Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
- Fecha de inicio
Grey Gardens (Albert & David Maysles. 1975)
el tiempo detenido en una habitación aislada del mundo.. a escasos kilómetros de Nueva York, con estas dos locajas protagonizando algo así como El desencanto en versión Long Island, aunque sin el trasfondo de ésta... la progresiva locura se va adueñando del film entre gatos, comida cutre, suciedad, mujeres cantando... y uno no puede mas que imaginar que pasara ahí cuando el equipo de rodaje se vaya, un callejón existencial sin salida. dos mujeres solas a riesgo de ser devoradas por la indolencia... y los mapaches urbanos.. estremecedora, al final no es más que una peli de terror existencial, documental a lo verité, tiene todos los números para ser el título de culto que es, aunque la obra maestra de los Maysles siga siendo Salesman, ¿alguien vio la recreación en ficción protagonizada por Drew Barrymore y Jessica Lange?
Ansatsu / Assassination (Masahiro Shinoda. 1964)
como en algún título posterior como la notable El Silencio, Shinoda trata un tema importante en su país y al que dedicará más de una cinta, la reacción del Japón aislado a la modernidad, en forma de llegada de occidentales en misiones militares, religiosas o todo junto (Perry y demás)... aunque a veces da la impresión de esconder claves muy nacionales y ser una cinta poco abierta al espectador universal en esta trama algo confusa sobre luchas de poder, entre realistas, defensores del shogun... todo Historia propia y verdadera, dejando mucha mano a la intriga política, en todo caso Shinoda sabe crear imágenes muy potentes -esos putos paraguas-, crea cortes y reacciones y hasta cambios de tono originales..., y alejándose del esquema clásico del cine de samuráis duelos y demás, cuando lo aborda, lo hace de forma notable; cinta tan irregular como aprovechable, absorbente por momentos.
el tiempo detenido en una habitación aislada del mundo.. a escasos kilómetros de Nueva York, con estas dos locajas protagonizando algo así como El desencanto en versión Long Island, aunque sin el trasfondo de ésta... la progresiva locura se va adueñando del film entre gatos, comida cutre, suciedad, mujeres cantando... y uno no puede mas que imaginar que pasara ahí cuando el equipo de rodaje se vaya, un callejón existencial sin salida. dos mujeres solas a riesgo de ser devoradas por la indolencia... y los mapaches urbanos.. estremecedora, al final no es más que una peli de terror existencial, documental a lo verité, tiene todos los números para ser el título de culto que es, aunque la obra maestra de los Maysles siga siendo Salesman, ¿alguien vio la recreación en ficción protagonizada por Drew Barrymore y Jessica Lange?
Ansatsu / Assassination (Masahiro Shinoda. 1964)
como en algún título posterior como la notable El Silencio, Shinoda trata un tema importante en su país y al que dedicará más de una cinta, la reacción del Japón aislado a la modernidad, en forma de llegada de occidentales en misiones militares, religiosas o todo junto (Perry y demás)... aunque a veces da la impresión de esconder claves muy nacionales y ser una cinta poco abierta al espectador universal en esta trama algo confusa sobre luchas de poder, entre realistas, defensores del shogun... todo Historia propia y verdadera, dejando mucha mano a la intriga política, en todo caso Shinoda sabe crear imágenes muy potentes -esos putos paraguas-, crea cortes y reacciones y hasta cambios de tono originales..., y alejándose del esquema clásico del cine de samuráis duelos y demás, cuando lo aborda, lo hace de forma notable; cinta tan irregular como aprovechable, absorbente por momentos.
revisada la maravillosa Homicidio, de Mamet, ese "gran dramaturgo".... y mejor director, diría yo, algo que se olvida porque aquí, bajo una primera capa de capítulo de policías de NY, se esconde una dirección muy brillante, sutil, detallista.. y el monstruo Mantegna, pero, ¿qué opina el foro de su descolocador final?
SPOILER
el caso es que la trama "judia" acaba -y empieza- pareciendo algo loca...
SPOILER
el caso es que la trama "judia" acaba -y empieza- pareciendo algo loca...
Última edición:
nogales
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es maravillosa Homicidio. Su final es desolador, como dejar en paños menores a toda una ideología.
Elliott
Desconozco
no me acuerdo pero me encanta
sigue inedita aqui, no?
sigue inedita aqui, no?
nogales
Miembro habitual
la emitió Localia en su día , y seguramente canales de plataformas de pago. Vamos, que está doblada al castellano. En cines no sé si estrenaría, pero en filmaffinity hay reseña de la época de José Luis Guarner...
