Fotografía Cinematográfica

[Dussander]

estar rodeado de extraños cómplices, en la oscuridad, lejos de tu casa... hace que te impregnes y metas en la historia mucho más que si lo haces en tu salón.

Eso si no está el típico que toca los huevos en la sala, claro.

 

[nogales]

Claro, o las infrasalas con mal sonido, mala proyección, malos asientos, etc.

pero de esas hace tiempo que no sé nada.

 

[Harmonica]

Si lo de ir a un buen cine y estar acompañado de un buen público es inigualable, eso está claro. Pero los buenos cines escasean, los buenos públicos sólo los encuentro en las sesiones matinales y las malas copias están a la orden del día. ¿De qué me sirve hacerme 50 kms (ida y vuelta) para ir al Kinépolis si luego me toca una porquería de copia de "No country for Old Men" al día siguiente del estreno? Es mucho más rentable (económicamente) y saludable (cinematográficamente) esperar tres meses y comprarla directamente en Blu-ray, eso suponiendo que no las veas en cine y después la compres, que multiplica por dos el gasto. Por eso, en estos días, estimo que propuestas como la de Nolan (IMAX) o Cameron (3-D, aunque no me guste) son de las pocas cosas que pueden empujarle a uno a acudir a un cine. A lo demás la cabeza me dice que no, aunque el corazón me haga ir semana sí semana también.

 

[JDUG]

De tanto hablar sobre composición y buen uso del scope me ha entrado la tentación de revisionar “El graduado” (“The Graduate”, 1967, Mike Nichols), film del que sólo se pueden comentar virtudes en el aspecto fotográfico. Pero Nacho, como es habitual, las expresa mejor que nadie.

También he visto “Adiós, pequeña, adiós” (“Gone Baby Gone”, Ben Affleck, 2007) cuya planificación y trabajo de cámara consiguen que Christopher Nolan parezca David Lean. En general, la película tiene una solvente dirección, que por desgracia cae no pocas veces en efectismos de montaje más propios del videoclip, dejando la sensación de que el material ha sido desaprovechado. En ese sentido se echa en falta a Clint Eastwood, pero afortunadamente no a su operador habitual de los últimos años, Tom Stern, puesto que el encargado de la fotografía es el siempre competente y versátil John Toll [ASC].
En su trabajo se percibe una clara influencia de “Hijos de los hombres” (“Children of Men”, Alfonso Cuarón, 2006), rodada por Emmanuel Lubezki [ASC,AMC]. Ambas películas comparten paleta de color, emulsiones de bajo contraste con negros profundizados en el Digital Intermediate (2K), sobreexposiciones viradas a amarillo o magenta, iluminación naturalista, y ópticas muy nítidas, siendo superiores en ese sentido las Zeiss Master Primes que utiliza “Chivo”, seguidas de cerca por los Primos de Panavison por la sensación de nitidez que aporta la textura granulada del film de Toll. Las diferencias residen en la temática y puesta en escena de los largometrajes, siendo la subexposición un recurso muy válido para el operador americano, con especial mención a la escena del tiroteo en la casa, todo un ejemplo de valentía y creatividad. También cabe destacar la fotografía aérea, en especial el plano del lago de la cantera. Por desgracia su trabajo flaquea bastante en las escenas nocturnas en exteriores dada la nula justificación de las fuentes de iluminación, en oposición a la meticulosidad con la que generalmente se ilumina el resto del metraje.

Resumiendo mi opinión se podría decir que nos encontramos ante una fotografía que cumple sobradamente con su objetivo, ocultando además el ajustado presupuesto de la cinta, creando un aspecto unlit que demuestra que la credibilidad no es incompatible con una cierta vistosidad. Tomen nota aquellos cineastas que sigan pensando que es necesario recurrir al digital con la luz disponible para aportar veracidad a sus trabajos.

Una cosilla: me pregunto si los flashbacks sufrieron un sobrerrevelado o un bleach bypass. El color me hace pensar en revelado forzado, pero no estoy seguro del todo. ¿Puede alguien resolver la cuestión?.

 

[JDUG]

Hace poco más de un mes vi “Malas Tierras” (“Badlands”, Terrence Malick, 1973), que resultó ser una grata sorpresa en el apartado fotográfico pese a ser el primer film del director texano. Es evidente que hay problemas de continuidad lumínica y que no es su largometraje más destacable en este aspecto, pero no deja de ser una toma de contacto muy loable y sorprendente con el naturalismo, una declaración de intenciones en toda regla. Intenciones convertidas en hechos, como todos sabemos, desde que Nestor Almendros (y Haskell Wexler) firmara “Días del Cielo” (“Days of Heaven”, Terrence Malick, 1978). Y después de percibir la influencia de Lubezki en “Adiós, pequeña, adiós” (“Gone Baby Gone”, Ben Affleck, 2007) y recordar a Malick, el camino me condujo inevitablemente a Roma y alquilé “El Nuevo Mundo” (“The New World”, Terrence Malick, 2005). Sin ser la mejor película del director, me encontré totalmente hipnotizado por la poesía visual y sonora que ofrece. Así que, pese a los altibajos, he de confesar que si alguien ha conseguido plasmar algo tan complejo como el amor honrando su esencia en la gran pantalla, ése ha sido el señor Malick. Tengo muchas ganas de ver qué ha hecho en “Tree of Life”, desde luego.

Pues bueno, dejándome de rollos, el operador mejicano nos regala uno de sus dos trabajos capitales (injustamente ignorados por la A.S.C. y la A.M.P.A.S). Cualquier palabra o captura que pusiera sería un insulto hacia semejante maravilla. Es una obra maestra que cualquier aficionado al tema no debería dejar pasar. Punto.

Lo amargo es que el Digital Intermediate se realizara a 2K desaprovechando la resolución ya no del super35 de “Hijos de los Hombres” (“Children of Men”, Alfonso Cuarón, 2006), sino del anamórfico, que son palabras mayores.
De hecho, Nacho comentaba que en un principio pretendían rodar la película en 65mm, pero pensaron que sería mejor abandonar la idea por la escasez de salas capaces de proyectar en ese formato y por el aumento considerable del presupuesto que surgiría, conociendo además el estilo de rodaje del director. Y mi pregunta es si se conoce algún plano en concreto que se rodara así. Ni en el cine ni en casa he sido capaz de percatarme de su aparición, pero se va a lanzar el montaje extendido en Octubre (que le vendrá de lujo al inicio de la película) y puede que por fin veamos esos segmentos, claro que en un formato doméstico y a 2K es posible que ni siquiera se hagan notar. Lástima, ¿o no?.

Por cierto, ediciones de alquiler como la de esta película demuestran que por muy mala que pueda llegar a ser la experiencia de ir al cine, en casa puede ser aún peor. Pregúntenselo a los responsables de la anamorfización extraña con la que me he encontrado. Y es que la magia de ir al cine es tan grande que al final lo perdono todo...pero no lo olvido.

Un saludo

 

[JDUG]

Pozos de Ambición

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“There Will be blood” (Paul Thomas Anderson, 2007) ganó el premio de la ASC y el Academy Award a la mejor fotografía. Su principal artífice, Robert Elswit [ASC], atribuyó este hecho al abandono de Janusz Kaminski de ambas asociaciones y a la división de votos que pudo surgir de la nominación por partida doble de Roger Deakins [ASC,BSC].
Al margen de la relevancia de estos factores, “There Will Be Blood” se me antoja, sin duda, como la mejor fotografía cinematográfica del pasado año.

Centrándonos en el film de P.T. Anderson, hay que puntualizar un aspecto fundamental para entender su fotografía:

Puede que preilumine algo, pero aparte de eso, Paul quiere trabajar un plano y encontrarlo mientras se rueda. Quiere que ocurran errores, porque ahí es donde irrumpe la vida. No hay marcas en el suelo, ni departamento de maquillaje y vestuario, y el equipo consta de poco más que 8 personas. No podría explicar con palabras lo diferente que es de los procedimientos habituales de Hollywood.

