Fotografía Cinematográfica
- Autor Magnolia
- Fecha de inicio
nogales
Miembro habitual
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
¿Cómo tras los créditos? El original era en cinemascope, ¿no?
¿Cómo tras los créditos? El original era en cinemascope, ¿no?
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Era algo muy habitual en VHS y hoy en día en televisión.
Eso ha sido muy habitual desde siempre; Créditos respetando formato para que no se corte ninguno y película recortadita al formato que más convenga.
Era algo muy habitual en VHS y hoy en día en televisión.
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
And when he had opened the fourth seal, I heard the voice of the fourth beast say, come and see.
And I looked, and behold a pale horse: and his name that sat on him was Death, and Hell followed with him.
The Book of Revelation, 6:8.
“Idi I Smotri” AKA “Come and See” was Elem Klimov’s last picture. He was only 52 at the time of release in 1985, but refused to direct again as he felt he couldn’t surpass what he achieved with this film. The story is set in Belarus in 1943, at the time of the nazi invasion of the USSR. It follows Florya (Aleksei Kravechnko), a 14 year old boy who joins the partisans that are fighting against the nazis, and witnesses the horrors of war. The plot may sound conventional to you, but Klimov’s approach isn’t. It’s said that the title comes from the Bible itself, but it’s very likely that it also serves as an invitation for the viewer himself to go to the hell of war too. Let me explain.
Elem Klimov and his cinematographer Aleksei Rodionov chosed to shoot the film through a lot of subjetive or semi-subjetive shots. There are very, very few, if any, over the shoulder shots, or two-head shots, as most of the time the actors are looking and speaking straight to the camera. They also employed the Steadicam, or a Russian version of Garrett Brown’s invention, to follow the characters running, screaming, escaping, trying to survive or just to show the devastation as it’s happening. The effect that the whole mise-en-scene produces is so inmersive and disturbing that really puts the viewer right in the middle of the horror. What’s the best operating you’ve ever seen in a war film? “Saving Private Ryan”?, “The Thin Red Line”?, “Full Metal Jacket”? The battle scenes from “Children of Men”? This could rival them any day, if it’s not better.
But the whole approach could have been ruined without the proper lighting. Guess what they did. The chosed not to light at all, to trust the film stock’s latitude and use the available light most of the time. Only some close-ups reveal that they bounced some light into cards to get better defined expressions from the actors. The very few interiors look so natural and so real that you wonder if they waited for the best time of the day to shoot them and then used the available light through the windows, as they look so unlit. There’s also some great use of day-for-night photography, including lights correctly exposed in some part of the tracking shots (there’s a great shot including a candle and an iris pull) and a scene involving a cow, sparklers and gunfire that it’s breathtaking and makes hard to guess how they managed to keep the continuity and the right exposures. They probably could have made the picture to look prettier, or they could have gotten a better exposed and healthy negative by using movie lights more extensively, but the grittiness derived from the thin negative and the available light look work great for verosimilitude. It’s hard to find a picture looking so raw.
Technically, the photography isn’t first rate, due to the described stylistic choices and techniques. There are also some reflections or unintented flares in some shots at the beginning of the picture, as if light was hitting the lens through the mattebox. They shot using spherical lenses for a 1.37:1 Academy ratio, which was still common for the Russians back them, and it works well for the many straight-to-camera close-ups. It’s not easy to guess the film stock by watching a DVD, but it looks very, very close to the look of the old Agfa XT-320 when rated at its normal speed: very low-con, grainy, with very milky blacks. The day-for-night scenes, or other night scenes, look specially grainy, as if they had underexposed too much and then printed up the footage. But even the technical flaws help since they give the picture a more authentic & organic look.
The film itself is really powerful, disturbing and unconventional. Every death takes place offscreen, but the atmosphere from the images and some amazing use of sound give you the impression that you have seen it all. This is a film not to be missed, not only by cinematographers, but also by film aficionados.
Cinematography.com
And when he had opened the fourth seal, I heard the voice of the fourth beast say, come and see.
And I looked, and behold a pale horse: and his name that sat on him was Death, and Hell followed with him.
The Book of Revelation, 6:8.