Elliott
Desconozco
me refiero al formato domestico
yo tengo un ripeo foraneo con comentario del autor incluido
yo tengo un ripeo foraneo con comentario del autor incluido
Retratos de una obsesión / One Hour Photo, de Mark Romanek (2002)
Película que cuenta la historia de un solitario e introvertido revelador de fotos en un centro comercial que a falta de una familia para él, se obsesiona con otra a la que ha tenido como cliente durante muchos años.
Me ha gustado bastante. Robin Williams esta muy bien caracterizado en el papel y te crees que perderá la cabeza en cualquier momento de la película. Romanek apuesta por una puesta en escena aséptica que va muy a juego con los colores predominantes de la película: el blanco y el azul tanto en los escenarios como para el vestuario de Williams, en uno de esos juegos visuales en los que el personaje se funde con el escenario.
Si a caso me resulta cargante el sobreuso de la música, ahora mismo diría que impregna, sino el 100% del metraje, si un 90% de él.
Me resulta cuestionable el interrogatorio final dandole un motivo a Sy para hacer lo que hace. Por una parte me parece punzante porque te resume toda la razón de ser del personaje y lo que vemos de él durante toda la película, pero por otra… Personalmente creo que se tiende demasiado a justificar las razones del personaje, cuando a veces no esta mal dejar las cosas a la imaginación de cada uno. El tiempo dirá como veo ese final.
8/10.
Película que cuenta la historia de un solitario e introvertido revelador de fotos en un centro comercial que a falta de una familia para él, se obsesiona con otra a la que ha tenido como cliente durante muchos años.
Me ha gustado bastante. Robin Williams esta muy bien caracterizado en el papel y te crees que perderá la cabeza en cualquier momento de la película. Romanek apuesta por una puesta en escena aséptica que va muy a juego con los colores predominantes de la película: el blanco y el azul tanto en los escenarios como para el vestuario de Williams, en uno de esos juegos visuales en los que el personaje se funde con el escenario.
Si a caso me resulta cargante el sobreuso de la música, ahora mismo diría que impregna, sino el 100% del metraje, si un 90% de él.
Me resulta cuestionable el interrogatorio final dandole un motivo a Sy para hacer lo que hace. Por una parte me parece punzante porque te resume toda la razón de ser del personaje y lo que vemos de él durante toda la película, pero por otra… Personalmente creo que se tiende demasiado a justificar las razones del personaje, cuando a veces no esta mal dejar las cosas a la imaginación de cada uno. El tiempo dirá como veo ese final.
8/10.
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Upperseven
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DIBUJOS MALÉFICOS (Evil Toons, 1992 -Fred Olen Ray)
Bodriete del rey de la serie Zeta americana Fred Olen Ray (un tipo listo que quiso ser el nuevo Roger Corman de finales de los ochenta, principios de los noventa), malo sin rubor, con un grupo de chicas contratadas por Dick Miller para limpiar una casa y la aparición de un dibujo maléfico -apenas aparece en 5 minutos de metraje- que toma posesión de una de ellas. Deambula un despistado David Carradine pensando en el cheque y , eso si, tiene el aliciente de -a falta de presupuesto y efectos especiales decentes- ofrecer un sugestivo catálogo de chicas y tetas (monique Gabrielle, Michelle Bauer etc)...Algo ya prácticamente inusual en el moderno fantástico de bajo presupuesto (o alto) que se estila
ROGOPAG (1963, -Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard, Pier Paolo Passolini, Ugo Gregoretti)
Producido por Alfredo Bini y con un reparto exótico, nada menos que Ugo Tognazzi, Orson Welles o Rossana Schiaffino entre otros... Estamos ante un típico film de sketches -fórmula bastante habitual en la cinematografía italiana de los años sesenta- con cuatro historias divididas entre otros tantos realizadores de diferente personalidad. Los resultados son bastante irregulares: Roberto Rossellini con "Castidad" narra una correcta pero demasiado obvia fábula sobre la mujer y la pureza de su imagen, Jean Luc Godard con "El Nuevo Mundo" vuelva a filma una historia de desamor con su habitual estilo libre y provocador. Le sigue un inspirado Pier Paolo Passolini con "La Ricotta" parodiando un rodaje de un film sobre la pasión de Cristo, tan alocado como lleno de frescura. Cierra el film el para mi mejor relato de los cuatro (curiosamente dirigido por el menos auteur de los cuatro: Ugo Gregoretii), una sangrante, ácida y divertida parodia sobre el consumismo titulada "El pollo Triguero"
DAGON: LA SECTA DEL MAR (2001, -Stuart Gordon)
A pesar de su irregularidad y múltiples defectos, así como unos efectos digitales que asustan por su mala calidad probablemente uno de los films más simpáticos facturados por la Fantastic Factory en su época de máximo auge. El film toma a Lovecraft como excusa para ser y hacer una recreación bastante pulp pero siempre descacharrante del cine de terror de los años setenta y sesenta...Pasándolo incuso por el tamiz del Fantaterror Español setentero. El resultado empieza muy mal pero la película que se va desmadrando/entonado conforme entra en su último tercio, destacando además por la presencia magnética de Macarena Gómez y la última interpretación del gran Paco Rabal en las pantallas cinematográfcias