Primera parte

El primer plano de la película nos muestra un paisaje formado por tres montañas de escasa vegetación, transición del título “There will be blood” impreso en letras blancas sobre fondo negro, acompañado por la extraordinaria composición de Johny Greenwood (guitarrista de Radiohead). La escucha del segundo tema del link es obligatoria, aunque no es la pieza que abre el film.
Este plano es esencial a la hora de crear ambiente, puede que casi tanto como el plano inicial de “Apocalypse Now!”, pues consigue evocar el aspecto de la película que vamos a presenciar por medios similares. En este caso, de la toma destacan la aridez del paisaje (1), la sobreexposición a la que somete a la emulsión Kodak Vision2 50D 5201(2) en los cielos, la baja saturación de la imagen(3) y la aparición de 3 montañas(4).

1.- El lugar es una metáfora de la situación personal que va a atravesar el protagonista, Daniel Plainview, dada su visión cínica y pesimista de la gente. Sirve también para mostrar las dificultades que se va a encontrar el empresario para conseguir cumplir sus ambiciones. En último lugar, refleja también que Plainview es un hombre que se hace a sí mismo, desde los lugares más inhóspitos y desconocidos hasta su mansión en Beverly Hills, aunque lo que consiga, en palabras del director, sea convertirse en Drácula. Pero ese es otro tema.

2.- La sobreexposición va a ser una constante en la película. No sólo es inherente al estilo que aplican Elswit y Anderson, puesto que minimizan el uso de fuentes de iluminación artificial y en muchos casos recurren únicamente a reflectores (ésto lleva a que los cielos aparezcan quemados en muchas ocasiones), sino que es algo que aplican también conscientemente a la geografía del lugar. Gracias a esta técnica, consiguen aumentar las sensaciones que evoca y ayudan a respaldar la idea de que lugar es increíblemente cálido y que no hay zonas donde resguardarse. Ésto último también es una metáfora, puesto que Plainview queda expuesto, sin verdadero lugar donde canalizar sus emociones, siendo los rincones sombríos como el pozo que ha excavado meras ilusiones; ni siquiera en compañía de su supuesto hermano, cuando Daniel cree poder mostrarse más humano y vulnerable, está verdaderamente a la sombra. Sigue expuesto a esa sociedad que le observa y le excluye, con lo que Anderson muestra compasión y empatía hacia su personaje.

3.- La paleta de colores consta fundamentalmente de blanco, azul, , marrón, verde, gris, naranja y negro. Además de la baja saturación proporcionada por las lentes modificadas por Dan Sasaki (cuando todavía trabajaba para Panavision y no para Dalsa) y posiblemente por el etalonaje, la gama cromática de la película se muestra contenida, aportando un aspecto natural a la par que inquietante.

4.- El hecho de que aparezcan tres montañas va a ser muy representativo de la película: íntima y a la vez épica. En la mayor parte de las escenas intervienen tres o cuatro personas, y cuando el número se amplía, en la mayor parte de los casos no participan en las conversaciones, aparecen fuera de foco, o ni siquiera están en el plano. Ésto confiere a la película un elevado grado de intimidad.
Sin embargo, esos pocos personajes se encuentran enmarcados en grandes espacios de los que no vemos su fin. De hecho, gran parte de esos lugares serán llanuras, lo que unido al número de personas que participan en las conversaciones, sirve para justificar sobradamente el empleo del 35mm anamórfico con su relación de aspecto de 2.39:1, mucho más adecuado para las temática que el 1.85:1. Ésto, unido a los ambiciosos temas universales que toca la película (Poder, religión y familia), es lo que la convierte a la vez en una épica.

Los primeros planos del señor Plainview le muestran trabajando en un pozo; la luz cenital azulada oculta su cara bajo su gorro, que vemos por primera vez cuando se acerca a una de las paredes del estrecho pozo para observar más de cerca una de las rocas que ha picado. La profundidad de campo es mínima en los interiores, puesto que utilizaron, entre otros, lentes de la serie C y E de Panavisión modificadas por Sasaki, al igual que lentes Super High Speed, SP adaptadas al anamórfico y una lente Pathé de 43mm. El tono de la luz ayuda a enfatizar también las chispas anaranjadas que saltan de la roca y la mecha de la dinamita que emplea posteriormente. Una vez que ésta ha explotado, ya no vemos el interior del pozo bajo esa luz azul y el plano también sirve para que veamos que en esta película la única difusión que vamos a ver es la que proviene de fuentes naturales (en éste y en otros casos es la polvareda, pero también hay un plano entre la neblina).
Quisiera destacar un comentario que leí en una web americana:

Tal y como comienza la película, acaba. Sin oponentes a los que enfrentarse, y sin un sólo amigo en el mundo, Plainview está sólo en un agujero de su propia creación

En la escena en la que el protagonista lleva la plata para que realicen pruebas de escorificación y validen su hallazgo, se muestra uno de los dos insertos esenciales en la película, que nos muestra el nombre del protagonista, que es Daniel Plainview, y que sirve para trazar el arco que hay en la mentalidad desde el inicio hasta el fin, cuando su firma acaba siendo casi ilegible. Supongo que un experto en caligrafía podría sacar mucho más a partir de la relación entre el tamaño de las letras y los trazos fundamentales de la firma, pero a mí todo eso se me escapa.

En la siguiente escena, cuando vemos a Plainview acompañado de unos hombres buscando petróleo, comprobamos que la iluminación artificial hace acto de presencia, siendo menos sutil en el interior del pozo que en el exterior, ya que vemos perfectamente el reflejo de las unidades de Elswit en los ojos de los actores y en los objetos embadurnados de petróleo, lo que no devalúa el trabajo del operador porque está bien empleada ya que la fuente de mayor intensidad siempre es la cenital.

El plano del tren, que como bien indicó Nacho fue rodado con la lente Pathé (de 1910), es una perfecta estampa de época, con aberraciones en el color en los laterales, un contraste más suave y una definicón menor que las lentes modernas. Este tipo de planos demuestran que todavía hay recursos por explotar a la hora de transportar al espectador a otra época.

¿Pathé?

¿Continuará?

 

[JDUG]

qué querías decir con el anterior post con la captura de There will be blood?

Ahora lo sabes.

 

[nogales]

pues me la acabo de pillar en dvd.

así que mejor ocasión para revisarla imposible

 

[JDUG]

Lo próximo de Harris Savides [ASC] para Gus Van Sant: Milk
Interesante...

 

[JDUG]

“El Caballero Oscuro”: La experiencia Imax

Tras seis horas de autobús, cuatro y media de tren, una generosa suma de dinero invertida en la escapada, y un merecido sueño reparador, algo me impulsa a invitaros a que no dejéis pasar la oportunidad de ver “El Caballero Oscuro” (“The Dark Knight”, Christopher Nolan, 2008) en una de las tres salas IMAX en las que se proyecta en nuestro país. La cordura así lo requiere, al igual que el agradecimiento hacia semejante propuesta.
Ver el film en los Yelmo Cineplex de Oviedo ha sido una experiencia cinéfila irrepetible. El material rodado en IMAX es simplemente abrumador, su extraordinaria definición, nitidez, claridad y contraste producen una sensación de belleza e inmersión como nunca había vivido en un cine. Ahí estaba yo sobrevolando Chicago y Hong Kong, cara a cara cuando el Joker se quitaba la máscara de payaso, asustado entre explosiones y golpes en la persecución, pensando que en cualquier momento podría estirar el brazo y tocar a los actores que estaban en pantalla (atención al detalle en primeros planos). Vamos, maravilloso. Tan maravilloso que me he tenido que tragar las palabras y editar mi post inicial.