“Idi I Smotri” AKA “Come and See” was Elem Klimov’s last picture. He was only 52 at the time of release in 1985, but refused to direct again as he felt he couldn’t surpass what he achieved with this film. The story is set in Belarus in 1943, at the time of the nazi invasion of the USSR. It follows Florya (Aleksei Kravechnko), a 14 year old boy who joins the partisans that are fighting against the nazis, and witnesses the horrors of war. The plot may sound conventional to you, but Klimov’s approach isn’t. It’s said that the title comes from the Bible itself, but it’s very likely that it also serves as an invitation for the viewer himself to go to the hell of war too. Let me explain.
Elem Klimov and his cinematographer Aleksei Rodionov chosed to shoot the film through a lot of subjetive or semi-subjetive shots. There are very, very few, if any, over the shoulder shots, or two-head shots, as most of the time the actors are looking and speaking straight to the camera. They also employed the Steadicam, or a Russian version of Garrett Brown’s invention, to follow the characters running, screaming, escaping, trying to survive or just to show the devastation as it’s happening. The effect that the whole mise-en-scene produces is so inmersive and disturbing that really puts the viewer right in the middle of the horror. What’s the best operating you’ve ever seen in a war film? “Saving Private Ryan”?, “The Thin Red Line”?, “Full Metal Jacket”? The battle scenes from “Children of Men”? This could rival them any day, if it’s not better.
But the whole approach could have been ruined without the proper lighting. Guess what they did. The chosed not to light at all, to trust the film stock’s latitude and use the available light most of the time. Only some close-ups reveal that they bounced some light into cards to get better defined expressions from the actors. The very few interiors look so natural and so real that you wonder if they waited for the best time of the day to shoot them and then used the available light through the windows, as they look so unlit. There’s also some great use of day-for-night photography, including lights correctly exposed in some part of the tracking shots (there’s a great shot including a candle and an iris pull) and a scene involving a cow, sparklers and gunfire that it’s breathtaking and makes hard to guess how they managed to keep the continuity and the right exposures. They probably could have made the picture to look prettier, or they could have gotten a better exposed and healthy negative by using movie lights more extensively, but the grittiness derived from the thin negative and the available light look work great for verosimilitude. It’s hard to find a picture looking so raw.
Technically, the photography isn’t first rate, due to the described stylistic choices and techniques. There are also some reflections or unintented flares in some shots at the beginning of the picture, as if light was hitting the lens through the mattebox. They shot using spherical lenses for a 1.37:1 Academy ratio, which was still common for the Russians back them, and it works well for the many straight-to-camera close-ups. It’s not easy to guess the film stock by watching a DVD, but it looks very, very close to the look of the old Agfa XT-320 when rated at its normal speed: very low-con, grainy, with very milky blacks. The day-for-night scenes, or other night scenes, look specially grainy, as if they had underexposed too much and then printed up the footage. But even the technical flaws help since they give the picture a more authentic & organic look.
The film itself is really powerful, disturbing and unconventional. Every death takes place offscreen, but the atmosphere from the images and some amazing use of sound give you the impression that you have seen it all. This is a film not to be missed, not only by cinematographers, but also by film aficionados.
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Atreyub
En busca y captura
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¿Pa' cuando el post en spanish?
¿Pa' cuando el post en spanish?
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Si sigo así, acabaré posteando en ruso. Pero mejor en otros idiomas que en ninguno, ¿no? Digo lo mismo que la otra vez, si algo no se entiende, no tengo problema en explicarlo, pero es que no puedo traducir todo...
Si sigo así, acabaré posteando en ruso. Pero mejor en otros idiomas que en ninguno, ¿no? Digo lo mismo que la otra vez, si algo no se entiende, no tengo problema en explicarlo, pero es que no puedo traducir todo...
Harry Block
Exiliado
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Leñe, no me seais vaguetes (los demás, no Harmónica), que los traductores automáticos funcionan cada vez mejor...
Por ejemplo, con el traductor de Bing integrado en el propio Internet Explorer, el último párrafo:
Leñe, no me seais vaguetes (los demás, no Harmónica), que los traductores automáticos funcionan cada vez mejor...
Por ejemplo, con el traductor de Bing integrado en el propio Internet Explorer, el último párrafo:
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Libros hay muchos, pero glosarios no tantos. Recuerdo que hay uno en el libro "Maestros de la Luz", de Dennis Schaefer y Larry Salvato, uno de los imprescindibles o el imprecindible en la materia (yo me inicié con él, aunque eso no sé si es bueno o malo). No obstante, si vas leyendo cosas y no las comprendes, tú siempre pregunta, sea lo que sea, que trataremos de responderte todas las veces que haga falta para que se entienda desde niveles absolutamente básicos. De hecho, hay tantas cuestiones que han surgido a lo largo de los años que seguramente con buscar el post correspondiente y ampliarlo bastaría, por lo que no supone el menor esfuerzo por nuestra parte.
