie Poole acompañada por la guitarra de Kenny Burrell y el trío del pianista Junior Mance con Bob Cranshaw al bajo y Mickey Roker a la batería.

Billie Poole interpreta muy bien clásicos del Blues y también del Jazz, su tono de "dama de iglesia negra" le viene al pelo a los temas, acompañando cada frase con un ligero vibrato muy característico. Kenny Burrell, en segundo plano, discreto pero eficaz y Junior Mance, tremendo, con su piano marcando la línea que deben seguir los temas y Cranshaw y Roker haciendo lo que deben, acompañar marcando el ritmo.

Un álbum perfecto para un domingo gris por la mañana y que además suena muy, pero que muy bien. Grabado en 1962 en los estudios Plaza de New York y remasterizado en 1996 por Phil De Lancie en los estudios Fantasy de Berkeley, con un resultado perfecto.

Billie Poole: Confessin' The Blues (1962, Riverside)

http://open.spotify.com/album/1RvfkgvdBZiDGh06qYcAdN

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La portada de este álbum nos sugiere que estamos ante un trabajo un poco más alejado de los típicos mediados de los cincuenta en donde el Hard Bop dominaba y en donde Wynton Kelly se lucía al piano acompañando a Miles Davis, a Cannonball Adderley o incluso como solista.

Esa portada es pop-art en estado puro y eso suena más a mediados de los sesenta. Las modas han sido modas siempre y si el pop-art estaba de moda, las discográficas se apresuraron a incorporarlo en sus producciones como un recurso más de marketing, como es el caso de este álbum.

Pero cualquier parecido del pop-art con la música que esconde es pura coincidencia. El álbum es bastante bueno, pero es de los que no hay que dejarse llevar por las apariencias ni las primeras impresiones. Como los buenos vinos necesita su tiempo para desarrollarse en plenitud y tras escuchar el primer tema It's All Right que da título al álbum y que te puede dejar algo frío, el segundo South Seas te mete en canción, pero en el tercer corte Not A Tear ya estás disfrutando de lo lindo, con un sonido 100% Kelly, un piano totalmente reconocible que lleva la firma de su alma de blues cargado de swing en cada nota.

La versión de Portrait of Jennie que le sigue es magistral y sigue con Kelly Roll, que te hará mover los pies quieras o no, y en donde además de Kelly la compañía se hace notar y de qué manera... el bajo de Paul Chambers, la batería de Jimmy Cobb y la guitarra de Kenny Burrell completan un tema redondo, redondo...

Las congas y la percusión de Cándido se dejan notar en Fall of Love, el sexto corte en donde el álbum se vuelve mucho más tropical y bebe de las influencias de la época, en donde los ritmos de la bossanova causaban furor de la mano de Stan Getz y Joao Gilberto. Un tema que saben enlazar perfectamente con el posterior Moving Up, que regresa a un sonido lleno de swing con un tempo rápido y en donde Kenny Burrell tiene su momento de gloria, aunque se vuelve protagonista en On The Trail con unos acordes sencillos que dejan el terreno preparado para que Kelly regrese a la carga de nuevo con su swing.

Los dos últimos temas, Escapade y One for Joan, os los dejo para que seáis vosotros quienes hagáis la crónica, así participamos y se hace esto más ameno.

Lo dicho, un álbum que necesita decantador, pero que con su tiempo tiene el cuerpo de los mejores vinos...

Wynton Kelly: It's All Right (1964, Verve)

http://open.spotify.com/album/0IG8qgD0RaVAaWqDGv5xSK

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:) :) :)
 
Si os gusta el Moanin' de Art Blakey y sus mensajeros del Jazz, esperad a escuchar la versión que incluye este álbum, es pura canela en rama. Y cuando os haya atrapado y escuchéis Violets for your furs... rezaréis para que no se acabe y que se convierta en interminable. Como es lógico el disco se acaba, pero por un momento creeréis que vuestras plegarias se han visto cumplidas cuando escuchéis Warm Valley... es la belleza en estado puro.

Menuda banda que se juntaron para una producción de la Warner con una cubierta que para la época sería casi "porno". Junto al piano de Russ Freeman - Marty Paich no lo toca, sólo se encarga de la reunión - tenemos nada menos que el saxo de Art Pepper, las trompetas de Jack Sheldon y Conte Candoli - deliciosas en Violets for your furs - el saxo tenor de Bill Perkins, y el vibráfono de Victor Feldman.

Sonido West Coast total, espectáculo total, disfrute total... :Aplause:

Marty Paich: I Get A Boot Out Of You (1959, Warner Bros.)

http://open.spotify.com/album/14uowK1kKtrhca3Hn7QFav

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