Pero ya sabéis que las monedas tienen dos caras, así que tuve que aguantar el DMR de las escenas en 35mm anamórfico. Su peor efecto es el realce de contornos, inevitable en una fotografía tan contrastada como ésta. También resulta cuanto menos extraño ver cómo un 35mm presenta en ocasiones un grano más fino que un 65mm. Esos defectos se compensan con una reproducción de luces y sombras impecable durante toda la proyección, además de que el mayor tamaño de exhibición ayude a mostrar pequeños detalles que pasaban inadvertidos en las proyecciones comunes, y de que el FX de Dos Caras resulte aún más perturbador y fascinante. He visto pantallas mayores en España, por ejemplo en Diversia en Madrid, pero evidentemente no cambiaría la experiencia por nada del mundo (y las luces de emergencia de allí son tan intensas que estropean los negros, no es broma).

Así que para la próxima sólo pido una cosilla pequeñita...que se ruede íntegramente en 65mm. Evidentemente como dice Nacho tendrán que abordar las escenas de diálogo en 65mm 5-perf, pero creo que estaría bien que lo siguieran combinando con 65mm 15-perf por lo beneficioso que resulta el espacio superior e inferior en las escenas de acción, porque le va como anillo al dedo a la fotografía aérea, y porque Nolan parece encandilado con el formato. ¡Menuda decepción supondría que se quedaran estancados en los 35mm!.
Resumiendo, una parte me dice que el logro técnico en sí mismo hace merecedor a Pfister de diversas nominaciones y una estatua, pero otra parte desea que surjan fotografías excelentes en los próximos meses que le quiten el puesto, más aún teniendo en cuenta que pese a la identidad propia del film, éste no deja de formar parte de una obra mayor que ya conocíamos.

La pregunta es: ¿de dónde sacaran el máster para el Blu-ray? Espero que no del DMR porque me pego un tiro directamente.

 

[JDUG]

Planos 65mm 15-perf

Por si a alguien le interesa:

Planos en IMAX:

Todo el atraco al banco.[/*:m:204jtdws] La primera toma aérea nocturna de Gotham que viene justo después.[/*:m:204jtdws] El plano de helicóptero en el que vemos el nuevo emplazamiento de Wayne Enterprises.[/*:m:204jtdws] La toma aérea de transición entre la irrupción del Joker en la reunión de los mafiosos y la conversación entre Dent, Gordon y Batman en la azotea.[/*:m:204jtdws] El avión aterrizando en el agua junto al barco.[/*:m:204jtdws] Los tres planos que establecen Hong Kong, con la aparición por la izquierda del helicóptero en el que llega Lucius Fox, la bienvenida por parte de un empleado de Lao en el helipuerto y la vista general de los rascacielos por los que se moverá Batman.[/*:m:204jtdws] La secuencia en que vemos a Bruce Wayne subido a lo alto de un edificio preparándose para lanzarse, que incluye un picado en el que se pone la máscara, unos cuantos planos de detalle de la colocación de las cargas explosivas y su vuelo entre los edificios hasta que irrumpe en la oficina (pero no el interior al apagarse las luces). Es alucinante comprobar que Christian Bale estaba allí subido de verdad.[/*:m:204jtdws] La detonación de la cristalera una vez que ha atrapado a Lao, el lanzamiento del globo luminoso y la huida en avión.[/*:m:204jtdws] La maqueta que muestra el edificio donde tiene lugar la fiesta (Sigo sin entender por qué la rodaron entre pantallas verdes cuando podrían haber encontrado algún edificio en Chicago)[/*:m:204jtdws] El plano de helicóptero que muestra la calle donde tiene lugar el desfile de policía en homenaje al comisario asesinado.[/*:m:204jtdws] Toda la escena del convoy que transporta a Harvey Dent, justo después de que Rachel vea la peculiaridad de la moneda de la suerte, hasta que Gordon abre la furgoneta para sorpresa del fiscal del distrito. Imaginad el vuelco del camión visto en este formato.[/*:m:204jtdws] Los planos en los que Batman va en el Batpod para salvar a Rachel durante la cuenta atrás.[/*:m:204jtdws] El montaje desde que el Joker saca la cabeza del coche de policía hasta que Alfred le lleva el desayuno a un Bruce abatido. (Es decir, coche de policía, bomberos sofocando las llamas, Batman encontrando la moneda, Alfred leyendo la carta de Rachel, Dent siendo hospitalizado y Batman llevando la moneda a Dent).[/*:m:204jtdws] Planos de Wayne en el Lamborghini acabando en el picado en el que se ven los tres coches involucrados en el impacto.[/*:m:204jtdws] Toma en la que el Joker abandona el hospital, seguido por el plano aéreo de la demolición (pero no los planos de los autobuses).[/*:m:204jtdws] Imagen de los escombros del hospital.[/*:m:204jtdws] El plano aéreo de las carreteras colapsadas por la gente ante las amenazas del Joker.[/*:m:204jtdws] Los ferries partiendo[/*:m:204jtdws] El plano aéreo que muestra el edificio donde está el Joker.[/*:m:204jtdws] La set piece de los payasos, los médicos y los SWAT desde el “no te muevas” (al presentador de las noticias) hasta que Batman sube al Joker y le deja colgado bocabajo. [/*:m:204jtdws] El montaje final (que incluye el funeral de Dent, la rotura de la señal, la eliminación de la carta de Rachel, la marcha de Lucius Fox de la sala del sonar y Batman abandonando la escena del crimen, con los perros persiguiéndole y el Batpod por los túneles)[/*:m:204jtdws]

[/table:204jtdws]

Saludos

 

[Harmonica]

Me quito el sombrero ante tus últimos posts -que por falta de tiempo no he podido responder, pero pienso hacerlo- y ante el viaje que te has marcado para poder ver la película en IMAX. Ahora ya sé que no soy el único que lo ha hecho, aunque en mi caso quizá era menos dramático porque yo aproveché para pasar el fin de semana en familia. ¡Pero ahora ya sabes por qué Richard Edlund dijo que los 65mm eran "the way God intended movies to be made"!. Es algo inigualable.

El DMR a mí no deja de desconcertarme porque, por un lado, posiblemente se trata del material 35mm anamórfico más nítido que he visto jamás, pero por otro, la reducción de ruido y el realce de contornos son también bastante molestos. Es decir, lo que se gana por un lado se pierde por otro. Además, el material en 35mm tiene unos negros mucho menos intensos (atención a los interiores de los ferrys montada entre la set piece de los payasos y los SWAT), o el IMAX es capaz de mantener unos negros negrísimos al mismo tiempo que un detalle en sombras espectacular (según se mire, pero desde luego en esa secuencia o en la llegada de Batman a Hong-Kong se nota mucho el cambio), de ahí que yo opine que deberían de haber utilizado el formato 65mm 5-perf para el metraje principal. De todas formas, ya me daría con un canto en los dientes si repiten la fórmula actual en la tercera.

¿No te ha parecido que el formato cuadrado del IMAX -con más imagen arriba y abajo que en la proyección normal en 35mm- beneficia mucho a Nolan? Los encuadres no son tan cerrados y todo se ve mucho mejor. Al parecer, en Blu-ray se van a alternar las relaciones de aspecto como en las salas de IMAX, aunque quizá sería más conveniente que el material en 65mm se presentase en 1.78:1 y el resto en 2.40:1, ya que si no el cambio será brutal para aquéllos que poseemos proyectores o TV panorámicas. No debería de verse afectado por el DMR, si lo hacen bien y tiran un nuevo master escaneando por separado en HD cada tipo de negativo.

P.D. 1: El DI de "El Nuevo Mundo" únicamente se empleó para reducir a 35mm anamórfico los planos que estaban rodados en 65mm, todo un desperdicio. ¿Cuáles son? Se supone que algo del material inicial con los barcos u otros exteriores, que son los únicos momentos en que no se puede saber si las lentes empleadas son anamórficas o esféricas. En 35mm era imposible distinguir estos planos porque no destacaban en absoluto, pero el trabajo del mejicano es espléndido. "Tree of Life" es Super 35mm con Zeiss Master Primes, habrá que ver si 1.85:1 (lo intuyo) o 2.40:1. Ya me extrañó que Lubezki quisiera rodar "El Nuevo Mundo" en Panavision puesto que es un formato que no le gusta demasiado y ahora que Malick confía más en él ha logrado imponer sus gustos. Por cierto, que viendo esta tarde un segundo en TV el ataque al campamento japonés de "La Delgada Línea Roja", he apreciado muchísimo el fuerte viñeteo o portholing de las ópticas gran angular de la serie C de Panavision, empleadas en la Steadicam (el resto eran Primos). Pero una pasada, oiga.