Saludos.
Libros hay muchos, pero glosarios no tantos. Recuerdo que hay uno en el libro "Maestros de la Luz", de Dennis Schaefer y Larry Salvato, uno de los imprescindibles o el imprecindible en la materia (yo me inicié con él, aunque eso no sé si es bueno o malo). No obstante, si vas leyendo cosas y no las comprendes, tú siempre pregunta, sea lo que sea, que trataremos de responderte todas las veces que haga falta para que se entienda desde niveles absolutamente básicos. De hecho, hay tantas cuestiones que han surgido a lo largo de los años que seguramente con buscar el post correspondiente y ampliarlo bastaría, por lo que no supone el menor esfuerzo por nuestra parte.
Saludos.
Brando
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precioso video a lo koyanisquatsi que ha hecho este hombre http://vimeo.com/mindrelic
NYC - Mindrelic Timelapse on Vimeo
precioso video a lo koyanisquatsi que ha hecho este hombre http://vimeo.com/mindrelic
NYC - Mindrelic Timelapse on Vimeo
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Calificaría de precioso especialmente el plano del 1:07 al 1:12 (por la luz). El resto está muy bien pero, ¿hoy en día esto no consiste prácticamente en dejar una buena cámara y recogerla al final del día?
EDIT: Vale. Acabo de recordar que hay empresas que se dedican solo a esto, así que tan fácil no será
Calificaría de precioso especialmente el plano del 1:07 al 1:12 (por la luz). El resto está muy bien pero, ¿hoy en día esto no consiste prácticamente en dejar una buena cámara y recogerla al final del día?
EDIT: Vale. Acabo de recordar que hay empresas que se dedican solo a esto, así que tan fácil no será
Atreyub
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Hombre, ese traductor está más que bien.
Es que hay algunos que parece que estás hablando con Toro sentado (o con el africano que quiere comprarte un piso pero le tienes que pagar el viaje para él y su esposa, que casualmente ha heredado una pila de millones).
Hombre, ese traductor está más que bien.
Es que hay algunos que parece que estás hablando con Toro sentado (o con el africano que quiere comprarte un piso pero le tienes que pagar el viaje para él y su esposa, que casualmente ha heredado una pila de millones).
Brando
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pues si quereis traducir:
Entrevista a Lubezki sobre la Fotografia de TREE OF LIFE
'Tree of Life' cinematographer: 'It was like no set I ever worked on'
It's not many film productions that consult with NASA as they're shooting. But then, not many film productions have Terrence Malick for a director....
pues si quereis traducir:
Entrevista a Lubezki sobre la Fotografia de TREE OF LIFE
'Tree of Life' cinematographer: 'It was like no set I ever worked on'
It's not many film productions that consult with NASA as they're shooting. But then, not many film productions have Terrence Malick for a director....
Hinomura Krycek
Bayofilo
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Harmonica ya dice mas o menos lo mismo en castellano en el post de la peli de Klimov.
Harmonica ya dice mas o menos lo mismo en castellano en el post de la peli de Klimov.
Dani J.
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Muy interesante esa pequeña entrevista a Lubezki... Por lo que comenta todo apunta en la buena dirección... Puede que estemos, como mínimo, ante la película más experimental y arriesgada de Malick...
Muy interesante esa pequeña entrevista a Lubezki... Por lo que comenta todo apunta en la buena dirección... Puede que estemos, como mínimo, ante la película más experimental y arriesgada de Malick...
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
"Los Inmortales" (Highlander, Russell Mulcahy, 1986, fot: Gerry Fisher, BSC): Trash ochentera donde las haya, que desaprovecha un punto de partida interesante en un conjunto de escenas deshilvanadas y una trama que de su propia hilaridad, se sigue con cierto interés. Mulcahy es una mala influencia para un buen operador como Gerry Fisher, pues le impone un esteticismo absolutamente vacuo en cada escena, con fortísimos contraluces, haces de luz sin la menor justificación, cantidades ingentes de humo... es decir, todos los tics de la época aplicados sin la menor mesura o sentido narrativo. Con todo, algunas escenas aisladas, como los exteriores escoceses o el duelo a espada en el siglo XVIII, contienen imágenes brillantes, pero el conjunto es de una inconsistencia brutal. Además, a nivel técnico, gran parte de los interiores y de las secuencias nocturnas tienen el típico aspecto de la emulsión Kodak 5294, con muchísimo grano, negros muy poco densos, escaso contraste y poca saturación de color, lo que no ayuda a la coherencia del conjunto.