Bodriete del rey de la serie Zeta americana Fred Olen Ray (un tipo listo que quiso ser el nuevo Roger Corman de finales de los ochenta, principios de los noventa), malo sin rubor, con un grupo de chicas contratadas por Dick Miller para limpiar una casa y la aparición de un dibujo maléfico -apenas aparece en 5 minutos de metraje- que toma posesión de una de ellas. Deambula un despistado David Carradine pensando en el cheque y , eso si, tiene el aliciente de -a falta de presupuesto y efectos especiales decentes- ofrecer un sugestivo catálogo de chicas y tetas (monique Gabrielle, Michelle Bauer etc)...Algo ya prácticamente inusual en el moderno fantástico de bajo presupuesto (o alto) que se estila
ROGOPAG (1963, -Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard, Pier Paolo Passolini, Ugo Gregoretti)
Producido por Alfredo Bini y con un reparto exótico, nada menos que Ugo Tognazzi, Orson Welles o Rossana Schiaffino entre otros... Estamos ante un típico film de sketches -fórmula bastante habitual en la cinematografía italiana de los años sesenta- con cuatro historias divididas entre otros tantos realizadores de diferente personalidad. Los resultados son bastante irregulares: Roberto Rossellini con "Castidad" narra una correcta pero demasiado obvia fábula sobre la mujer y la pureza de su imagen, Jean Luc Godard con "El Nuevo Mundo" vuelva a filma una historia de desamor con su habitual estilo libre y provocador. Le sigue un inspirado Pier Paolo Passolini con "La Ricotta" parodiando un rodaje de un film sobre la pasión de Cristo, tan alocado como lleno de frescura. Cierra el film el para mi mejor relato de los cuatro (curiosamente dirigido por el menos auteur de los cuatro: Ugo Gregoretii), una sangrante, ácida y divertida parodia sobre el consumismo titulada "El pollo Triguero"
DAGON: LA SECTA DEL MAR (2001, -Stuart Gordon)
A pesar de su irregularidad y múltiples defectos, así como unos efectos digitales que asustan por su mala calidad probablemente uno de los films más simpáticos facturados por la Fantastic Factory en su época de máximo auge. El film toma a Lovecraft como excusa para ser y hacer una recreación bastante pulp pero siempre descacharrante del cine de terror de los años setenta y sesenta...Pasándolo incuso por el tamiz del Fantaterror Español setentero. El resultado empieza muy mal pero la película que se va desmadrando/entonado conforme entra en su último tercio, destacando además por la presencia magnética de Macarena Gómez y la última interpretación del gran Paco Rabal en las pantallas cinematográfcias
Upperseven
Miembro habitual
IT CONQUERED THE WORLD (1956, -Roger Corman)
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Tronadísima película de serie B (casi Z) de un Corman en plena vorágine creativa...Aquí planteando una invasión extraterrestre de nada menos que un símil de pepino ultragaláctico. Muy mediocre a todas luces, paupérrima a nivel de efectos especiales pero decididamente pulp y simpática (impagables los ataques de los bichos voladores que libera la criatura del espacio)...Amen de contar con la participación del inevitable Dick Miller y de dos actores tan emblemáticos en el cine y la Tv de los años sesenta como Lee Van Cleef y Peter Graves
Tronadísima película de serie B (casi Z) de un Corman en plena vorágine creativa...Aquí planteando una invasión extraterrestre de nada menos que un símil de pepino ultragaláctico. Muy mediocre a todas luces, paupérrima a nivel de efectos especiales pero decididamente pulp y simpática (impagables los ataques de los bichos voladores que libera la criatura del espacio)...Amen de contar con la participación del inevitable Dick Miller y de dos actores tan emblemáticos en el cine y la Tv de los años sesenta como Lee Van Cleef y Peter Graves
Mensch Maschine
Santur
American Beauty (Sam Mendes, 1999)
Espléndido debut tras la cámara del director británico, que en ninguno de sus posteriores trabajos ha alcanzado ni de lejos el nivelazo de su ópera prima. Se trata de una de esas películas donde todos sus elementos funcionan como un reloj: actores, dirección, guión, fotografía, ritmo, música, etc etc. Pocos films dejan ese sabor a redondez como el que desprende este título, que triunfa a la hora de enseñarnos la estupidez de querer forzarnos a ser lo que no somos, con tal de aparentar esa ridícula mezcla de éxito material y mediocridad moral a la que nos empuja la sociedad occidental. Aunque, dado el éxito inmediato y la lluvia de Oscars que obtuvo el film, podría parecer que estuviésemo ante el típico caso de obra sobrevalorada gracias a la coyuntura de un momento determinado, la verdad es que la película se mantiene totalmente fresca, divertida y conmovedora con el paso de los años.