P.D. 2: De aquí a finales de año no hay demasiado que pueda rivalizar con Pfister: "Australia" (Mandy Walker), "Benjamin Button" (Claudio Miranda), "Revolutionary Road" (Deakins), "Defiance" (creo que se llama así la última de Eduardo Serra con Edward Zwick), "Appaloosa" (Dean Semler) y no mucho más que recuerde de memoria. John Toll aporta "Tropic Thunder", que no parece que sea una película que vaya a ganar premios mientras que Richardson, Deschanel o Lubezki, habituales en estas lides, no presentan películas este año. Mala cosa.

 

[Dr_X]

Yo también me hice "el viaje Imax": soy de Madrid y me fui a Málaga sólo para verla en Imax.

Viéndola así todavía no me explico como el resto de cines Imax nacionales no se han dado de hostias por ponerla en sus salas, porque es justo el revulsivo que necesitan y con un poco de promoción y boca-oreja no pararían de contar los billetes. Además, a modo de pequeño off-topic en esto de la foto, la diferencia de calidad de sonido entre las salas con copia tradicional y esta era la noche y el día: qué nitidez, qué contundencia, qué espacialidad (surround trasero incluido). Necesitamos más experiencias como estas -sic-

Volviendo a la imagen, poco puedo añadir que no hayáis comentado ya. Si acaso que me llevé una sorpresa con los cambios de relación de aspecto de la película. Me explico: las cabeceras de Warner, DC y el murciélago aparecen en el aspecto de cine original, 2.40:1; empieza la secuencia del banco en Imax, 1.44:1 + babas, y cuando termina y vuelve a las secuencias rodadas en 35mm resulta que el aspecto es más bien un 1.78:1, o sea, nada que ver con el cinemascope inicial.
En cualquier caso, tiene pinta de que ya manejaron esa posibilidad en el rodaje porque no noté ningún encuadre forzado (ya había visto TDK en 35mm la semana anterior).
También me dí cuenta que las escenas en Imax están excelentemente rodadas y han sabido como llenar perfectamente la pantalla sin sacrificar nada para pasar los planos a 2.40:1.

En definitiva, TDK en Imax se disfruta intensamente. Pocas veces se puede echar uno a la cara un proyecto tan ambicioso y bien resuelto a la hora de apabullar al espectador.

Por cierto, ¿no creéis que hay cierto conformismo a la hora de rodar y exhibir películas y los que hacen cine se olvidan un poco del espectáculo como si que hacían a mitad del siglo XX en el Hollywood dorado?
Me explico un poco: después de ver TDK en Imax me preguntaba porqué no se rodarán más películas, sino en Imax, si quizá en 65mm para apabullarnos visualmente en los cines. Ahora con los home cinema, Blu-rays y demás parece que ver películas en el cine no aporta tanto valor, y quizá es porque se está descuidando un poco tanto la calidad de la exhibición como los esfuerzos por mantener la diferencia del cine a lo grande.
No se si me explico...

 

[Elliott]

no parece que sea una película que vaya a ganar premios mientras que Richardson, Deschanel o Lubezki, habituales en estas lides, no presentan películas este año. Mala cosa.

Olvidas la de los Coen (aunque tampoco creo q mate).

 

[Harmonica]

Totalmente cierto, que la de los Coen es de Lubezki. Pero no parece que aporte nada nuevo y no creo que los hermanos vuelvan a ser reconocidos este mismo año.

 

[JDUG]

Me quito el sombrero ante tus últimos posts -que por falta de tiempo no he podido responder, pero pienso hacerlo- y ante el viaje que te has marcado para poder ver la película en IMAX. Ahora ya sé que no soy el único que lo ha hecho, aunque en mi caso quizá era menos dramático porque yo aproveché para pasar el fin de semana en familia. ¡Pero ahora ya sabes por qué Richard Edlund dijo que los 65mm eran "the way God intended movies to be made"!. Es algo inigualable.

[offtopic]Yo no tengo familia en Oviedo, pero venía de verla de Santiago. El autobús estupendo, pero el tren era para matar a alguien, oxidado, con los asientos manchados y húmedos, sin espacio para las maletas, 8 personas en un compartimento, cuarenta minutos de retraso...Vamos, como en “Cuéntame”. Pero mereció la pena. Mucho. De hecho, no hice otra cosa en todo el santo día excepto hartarme a escuchar al Bob Dylan del 64-65.[/offtopic]
Sólo había visto otra proyección en 65mm, que fue un documental sobre el Nilo en el IMAX de Valencia. Como ha dicho Deimos aquí, su calidad era dudosa. No me impresionó lo más mínimo, me parecía que estaban desaprovechando totalmente la pantalla y el concepto de la cúpula me resultó muy incómodo.
Lo que no sé es cómo voy a ir mañana al cine a ver “Che, El Argentino” (Steven Soderbergh, 2008) y “El Tren de las 3:10” (“3:10 To Yuma”, James Mangold, 2007) sin echar de menos los 65mm. Igual me pongo a llorar.
Y Merci beaucoup, Nacho.

El DMR a mí no deja de desconcertarme porque, por un lado, posiblemente se trata del material 35mm anamórfico más nítido que he visto jamás, pero por otro, la reducción de ruido y el realce de contornos son también bastante molestos. Es decir, lo que se gana por un lado se pierde por otro. Además, el material en 35mm tiene unos negros mucho menos intensos (atención a los interiores de los ferrys montada entre la set piece de los payasos y los SWAT), o el IMAX es capaz de mantener unos negros negrísimos al mismo tiempo que un detalle en sombras espectacular (según se mire, pero desde luego en esa secuencia o en la llegada de Batman a Hong-Kong se nota mucho el cambio), de ahí que yo opine que deberían de haber utilizado el formato 65mm 5-perf para el metraje principal. De todas formas, ya me daría con un canto en los dientes si repiten la fórmula actual en la tercera.

El tema del contraste me dejó anonadado. En las escenas de Hong Kong los negros se mantenían con muchísima dignidad y a la vez se podían ver perfectamente los edificios y el cielo. Era como estar allí mismo. La verdad es que cuando el realce de contornos no era problemático lo que se echaba en falta era, como comentabas, el punch de las escenas en 65mm 15-perf y su contraste; el resto de la película, pese a ser muy contrastada parecía en comparación “Lost in Translation”.

¿No te ha parecido que el formato cuadrado del IMAX -con más imagen arriba y abajo que en la proyección normal en 35mm- beneficia mucho a Nolan? Los encuadres no son tan cerrados y todo se ve mucho mejor. Al parecer, en Blu-ray se van a alternar las relaciones de aspecto como en las salas de IMAX, aunque quizá sería más conveniente que el material en 65mm se presentase en 1.78:1 y el resto en 2.40:1, ya que si no el cambio será brutal para aquéllos que poseemos proyectores o TV panorámicas. No debería de verse afectado por el DMR, si lo hacen bien y tiran un nuevo master escaneando por separado en HD cada tipo de negativo.