"Kill Bill Vol. 1 (Quentin Tarantino, 2003, fot: Robert Richardson, ASC): la primera colaboración entre el director de "Pulp Fiction" y el operador de "JFK" es uno de los peores trabajos de éste, demostrando una vez más que debido a su peculiar estilo, sus mejores obras suelen ser aquéllas en las que entra en juego un trabajo de recreación de época. A pesar de lo exótico de algunos decorados, el trabajo de Richardson no aporta más allá de un buen oficio y solvencia en el trabajo de cámara, ya que sus habituales sobreexposiciones y halos despistan más que aportan a esta historia. Además, tal y como se apreció en su momento en cines, un alto grado de DNR fue aplicado al film en alguna etapa de post-producción, por lo que muchas texturas y el grano de la imagen han desaparecido en gran medida. Ello, unido a las técnicas de Richardson, crea -al menos en Blu-ray- una curiosa apariencia de HD, como si la película no hubiera sido rodada en celuloide. Por mis recuerdos, la segunda parte no era mucho mejor a nivel visual, aunque como película me pareció que tenía un mayor interés.
"Los Inmortales" (Highlander, Russell Mulcahy, 1986, fot: Gerry Fisher, BSC): Trash ochentera donde las haya, que desaprovecha un punto de partida interesante en un conjunto de escenas deshilvanadas y una trama que de su propia hilaridad, se sigue con cierto interés. Mulcahy es una mala influencia para un buen operador como Gerry Fisher, pues le impone un esteticismo absolutamente vacuo en cada escena, con fortísimos contraluces, haces de luz sin la menor justificación, cantidades ingentes de humo... es decir, todos los tics de la época aplicados sin la menor mesura o sentido narrativo. Con todo, algunas escenas aisladas, como los exteriores escoceses o el duelo a espada en el siglo XVIII, contienen imágenes brillantes, pero el conjunto es de una inconsistencia brutal. Además, a nivel técnico, gran parte de los interiores y de las secuencias nocturnas tienen el típico aspecto de la emulsión Kodak 5294, con muchísimo grano, negros muy poco densos, escaso contraste y poca saturación de color, lo que no ayuda a la coherencia del conjunto.
"Kill Bill Vol. 1 (Quentin Tarantino, 2003, fot: Robert Richardson, ASC): la primera colaboración entre el director de "Pulp Fiction" y el operador de "JFK" es uno de los peores trabajos de éste, demostrando una vez más que debido a su peculiar estilo, sus mejores obras suelen ser aquéllas en las que entra en juego un trabajo de recreación de época. A pesar de lo exótico de algunos decorados, el trabajo de Richardson no aporta más allá de un buen oficio y solvencia en el trabajo de cámara, ya que sus habituales sobreexposiciones y halos despistan más que aportan a esta historia. Además, tal y como se apreció en su momento en cines, un alto grado de DNR fue aplicado al film en alguna etapa de post-producción, por lo que muchas texturas y el grano de la imagen han desaparecido en gran medida. Ello, unido a las técnicas de Richardson, crea -al menos en Blu-ray- una curiosa apariencia de HD, como si la película no hubiera sido rodada en celuloide. Por mis recuerdos, la segunda parte no era mucho mejor a nivel visual, aunque como película me pareció que tenía un mayor interés.
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Respuesta: Fotografía Cinematográfica
"Marathon Man", como thriller setentero, no tiene precio, pero a nivel visual no es de lo mejor de Conrad Hall, a pesar del temprano uso de la Steadicam o de los inspirados planos de los diamantes en los que introduce difusión para crear halos. Además de que prefiero su otra colaboración con Schlesinger (la brutal "Day of the Locust", con un final memorable), creo que fue justo después de ésta cuando Hall se retiró durante una década.
"Marathon Man", como thriller setentero, no tiene precio, pero a nivel visual no es de lo mejor de Conrad Hall, a pesar del temprano uso de la Steadicam o de los inspirados planos de los diamantes en los que introduce difusión para crear halos. Además de que prefiero su otra colaboración con Schlesinger (la brutal "Day of the Locust", con un final memorable), creo que fue justo después de ésta cuando Hall se retiró durante una década.