Probablemente estemos ante una de las sátiras sociales más afinadas de la historia del cine, y desde luego, ante todo un clásico moderno.
Un saludete.
Espléndido debut tras la cámara del director británico, que en ninguno de sus posteriores trabajos ha alcanzado ni de lejos el nivelazo de su ópera prima. Se trata de una de esas películas donde todos sus elementos funcionan como un reloj: actores, dirección, guión, fotografía, ritmo, música, etc etc. Pocos films dejan ese sabor a redondez como el que desprende este título, que triunfa a la hora de enseñarnos la estupidez de querer forzarnos a ser lo que no somos, con tal de aparentar esa ridícula mezcla de éxito material y mediocridad moral a la que nos empuja la sociedad occidental. Aunque, dado el éxito inmediato y la lluvia de Oscars que obtuvo el film, podría parecer que estuviésemo ante el típico caso de obra sobrevalorada gracias a la coyuntura de un momento determinado, la verdad es que la película se mantiene totalmente fresca, divertida y conmovedora con el paso de los años.
Probablemente estemos ante una de las sátiras sociales más afinadas de la historia del cine, y desde luego, ante todo un clásico moderno.
Un saludete.
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Upperseven
Miembro habitual
INCIDENTE EN LA FRONTERA (Border Incident, 1949 -Anthony Mann)
Muy notable thriller centrado además en el mundo de los braceros mexicanos que eran (y son) entrados ilegalmente en los EEUU para trabajar como mano de obra barata...El film, además de muy bien escrito y construido es una producción de bajo presupuesto de la Metro Goldwin Mayer en la que ya se demuestra la grandeza de su director, creando secuencias de absoluta tensión gracias al gran trabajo en la composición de los planos (gran fotografía del clásico John Alton), su permanente sentido del espacio y la fisicidad con al que rodaba todo (de ahí su natural salto al western en años posteriores). Remata esta excelente película el gran score musical del jóven Andre Previn
Muy notable thriller centrado además en el mundo de los braceros mexicanos que eran (y son) entrados ilegalmente en los EEUU para trabajar como mano de obra barata...El film, además de muy bien escrito y construido es una producción de bajo presupuesto de la Metro Goldwin Mayer en la que ya se demuestra la grandeza de su director, creando secuencias de absoluta tensión gracias al gran trabajo en la composición de los planos (gran fotografía del clásico John Alton), su permanente sentido del espacio y la fisicidad con al que rodaba todo (de ahí su natural salto al western en años posteriores). Remata esta excelente película el gran score musical del jóven Andre Previn
Mensch Maschine
Santur
La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1993)
Interesante pero irregular drama romántico, con el que Scorsese nos ofreció una nueva entrega de su empeño en retratar la sociedad neoyorkina de todas las épocas y clases sociales. El film cuenta con las sólidas interpretaciones de todo el elenco, desde Day-Lewis hasta el último de los secundarios, con un fabuloso diseño de producción y, aunque algunos puedan disentir, una adecuada fotografía de Michael Ballhaus, que acierta con su iluminación de inspiración clásica y cierto uso de la difusión en la imagen (elementos que también utilizaría con éxito años depués J. Cameron en 'Titanic') a la hora de mostrar esa resplandeciente, a la vez que falsa, aburrida y opresiva, sociedad de burgueses que juegan a ser aristócratas en un país republicano sin nobleza, donde los muros entre clases acabarán siendo más endebles que en la Europa decadente que añoran, y de la que al mismo tiempo reniegan.
Sin embargo, una vez que los sentimientos entre Day-Lewis y Michelle Pfeiffer se revelan abiertamente, la película pierde tensión y se atasca en una serie de idas y venidas de la condesa Olenska que no acaban de fluir correctamente y repercuten en un ritmo confuso, al que el baile de nombres y secundarios tampoco ayuda. Sin embargo, Scorsese logra redimir la cinta en su escena final, que de tan bella y romántica en el pleno sentido de la palabra, deja un sabor de boca notable a nivel global, a pesar de los altibajos.