El formato del IMAX convierte la escena del convoy SWAT en algo muy espectacular. En una proyección convencional en 35mm ya se notaba que habían mimado algo más la planificación que en la horrible escena en los mismos túneles de “Batman Begins” (Christopher Nolan, 2005), pero el open mate del que hablaba Deimos se agradece muchísimo, crea una sensación de amplitud a la vez que mantiene la idea de estar allí que me parece fundamental viendo los problemas de dirección de Nolan. Fue todo un alivio, puede que más aún en la set piece de los SWAT en el edificio, que tira más de cámara al hombro y steadicam. Sin venir mucho a cuento, me alegra que en la escena de la discoteca dejaran la cámara fija para compensar lo horripilante del efecto estroboscópico, y comprobar que han utilizado mucha más steady que en "Begins".
Mi suposición con el BD es que harán como en el de “Batman Begins” y pondrán la imagen en 1.78:1, combinándola con 2.39:1 del anamórfico. Evidentemente, pasar de un 1.44:1 a un 2.39:1 es brutal en un televisor 4:3, y significaría recortes laterales en un 16:9, así que creo que no lo dudarán a la hora de abordar tu solución. De hecho, como dice Dr_X ni siquiera en IMAX utilizan el aspect ratio original de los 35mm para que nadie se enterara de los cambios. Mientras que en Warner no se pongan peseteros con el que será el estreno del año en BD y el DMR no haga acto de presencia, tendremos una edición de referencia en cuanto a calidad de imagen. O puede que sea “Baraka”.

P.D. 1: El DI de "El Nuevo Mundo" únicamente se empleó para reducir a 35mm anamórfico los planos que estaban rodados en 65mm, todo un desperdicio. ¿Cuáles son? Se supone que algo del material inicial con los barcos u otros exteriores, que son los únicos momentos en que no se puede saber si las lentes empleadas son anamórficas o esféricas. En 35mm era imposible distinguir estos planos porque no destacaban en absoluto, pero el trabajo del mejicano es espléndido. "Tree of Life" es Super 35mm con Zeiss Master Primes, habrá que ver si 1.85:1 (lo intuyo) o 2.40:1. Ya me extrañó que Lubezki quisiera rodar "El Nuevo Mundo" en Panavision puesto que es un formato que no le gusta demasiado y ahora que Malick confía más en él ha logrado imponer sus gustos. Por cierto, que viendo esta tarde un segundo en TV el ataque al campamento japonés de "La Delgada Línea Roja", he apreciado muchísimo el fuerte viñeteo o portholing de las ópticas gran angular de la serie C de Panavision, empleadas en la Steadicam (el resto eran Primos). Pero una pasada, oiga.

Gracias por las precisiones, el post está editado de acuerdo a tu información. Lo más increíble de todo es que cuando oí que Lubezki y Malick iban a trabajar juntos pensé que estaban locos, que no podría funcionar. ¿Lubezki el amante del super35 1.85:1 y el Malick del 35mm anamórfico 2.39:1? ¿El mismo Malick de preciosistas imágenes naturalistas de una plasticidad insuperable con el crudo naturalismo de Lubezki de “Y tú Mamá también” (Alfonso Cuarón, 2001)? ¡Y mira si funciona!. Una maravilla en toda regla. Todavía no sé cómo consiguieron conjugar sus estilos, pero ahí les tienes repitiendo en “Tree of Life”, de verdad que estoy ansioso por ver los resultados.
“La Delgada Línea Roja” es una absoluta maravilla fotográfica. Y el viñeteo de las lentes anamórficas me encanta, le da un aire de cine artesanal incomparable (Por eso prefiero las películas con lentes anamórficas antiguas, pre-serie C). Y hablando de lentes anamórficas, cuando el bokeh es un rectángulo con los lados curvados significa que utilizan C,E o Super High Speeds? ¿o es algo particular de una sola longitud focal de una de esas series?

[hr:2gja9zf6]

Yo también me hice "el viaje Imax": soy de Madrid y me fui a Málaga sólo para verla en Imax.

Viéndola así todavía no me explico como el resto de cines Imax nacionales no se han dado de hostias por ponerla en sus salas, porque es justo el revulsivo que necesitan y con un poco de promoción y boca-oreja no pararían de contar los billetes. Además, a modo de pequeño off-topic en esto de la foto, la diferencia de calidad de sonido entre las salas con copia tradicional y esta era la noche y el día: qué nitidez, qué contundencia, qué espacialidad (surround trasero incluido). Necesitamos más experiencias como estas -sic-

Me alegra inmensamente comprobar el poder que este tipo de eventos tiene sobre algunos de los foreros. King Conan se fue a Londres, Harmonica y tú a Málaga, Valek se está planteando ir a Oviedo, etc. Los demás ya están tardando, y, continuando con el [offtopic],el sonido era espectacular. La nitidez, espacialidad y rango dinámico eran insuperables. En el atraco al banco se oían los tics de los relojes de la composición de Zimmer por multitud de altavoces con una reproducción fantástica. Nada que ver con esas salas en las que fuerzan los subwoofers, como en “Wall-e”, que se producían hasta ondas concéntricas a lo “Parque Jurásico” en una zona de la pantalla. Lo único malo es que uno de los altavoces frontales no funcionaban o en la pista de sonido IMAX V.E. Se han olvidado de algunos elementos. Creedme, he visto la película tres veces en cines, sé lo que me digo. [/offtopic]

Volviendo a la imagen, poco puedo añadir que no hayáis comentado ya. Si acaso que me llevé una sorpresa con los cambios de relación de aspecto de la película. Me explico: las cabeceras de Warner, DC y el murciélago aparecen en el aspecto de cine original, 2.40:1; empieza la secuencia del banco en Imax, 1.44:1 + babas, y cuando termina y vuelve a las secuencias rodadas en 35mm resulta que el aspecto es más bien un 1.78:1, o sea, nada que ver con el cinemascope inicial.
En cualquier caso, tiene pinta de que ya manejaron esa posibilidad en el rodaje porque no noté ningún encuadre forzado (ya había visto TDK en 35mm la semana anterior).
También me dí cuenta que las escenas en Imax están excelentemente rodadas y han sabido como llenar perfectamente la pantalla sin sacrificar nada para pasar los planos a 2.40:1.

En definitiva, TDK en Imax se disfruta intensamente. Pocas veces se puede echar uno a la cara un proyecto tan ambicioso y bien resuelto a la hora de apabullar al espectador.

Estoy totalmente de acuerdo contigo, han resuelto la tarea de encuadrar para todo el mundo con dignidad. Y como Nolan no ha sido jamás un director de composiciones milimétricas en Scope, no hay nada que echar de menos al verla en 35mm ni en IMAX, y nadie notará un cambio con respecto a la primera parte en ese sentido.

Por cierto, ¿no creéis que hay cierto conformismo a la hora de rodar y exhibir películas y los que hacen cine se olvidan un poco del espectáculo como si que hacían a mitad del siglo XX en el Hollywood dorado?
Me explico un poco: después de ver TDK en Imax me preguntaba porqué no se rodarán más películas, sino en Imax, si quizá en 65mm para apabullarnos visualmente en los cines. Ahora con los home cinema, Blu-rays y demás parece que ver películas en el cine no aporta tanto valor, y quizá es porque se está descuidando un poco tanto la calidad de la exhibición como los esfuerzos por mantener la diferencia del cine a lo grande.
No se si me explico...

Te explicas perfectamente, y es un sentimiento generalizado en el tema. Creo que fue Kubrick quien dijo en su época que la televisión debía ser todo un estímulo para que los directores de cine intentaran ir más allá de lo que ésta podría ofrecer, entonces hizo “2001: una odisea del espacio” (“2001: a space odissey”, 1968). Y el mismo cuento tendrían que aplicarse los cineastas ahora, en vez de incorporar el videojuego al lenguaje cinematográfico con sus movimientos de cámara imposibles, estaría bien que se alejaran totalmente de todos esos artificios y demostraran que el cine es un arte único e inimitable. Los grandes formatos son la opción más válida ahora mismo.
Desde ahora, por el decreto 1, artículo 2b de fotografía cinematográfica, el 35mm anamórfico deja de ser El preferido de la casa[sup]TM[/sup] y ocupa su lugar el 65mm 15-perf.