Atreyub
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Es una pasada de las pasadas. De las que te dejan huella en la sesera. Con una de las escenas más insufribles que recuerde. Y sin remilgos. Gran peliculón.
Los inmortales ha quedado tan anclada en el pasado que como bien dice Harmo: un par o tres escenas medio decentes en un mar de ochentadas que imposible salvar. Mítica por el villano y pa' casa (vista hace poco la verdad me demostró la realidad).
Es una pasada de las pasadas. De las que te dejan huella en la sesera. Con una de las escenas más insufribles que recuerde. Y sin remilgos. Gran peliculón.
Los inmortales ha quedado tan anclada en el pasado que como bien dice Harmo: un par o tres escenas medio decentes en un mar de ochentadas que imposible salvar. Mítica por el villano y pa' casa (vista hace poco la verdad me demostró la realidad).
Atreyub
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Por cierto...
¿Qué me podéis contar de la foto de Yentl? No sé porqué pero me recordaba mucho a la del violinista en el tejado, de la cual siempre fui un fan visual.
Por cierto...
¿Qué me podéis contar de la foto de Yentl? No sé porqué pero me recordaba mucho a la del violinista en el tejado, de la cual siempre fui un fan visual.
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Pues no la tengo reciente pero es un PELICULÓN (a todos los niveles, guión, música, foto,...).
Está fotografiada por David Watkin famoso por su Memorias de África, La Calle del Adiós, La Última Carga, Robin y Marian, etc... alguna de ellas analizada por Harmónica en este mismo post.
A bote pronto creo que su estilo se caracterizaba por ser bastante naturalista pero tendiendo a la estilización. Fan de la difusión y de las exposiciones arriesgadas, jugando con la latitud de manera arriesgada en no pocas ocasiones.
Desde luego fue uno de los grandes por llevar a cabo unas fotografías que se saltaban los cánones establecidos e iban más allá arriesgando en muchas ocasiones... espero que Harmonica le tenga más fresco y nos descubra más detalles de este grande de la fotografía.
Pues no la tengo reciente pero es un PELICULÓN (a todos los niveles, guión, música, foto,...).
Está fotografiada por David Watkin famoso por su Memorias de África, La Calle del Adiós, La Última Carga, Robin y Marian, etc... alguna de ellas analizada por Harmónica en este mismo post.
A bote pronto creo que su estilo se caracterizaba por ser bastante naturalista pero tendiendo a la estilización. Fan de la difusión y de las exposiciones arriesgadas, jugando con la latitud de manera arriesgada en no pocas ocasiones.
Desde luego fue uno de los grandes por llevar a cabo unas fotografías que se saltaban los cánones establecidos e iban más allá arriesgando en muchas ocasiones... espero que Harmonica le tenga más fresco y nos descubra más detalles de este grande de la fotografía.
Respuesta: Fotografía Cinematográfica
Pues nunca he visto "Yentl", porque nunca me he atrevido. ¿Merece TANTO la pena? Es que mi tira para atrás cosa mala.
En cualquier caso, en mi opinión, el británico David Watkin fue uno de los más interesantes, personales y más importantes directores de fotografía de la segunda mitad del siglo XX, con el que además comparto en gran medida gustos estéticos. Se había iniciado en el mundo del documental y cuando dio el salto al cine hacia 1965 se convirtió en un pionero en el uso de la luz rebotada, en contraposición al estilo de luces duras y directas que dominaba la fotografía en color de la época. Por consiguiente, los trabajos de Watkin eran poco convencionales, poco comerciales y autorales, sobre todo desde que comenzó a experimentar con la iluminación single-source, desde una única fuente, a lo Vermeer. Por ejemplo en la película "Marat-Sade" (1967) hay secuencias en las que el decorado tiene una gran ventana, que Watkin cubría con papel cebolla para proyectar, desde el exterior, alrededor de diez fuentes de 10K sobre la misma. De esta forma, toda la luz partía desde esa ventana que podía verse en pantalla y podían rodar en 360 grados, además de obtener un efecto muy moderno e increíblemente estilizado a la par que naturalista:
YouTube - MARAT-SADE-I de PETER BROOK-CASTELLANO[/URL]
Watkin, por consiguiente, era un tío muy poco convencional, con mucha personalidad e incluso de un carácter dificil cuando le hacían modificar sus planteamientos. Entre sus técnicas favoritas en exteriores se encontraba, asimismo, el uso del rodaje a contraluz, de un lado para aprovechar mejor la luz natural y mejorar la continuidad, así como por obtener bonitos efectos estéticos. Y aunque era un enemigo declarado del formato panorámico anamórfico, que consideraba una catástrofe óptica, realizó alguna de las más impactantes fotografías anamórficas que yo conozco, como la increíblemente moderna "The Charge of the Light Brigade" (1968), en la que empleó ópticas muy antiguas como las Ross Xpress adaptadas a anamórfico a máxima apertura, para conseguir el que posiblemente sea el aspecto lumínico más natural jamás obtenido en una película rodada en este formato a 50 ASA., así como un verdadero espectáculo de distorsiones ópticas. Por ejemplo, como consecuencia de este trabajo, el mismísimo Geoffrey Unsworth se convirtió en un fan declarado de Watkin e hizo que su ayudante Peter MacDonald, que conocía a Watkin, los presentase.
YouTube - The Charge Of The Light Brigade - Trailer[/URL]
Además de por su costumbre de dormir entre tomas y de por su declarada homosexualidad, Watkin también era famoso, como digo, porque como consecuencia de iluminar los sets en 360 grados, era muy reacio a modificar la iluminación de los primeros planos con respecto a la de los planos generales. Se dice, por ejemplo, que tras la muerte de John Alcott ("Barry Lyndon"), David Lean convocó a Watkin para rodar "Nostromo", pero que finalmente, tras rodar algunas pruebas, no le contrató porque Watkin era tan rápido iluminando -ya que no modificaba la luz entre tomas- que impidía que el director se tomase sus famosos y largos silencios "creativos".
Stephen Goldblatt, que posteriormente rodó "El Príncipe de las Mareas" para Streisand, creo que ha comentado en alguna ocasión que la actriz/directora contactó con él para sustituir a Watkin en "Yentl", algo que finalmente no ocurrió. Y es que Streisand, desde siempre, ha estado preocupadísima por su apariencia en pantalla. Comentaba Mario Tosi [ASC] ("Carrie") en su entrevista en la edición americana del libro "Maestros de la Luz" que cuando trabajó con ella en una película, le costó horrores convencerla para que se dejase fotografiar de una manera diferente a la que estaba acostumbrada. Tosi comenta concretamente que durante los años 60, Harry Stradling la había retratado exclusivamente a base de luz dura sin difuminar y que ella se sentía muy a gusto de esa forma. Laszlo Kovacs, posteriormente, había modificado ligeramente la técnica en "What's Up Doc?", empleando enormes unidades de luz con un panel difusor entre las mismas y la actriz, cuya luz muchas veces no tenía nada que ver con la de la escena concreta. Y Tosi quería ir más lejos aún, empleando luz rebotada/reflejada, como era su estilo, para esos primeros planos. Al final comenta que Streisand quedó contenta, pero que no fue una experiencia sencilla. Por ello, la experiencia de contar con Watkin, con su tendencia de no iluminar los primeros planos, debió de ser bastante frustrante para la actriz, puesto que el británico no era el operador que más se preocupase por ese aspecto. Aún así, no debió de quedar del todo descontenta, porque cuando Owen Roizman declinó participar en "Memorias de África", Streisand le recomendó a Sydney Pollack que contratase a Watkin, de quien le aseguró que iba a querer asesinarlo muchas veces durante el rodaje, pero que iba a enamorarse de los resultados. Y huelga decir que, empleando técnicas tan poco convencionales como en el resto de su carrera, David Watkin obtuvo su única nominación y único Óscar por su trabajo en este film.
Pues nunca he visto "Yentl", porque nunca me he atrevido. ¿Merece TANTO la pena? Es que mi tira para atrás cosa mala.