Saludos

 

[JDUG]

2008

P.D. 2: De aquí a finales de año no hay demasiado que pueda rivalizar con Pfister: "Australia" (Mandy Walker), "Benjamin Button" (Claudio Miranda), "Revolutionary Road" (Deakins), "Defiance" (creo que se llama así la última de Eduardo Serra con Edward Zwick), "Appaloosa" (Dean Semler) y no mucho más que recuerde de memoria. John Toll aporta "Tropic Thunder", que no parece que sea una película que vaya a ganar premios mientras que Richardson, Deschanel o Lubezki, habituales en estas lides, no presentan películas este año. Mala cosa.

La verdad es que no tiene mucha pinta de ser un gran momento cinematográfico, pero a estas alturas el pasado año no imaginaba que Robert Elswit [ASC] iba a deslumbrarnos con “Pozos de Ambición” (“There Will Be Blood”, Paul Thomas Anderson, 2007). Todo sea que nos sorprendan. Ojalá sea así.
Las impresiones que me están dando las películas que se están mencionando de cara a la temporada de premios vienen a ser las siguientes:

• “Australia” (Baz Luhrmann, 2008). Al ver el avance parece que los planos que se han elegido son de lucimiento fotográfico, y como de su directora de fotografía, Mandy Walker, no he visto absolutamente nada, pues lo cierto es que no sé qué pensar. Se puede apreciar que el grano cinematográfico varía considerablemente en los distintos momentos, y que los planos de Nicole Kidman contando la historia a la aborigen tienen un aspecto totalmente artificial. Puede que sean decisiones artísticas, en el primer caso para reflejar la crudeza de la guerra y en el segundo como juego con el espectador, en el que el cuento es mucho más real que la realidad. También podrían ser problemas, todo dependerá del contexto, así que por ahora me quedo al margen. Me gustó bastante el trabajo de Don McAlpine [ASC] para “Moulin Rouge” (Baz Luhrmann, 2001), y la verdad es que no puedo decir lo mismo de los otros trabajos que ví de él, puede que Luhrmann sepa más de fotografía de lo que pensamos y el asunto salga bien. Claro que según se mire, el australiano es un genio o un tarado.[/*:m:1hcxucw6]

• “Defiance” (Edward Zwick, 2008) no me llama demasiado la atención visto el trailer, probablemente porque el último trabajo de Eduardo Serra para Zwick, “Diamante de Sangre” (“Blood Diamond”, 2006), me pareció más bien mediocre, a excepción de algunas tomas. Supongo que la mediocridad surgió de la inconsistencia, y en “Defiance” no da la sensación que vayan a darse problemas en este sentido, pero puede que sí el contrario, la monotonía más aplastante surgida de la coherencia extrema. “La Joven de la Perla” (“Girl with a Pearl Earring”, Peter Webber, 2003) me encandiló totalmente por su lógica inspiración pictórica en los trabajos de Vermeer, llevada a la realidad cinematográfica con un buen gusto y capacidad técnica deslumbrantes. Ya veremos lo que nos ofrecen...[/*:m:1hcxucw6]

• “El curioso caso de Benjamin Button” (“The Curious Case of Benjamin Button”, David Fincher, 2008) prometía ser una de las buenas fotografías a las que nos tiene acostumbrados el californiano, esta vez por el debutante Claudio Miranda, e incluso daba la impresión de que la temática fantástica del film les llevaría a un intento de equilibrar el naturalismo subexpuesto que tanto le gusta al director con algo de estilización. Pero viendo que Fincher se ha desentendido del montaje por problemas con la Paramount y que los 20 minutos que se proyectaron en un festival no convencieron del todo, y teniendo en cuenta que la Academia nomina generalmente a películas que tienen una buena acogida crítica por encima de su calidad técnica, sus posibilidades parecen reducirse alarmantemente en estos momentos.
  Lo de la Viper sigo sin entenderlo. Mi opinión es que si uno decide rodar en digital tendría que tener un buen motivo por encima de la comodidad, es decir, rodar así porque lo que se pretende conseguir es imposible en fotoquímico, a lo Michael Mann e incluso Mel Gibson.[/*:m:1hcxucw6]

• Tampoco hemos de olvidarnos de que Roger Deakins [ASC,BSC] estrena “Doubt” (John Patrick Shanley, 2008) y “Revolutionary Road” (Sam Mendes, 2008). El propio operador británico ha dicho que su trabajo en “Doubt” no es de lucimiento, sino que pretendían honrar las interpretaciones sobre las que se sostiene la película, y la última vez que trabajó para Mendes en “Jarhead” (2005) se pasó tres pueblos con su decisión creativa de sobreexponer las escenas en el desierto, pese a que el conjunto funcionara bastante bien y las escenas nocturnas de los pozos ardiendo fueran excelentes. A falta de poder ver material de dichos proyectos todo queda en el aire.[/*:m:1hcxucw6]

• También me han sorprendido muy positivamente los segundos trailers de “Body of Lies” (Ridley Scott, 2008), de Alexander Witt (que desafortunadamente dirigió una entrega de “Resident Evil”), y “The Dutchess” (Saul Dibb, 2008), por Gyula Pados.[/*:m:1hcxucw6]

• El Emmanuel Lubezki [ASC,AMC] de “Quemar después de leer” (“Burn After Reading”, Joel & Ethan Coen, 2008), parece una lograda síntesis del estilo de los Coen, de Deakins y de su propia personalidad, pero es muy probable que pase totalmente desapercibida por su estilo de comedia absurdista. Viendo el trailer, siento que Steven Spielberg tendría que haberle llamado para “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” (2008). ¡Qué coño! ¡Hagas lo que hagas, seas quien seas, llama a Lubezki!.[/*:m:1hcxucw6]

• Y en menor medida ahí están “Tropic Thunder” (Ben Stiller, 2008) por John Toll [ASC], aunque, para variar, no me guste mucho el DI; “Appaloosa” (Ed Harris, 2008), aunque temo a las escenas en interiores; “El Solista” (“The Soloist”, Joe Wright, 2008) por Seamus McGarvey [ASC], recientemente nominado por “Expiación: más allá de la pasión” (“Atonement”, 2007); “Blindness” (Fernando Meirelles, 2008) de César Charlone, que combina super16, super35, MiniDV y Viper Thomson; “Changeling” (Clint Eastwood, 2008), aunque a mí Tom Stern no me haya convencido en ninguno de sus cinco trabajos para el director americano por repetición y teatralidad; e incluso en última instancia “Quantum of Solace” (Marc Forster, 2008), fotografiada por Roberto Schaeffer o “The Road” (John Hillcoat, 2008), la adaptación de una novela de Cormac McCarthy que permitiría a Javier Aguirresarobe [AEC] lucirse creando un aspecto apocalíptico al otro lado del charco podrían colarse por alguna parte.[/*:m:1hcxucw6]

Si al final el mejor es Wally Pfister [ASC] con “El Caballero Oscuro” (“The Dark Knight”, Christopher Nolan, 2008) me daré con un canto en los dientes igualmente, porque el IMAX es para estar eternamente agradecidos al dúo.

Y hablando de todo un poco, ¿sabéis algo de “The Fall” (Tarsem Singh, 2006)? Parece una fotografía más espectacular que de calidad, pero me ha llamado la atención igualmente.

Saludos

[EDITADAS FOTOGRAFÍAS QUE NO DIERON LA TALLA]

 

[JDUG]

El Infiltrado

Aprovechando que ahora tengo tiempo, necesito poner a parir la fotografía de “Infiltrados” (“The Departed”, Martin Scorcese, 2006) a cargo de Michael Ballhaus [ASC]. Es una manera de desestresarme. Por su bienestar, absténganse de leer los siguientes comentarios los que deseen la muerte del operador.