En cualquier caso, en mi opinión, el británico David Watkin fue uno de los más interesantes, personales y más importantes directores de fotografía de la segunda mitad del siglo XX, con el que además comparto en gran medida gustos estéticos. Se había iniciado en el mundo del documental y cuando dio el salto al cine hacia 1965 se convirtió en un pionero en el uso de la luz rebotada, en contraposición al estilo de luces duras y directas que dominaba la fotografía en color de la época. Por consiguiente, los trabajos de Watkin eran poco convencionales, poco comerciales y autorales, sobre todo desde que comenzó a experimentar con la iluminación single-source, desde una única fuente, a lo Vermeer. Por ejemplo en la película "Marat-Sade" (1967) hay secuencias en las que el decorado tiene una gran ventana, que Watkin cubría con papel cebolla para proyectar, desde el exterior, alrededor de diez fuentes de 10K sobre la misma. De esta forma, toda la luz partía desde esa ventana que podía verse en pantalla y podían rodar en 360 grados, además de obtener un efecto muy moderno e increíblemente estilizado a la par que naturalista:
YouTube - MARAT-SADE-I de PETER BROOK-CASTELLANO[/URL]
Watkin, por consiguiente, era un tío muy poco convencional, con mucha personalidad e incluso de un carácter dificil cuando le hacían modificar sus planteamientos. Entre sus técnicas favoritas en exteriores se encontraba, asimismo, el uso del rodaje a contraluz, de un lado para aprovechar mejor la luz natural y mejorar la continuidad, así como por obtener bonitos efectos estéticos. Y aunque era un enemigo declarado del formato panorámico anamórfico, que consideraba una catástrofe óptica, realizó alguna de las más impactantes fotografías anamórficas que yo conozco, como la increíblemente moderna "The Charge of the Light Brigade" (1968), en la que empleó ópticas muy antiguas como las Ross Xpress adaptadas a anamórfico a máxima apertura, para conseguir el que posiblemente sea el aspecto lumínico más natural jamás obtenido en una película rodada en este formato a 50 ASA., así como un verdadero espectáculo de distorsiones ópticas. Por ejemplo, como consecuencia de este trabajo, el mismísimo Geoffrey Unsworth se convirtió en un fan declarado de Watkin e hizo que su ayudante Peter MacDonald, que conocía a Watkin, los presentase.
YouTube - The Charge Of The Light Brigade - Trailer[/URL]
Además de por su costumbre de dormir entre tomas y de por su declarada homosexualidad, Watkin también era famoso, como digo, porque como consecuencia de iluminar los sets en 360 grados, era muy reacio a modificar la iluminación de los primeros planos con respecto a la de los planos generales. Se dice, por ejemplo, que tras la muerte de John Alcott ("Barry Lyndon"), David Lean convocó a Watkin para rodar "Nostromo", pero que finalmente, tras rodar algunas pruebas, no le contrató porque Watkin era tan rápido iluminando -ya que no modificaba la luz entre tomas- que impidía que el director se tomase sus famosos y largos silencios "creativos".
Stephen Goldblatt, que posteriormente rodó "El Príncipe de las Mareas" para Streisand, creo que ha comentado en alguna ocasión que la actriz/directora contactó con él para sustituir a Watkin en "Yentl", algo que finalmente no ocurrió. Y es que Streisand, desde siempre, ha estado preocupadísima por su apariencia en pantalla. Comentaba Mario Tosi [ASC] ("Carrie") en su entrevista en la edición americana del libro "Maestros de la Luz" que cuando trabajó con ella en una película, le costó horrores convencerla para que se dejase fotografiar de una manera diferente a la que estaba acostumbrada. Tosi comenta concretamente que durante los años 60, Harry Stradling la había retratado exclusivamente a base de luz dura sin difuminar y que ella se sentía muy a gusto de esa forma. Laszlo Kovacs, posteriormente, había modificado ligeramente la técnica en "What's Up Doc?", empleando enormes unidades de luz con un panel difusor entre las mismas y la actriz, cuya luz muchas veces no tenía nada que ver con la de la escena concreta. Y Tosi quería ir más lejos aún, empleando luz rebotada/reflejada, como era su estilo, para esos primeros planos. Al final comenta que Streisand quedó contenta, pero que no fue una experiencia sencilla. Por ello, la experiencia de contar con Watkin, con su tendencia de no iluminar los primeros planos, debió de ser bastante frustrante para la actriz, puesto que el británico no era el operador que más se preocupase por ese aspecto. Aún así, no debió de quedar del todo descontenta, porque cuando Owen Roizman declinó participar en "Memorias de África", Streisand le recomendó a Sydney Pollack que contratase a Watkin, de quien le aseguró que iba a querer asesinarlo muchas veces durante el rodaje, pero que iba a enamorarse de los resultados. Y huelga decir que, empleando técnicas tan poco convencionales como en el resto de su carrera, David Watkin obtuvo su única nominación y único Óscar por su trabajo en este film.