Bueno, la película en sí me parece un digno producto comercial, entre lo correcto y lo notable, no exenta de momentos memorables. Desgraciadamente su guión es capaz de lo mejor y lo peor: lo mismo brinda al director la oportunidad de rodar una escena llena de carisma que nos castiga con momentos irrisorios. En el extremo positivo tenemos la conversación que mantienen Billy Costigan (DiCaprio) y Frank Costello (Nicholson) en el restaurante, y en el extremo esperpéntico a la mujer de la comisaría que se acerca a darle una taza de café a Sullivan (Damon), “Gracias”, dice éste, a lo que ella responde “No. Gracias a tí”. Como dirían los yanquis, gimme a break!. ¡Ah!, no obviemos que el bueno es una fiera en la cama y el malo impotente, ni los mensajes enviados con el móvil guardado en el bolsillo.
Por su parte, el montaje me parece injustamente sobrevalorado, algo muy característico de los últimos trabajos de Thelma Schoonmaker [ACE]. Resulta alarmantemente efectista, con eliminación y/o congelación de fotogramas para provocar un efecto más abrupto y violento, en el que las escenas íntimas se tratan a un nivel similar que las más violentas. No entiendo el amor que mostró la academia hacia semejante labor de edición que, todo sea dicho de paso, es algo superior a la de “Gangs of New York” (Martin Scorcese, 2002), pura Mtv.
Por fortuna, nos encontramos ante un Marty más equilibrado que de costumbre, de gusto musical intachable y, lo más importante, que no hace sufrir al público con interminables escenas o personajes con los que no se identificaría ni “el tato” como en “El Aviador” (“The Aviator”, 2004). Lo mejor son los momentos finales, ciertamente inolvidables, a excepción del último plano, de todo menos sutil. Y el que está en el suelo parece el stand-in de Matt Damon, yo no digo nada .

Realmente hay algo preocupante, y es que el director neoyorquino siga contratando a Ballhaus con la cantidad de opciones que alguien de su calibre tiene a su alcance. Estoy seguro de que hay operadores mil veces más competentes que desearían trabajar con él. Y si no, siempre le quedará Robert Richardson [ASC].
Aquí no saben ni hacia dónde tirar. No se percibe una intención estilística coherente, hay tanta fotografía de alto contraste como subrevelados de tomas en medio de una escena. Ofrecen la imagen más plana que se haya visto con sus unidades colocadas en mil direcciones con mil temperaturas distintas que compiten entre sí por ser la fuente principal. Casi todos los platós parecen precisamente...platós, por las deficiencias lumínicas del dp: el pasillo del edificio donde vive Sullivan, las vistas de su piso, las oficina de la comisaría, etc. son casos evidentes de lo que digo. Además, no sé por dónde se puede coger un film que tras haber pasado por un DI lo único que obtiene son tonos de piel increíblemente antinaturales en toda la puñetera película, además del horrible rejuvenecimiento de Nicholson en las primeras escenas, en las que, para colmo, su personaje está casi siempre en penumbra aunque esté delante de una ventana. ¡Puñetero Intermediate mal usado!.
El relleno de Ballhaus es tan malo que hasta algunas secuencias rodadas en localizaciones parecen de estudio, y si no fijaos en el encuentro Damon-DiCaprio en la azotea. En fin, triste...horrible...capaz de extraer a cualquiera de la historia. Ridículo total.

Y pensar que le nominaron por su luz de teatrillo de “Gangs of New York” (Martin Scorcese, 2002). A ver a quién elige para la próxima el director americano. Después de ésto, sería incomprensible que fuera el endemoniado. Si será un tío de puta madre, pero como profesional es un incompetente del quince.
Algo parecido se podría decir de Kaminski y Spielberg, de vez en cuando. Saludos

 

[Dr_X]

Desde ahora, por el decreto 1, artículo 2b de fotografía cinematográfica, el 35mm anamórfico deja de ser El preferido de la casa[sup]TM[/sup] y ocupa su lugar el 65mm 15-perf.

Ahí le has dado!

 

[Elliott]

pobre Ballhaus, si yo cuando le veia en pelis como QUIZ SHOW o ARMAS DE MUJER (no digo ya el DRACULA de Coppola) lo tenia por un "pofesional"... Me lo acabais desmontando!

Scorsese y Spielberg se quedan ciegos? Que coño pasa???

visto el CHE de Soderbergh....... a ver si los expertos ("nuestros expertos") me aclaran como es que hay TANTO plano desenfocado (sin sentido aparente, para mi) en una peli rodada y proyectada en digital.

 

[Valek]

hola compañeros, no es que me este planteando ir a oviedo es que soy de oviedo y vivo a 5 minutos del Imax, pero la vi en el estreno del miercoles en los cinesa, porque estoy quemadisimo con las proyecciones de la cadena que la pasa en la capital, pero me estoy planteando hacer de tripas corazón e ir a verla al Imax tal como me estáis poniendo los dientes que casi ya me los clavo en el suelo

 

[JDUG]

hola compañeros, no es que me este planteando ir a oviedo es que soy de oviedo y vivo a 5 minutos del Imax, pero la vi en el estreno del miercoles en los cinesa, porque estoy quemadisimo con las proyecciones de la cadena que la pasa en la capital, pero me estoy planteando hacer de tripas corazón e ir a verla al Imax tal como me estáis poniendo los dientes que casi ya me los clavo en el suelo

¡Ah! Pues yo que tú me animaría. En mi sala sólo éramos cinco personas, un gozada total teniendo en cuenta cómo está el patio. Como ya contesté en el tema de críticas la sala no era perfecta, pero merece la pena. Hay oportunidades que es conveniente no dejar pasar, y si vives a cinco minutos ya ni te cuento...

 

[JDUG]

La rata, el espía y el abogado.

pobre Ballhaus, si yo cuando le veia en pelis como QUIZ SHOW o ARMAS DE MUJER (no digo ya el DRACULA de Coppola) lo tenia por un "pofesional"... Me lo acabais desmontando!

Lo preocupante es que es el propio Michael Ballhaus[ASC] quien está destrozando el nombre que se pudiera haber creado en Hollywood.

Todo lo decente que uno pueda encontrar en “Drácula de Bram Stoker” (“Bram Stoker's Dracula”, Francis Ford Coppola, 1992), guste o deje de gustar, no se encuentra en sus últimos trabajos. Allí ayudaba a contar una historia creando una ambientación muy específica, valiéndose de unas cualidades de luz, línea, color, forma, textura, tema y ritmo distintas que se traducían en unas intenciones y motivaciones muy concretas.
En “Infiltrados” (“The Departed”, Martin Scorcese, 2006), no hay manera de entrever algún propósito o justificación en lo que ocurre en el departamento de cámara e iluminación. Y todo va más allá de eso, llegando a un punto en que la credibilidad del film queda en entredicho. Ahí tienes un problema muy serio Elliott, ¿o no?.

Mira, hace nada ví “El ultimátum de Bourne” (“The Bourne Ultimatum”, Paul Greengrass, 2007), y pese a que no me atraen ni el estilo de montaje ni de fotografía, no puedo decir que no funcionen.
La edición me resulta demasiado rápida, pero veo que, a diferencia de otros directores que toman el mismo camino, Greengrass otorga a cada una de las tomas una información que ni la anterior ni la siguiente proporcionan. Es decir, no son distintos ángulos de la misma acción, sino distintas acciones. Además, Christopher Rouse[ACE] refleja los escasos tiempos de reacción a los que se enfrentan los protagonistas, que son signo de su agilidad mental y en ocasiones también física.
La fotografía de Oliver Wood respalda esos conceptos, y lo que más destacable me resulta es que parece que hayan llegado a las localizaciones y se hayan puesto a rodar, nada resulta preparado o iluminado, es totalmente inmediato y documental. Entiendo que la apariencia no tiene nada que ver con el proceso real, ya que casi todo está preiluminado. Se aprecia con facilidad en el distinto trato que el operador otorga a Pam Landy (Joan Allen) y Noah Vossen (David Strathairn) cuando comparten escenas: la direccionalidad, intensidad y dureza de la luz son totalmente distintas para cada uno, de acuerdo con la historia. Del mismo modo, si la iluminación no estuviera controlada sería difícil que las pantallas quedaran expuestas en armonía con las caras de los empleados de la C.I.A. Cada ciudad donde se sitúa la acción recibe su propio tratamiento, y así con todo. Así que por mucho que me mareen tantos zooms y teleobjetivos, no son factores aleatorios los que caracterizan la propuesta, al contrario que con Ballhaus.

La única manera de aproximarse a sus colaboraciones con Scorcese a partir de ahora es con buen humor, está claro. Alguien solía decirme: “es mejor tener buen humor que en los huevos un tumor”. Pues eso.


Bueno, hablando de Bourne, ayer por la noche alquilé “Michael Clayton” (Tony Gilroy, 2007), película que gana inmensamente con los revisionados (que comparte guionista con la trilogía del espía). El film es un notable debut cinematográfico, de elegante factura técnia y artística. Me hubiera gustado que el guión original hubiera caído en sus manos y no en las de Diablo Cody por “Juno” (Jason Reitman, 2007). A falta de un toque de genialidad, los resultados siguen siendo buenísimos. Como ya digo, merece un segundo visionado.
El encargado del aspecto visual es Robert Elswit[ASC], que inspirado por los thrillers urbanos de Gordon Willis y Owen Roizman decidió rodar el film en 35mm anamórfico con la serie C y E de Panavision, con un elevado contraste proporcionado por las emulsiones 5217 y 5218 de Kodak, liberado de artificios, con un sencillo pero efectivo trabajo de cobertura actualizado por el empleo de la steadicam, dotando de una importancia superior a los momentos que así lo requieren. El DI a unos limitados 2K sirvió al operador para corregir discontinuidades lumínicas y apagar la paleta de color, en concordancia con el estado de los protagonistas, en los que las luces de la ciudad por la noche y el color rojo reflejan el despertar del personaje de Tom Wilkinson. Las línea rectas predominan en los ambientes urbanos, mientras que el poético encuentro de Clayton (Clooney) con los caballos sucede en un entorno de carreteras sinuosas y variada vegetación, mucho más orgánico.
Me encantaría destacar el plano-secuencia en el que asistimos al calculado asesinato en el loft desde una perspectiva que deja al espectador totalmente perplejo. Del mismo modo, el encuentro entre Tilda Swinton y George Clooney al final de la cinta está planificado con una efectividad y buen gusto aplastantes.
Por estos motivos, pese a no ser un trabajo sobresaliente, la coloco en 9º lugar en mi lista de fotografías del pasado año.

P.D.: Es recomendable evitar las ediciones de DeAPlaneta por su reducido contraste, mala reproducción de negros y posterizaciones varias.

P.D. 2:

visto el CHE de Soderbergh....... a ver si los expertos ("nuestros expertos") me aclaran como es que hay TANTO plano desenfocado (sin sentido aparente, para mi) en una peli rodada y proyectada en digital.

Mañana veré "Che, el Argentino" (Steven Soderbergh, 2008) en fotoquímico. La de Yuma ni la echan.
¿Desenfoque o motion blur? Bueno, ya os contaré.

Saludicos

 

[JDUG]

"The Dark Knight" y "Australia": media

Por si os resulta de interés, aquí os dejo un link de un podcast de la página web de la American Society of Cinematographers en el que el presidente Daryn Okada entrevista a Wally Pfister.
Dura poco más de una hora, y explica cómo se conocieron Christopher Nolan y él, sus diferentes proyectos con el director, sus ideas (“mi mayor temor es sobreiluminar”;“todo se trata de la historia”), algún trabajo en publicidad, unos cuantos detalles sobre “The Dark Knight”, una interesante reflexión acerca del DI (“if it ain't broke don't fix it”)y el rodaje en formato digital vs. fotoquímico. Muy curioso.
Se hace una mención sobre la escena del interrogatorio, que recuerda a Okada a la aparición del Coronel Kurzt (Marlon Brando) en “Apocalypse Now!” (Francis Ford Coppola, 1979) en la que Pfister dice haber sobreexpuesto su emulsión 5 pasos (¡!) con un posterior print-it-down en laboratorio.


Por otra parte, quiero dejar este video sobre la fotografía de Mandy Walker en “Australia” (Baz Luhrmann, 2008).

http://www.youtube.com/watch?v=VoRsXji5tLw
Se ven otro montón de tomas de lucimiento, pero se habla del gaffer y del oficio del cinematographer y su relación con el director. Dicen en un momento que su estilo de rodaje era una combinación de [David] Lean y [George] Lucas: rodando los grandes planos en localizaciones como el británico y filmando los planos más cerrados ante pantalla verde o plató como el americano. . Ya veremos.

 

[JDUG]

Bokeh anamórfico

[tab=15:1wl4izes][tab=30:1wl4izes][tab=30:1wl4izes]

Hace poco, en mi nuevo interés por el bokeh que me ha creado Harmonica, pregunté por qué en las lentes anamórficas los puntos de luz desenfocados aparecían como óvalos cuyo eje mayor es el vertical. Su respuesta fue que la descompresión de las lentes anamórficas no sucede igual en los puntos enfocados y en los desenfocados:

"La explicación es compleja y como no soy experto en óptica no sé si me sabré explicar, pero el tema es que en las lentes anamórficas únicamente se descomprime al 100% el punto que permanece enfocado, por lo que todo lo que está más cerca o más lejos del punto de enfoque está comprimido verticalmente. Esta fue la modificación que llevó a cabo Robert Gottschalk sobre las lentes Bausch&Lomb del Cinemascope, que le llevaron a eliminar los famosos anamorphic mumps en los primeros planos del formato introducido por la Fox. El problema es que una lente anamórfica (p.e. un 50mm) se comporta al mismo tiempo como un 25mm esférico en horizontal y como un 50mm esférico en vertical, por lo que el sistema de enfoque es más complejo que el de una lente convencional."

Pues bien, en el foro oficial de Roger Deakins [ASC, BSC], de recomendada lectura, alguien preguntó lo mismo poniendo las dos capturas de "The Prestige" (Christopher Nolan, 2006) que he colgado aquí y Deakins, que parece no tener el más mínimo interés por el formato anamórfico no supo contestar a la pregunta (de hecho mencionó el DI como respuesta, no sé qué clase de ayuda pudo haber aportado en “Wall-e”), pero un tal Andrew C. Ewert dijo lo siguiente:

[tab=30:1wl4izes][tab=30:1wl4izes][tab=15:1wl4izes]

“Tal y como yo lo entiendo, tienes que pensar en las lentes anamórficas como si fueran dos “lentes” en una, con dos “longitudes focales” funcionales – una vertical y la otra horizontal. Si no me equivoco, la longitud de una lente anamórfica se juzga por el ángulo vertical. Así que, un 100mm anamórfico captaría el ángulo vertical equivalente a una lente esférica de 100mm y el ángulo horizontal a una lente esférica de 50mm. Como tal, cada “longitud focal” tiene unas características de profundidad de campo distintas y la “lente” más “larga” (que siempre es la vertical), debido a su profundidad de campo más escasa, producirá borrosidad más rápido al alejarse del punto de enfoque que la “lente” más “corta”. Eso es, que cuanto más te alejes del punto de enfoque mayor será la diferencia entre el desenfoque horizontal y el vertical, y más elipsoidales aparecerán los puntos de luz desenfocados. A veces puedes darte cuenta de ésto cuando el punto de enfoque en una toma se acerca hacia la cámara, los puntos de luz del fondo se estirarán verticalmente. Ten en cuenta que eso no significa que la imagen se estire (por ejemplo, una persona que esté en el fondo no parecerá más alta), sólo se aplica a la cantidad de desenfoque horizontal vs. vertical.”

Me ha parecido una explicación interesante, en la línea de lo que Nacho contestó, pero me gustaría tener una segunda opinión al respecto y saber por qué sólo afecta a los puntos de luz desenfocados, como ha indicado Andrew en su respuesta. No sé a vosotros, pero a mí todo lo relacionado con el recientemente desterrado formato preferido de la casa me fascina. Como todo lo que aquí se comenta, ¡qué narices!.¿¡Qué haría yo sin vosotros!?

Un saludo