Un saludete.
Interesante pero irregular drama romántico, con el que Scorsese nos ofreció una nueva entrega de su empeño en retratar la sociedad neoyorkina de todas las épocas y clases sociales. El film cuenta con las sólidas interpretaciones de todo el elenco, desde Day-Lewis hasta el último de los secundarios, con un fabuloso diseño de producción y, aunque algunos puedan disentir, una adecuada fotografía de Michael Ballhaus, que acierta con su iluminación de inspiración clásica y cierto uso de la difusión en la imagen (elementos que también utilizaría con éxito años depués J. Cameron en 'Titanic') a la hora de mostrar esa resplandeciente, a la vez que falsa, aburrida y opresiva, sociedad de burgueses que juegan a ser aristócratas en un país republicano sin nobleza, donde los muros entre clases acabarán siendo más endebles que en la Europa decadente que añoran, y de la que al mismo tiempo reniegan.
Sin embargo, una vez que los sentimientos entre Day-Lewis y Michelle Pfeiffer se revelan abiertamente, la película pierde tensión y se atasca en una serie de idas y venidas de la condesa Olenska que no acaban de fluir correctamente y repercuten en un ritmo confuso, al que el baile de nombres y secundarios tampoco ayuda. Sin embargo, Scorsese logra redimir la cinta en su escena final, que de tan bella y romántica en el pleno sentido de la palabra, deja un sabor de boca notable a nivel global, a pesar de los altibajos.
Un saludete.
Upperseven
Miembro habitual
LA MANZANA (The Apple, 1980 -Menahem Golan)
Ver para creer: Un musical ambientado en el futuro dirigido por uno de los capos de la entonces incipiente Cannon group...El resultado, muy psicotrónico y especialmente hortera, tiene momentos inolvidables de tanto ridiículos (increíble el número musical de la canción "I,m Coming To You" que literalmente acompaña el acto sexual entre el prota y una negra)...La suma de rídiculos es tan grande que uno no se puede esperar un final religioso/hippy , como un cruce entre Hair y Jesucristo Superstar ,en uno de los ejemplares del género más kistch, horteras y demenciales que recuerdo haber visto, indispensable sin duda para los amantes de este tipo de cine
Ver para creer: Un musical ambientado en el futuro dirigido por uno de los capos de la entonces incipiente Cannon group...El resultado, muy psicotrónico y especialmente hortera, tiene momentos inolvidables de tanto ridiículos (increíble el número musical de la canción "I,m Coming To You" que literalmente acompaña el acto sexual entre el prota y una negra)...La suma de rídiculos es tan grande que uno no se puede esperar un final religioso/hippy , como un cruce entre Hair y Jesucristo Superstar ,en uno de los ejemplares del género más kistch, horteras y demenciales que recuerdo haber visto, indispensable sin duda para los amantes de este tipo de cine
Yo la descubrí gracias al Videofobia de Viruete.com... brutal!
Upperseven
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McQUADE LOBO SOLITARIO (Lone Wolf McQuade, 1982 -Steve Carver)
Uno de los mejores films protagonizados por Chuck Norris que compone un personaje ideal para sus limitadas facultades interpretativas: Nada menos que un solitario, hosco y violento Texas Ranger (luego Norris lo recuperaría, con otro nombre para su famosa serie de los noventa)...Pero aquí todo servido con bastante gracia, sentio del espectáculo y continuo sabor de western contemporáneo...aliñado además con una gigantesca banda sonora del italiano Francesco De Masi y la presencia de Barbara Carrera y David Carradine
Uno de los mejores films protagonizados por Chuck Norris que compone un personaje ideal para sus limitadas facultades interpretativas: Nada menos que un solitario, hosco y violento Texas Ranger (luego Norris lo recuperaría, con otro nombre para su famosa serie de los noventa)...Pero aquí todo servido con bastante gracia, sentio del espectáculo y continuo sabor de western contemporáneo...aliñado además con una gigantesca banda sonora del italiano Francesco De Masi y la presencia de Barbara Carrera y David Carradine
La fin du Monde (Abel Gance. 1931)
auténtica locura de entreguerras sólo posible de la mano de megalómanos ambiciosos como Gance, mezcla imposible de géneros, bastante audaz para la época; un cometa se dirige irremediablemente a la Tierra para acabar con la vida en ella, como tanto cine del momento tiene un hilo conectado al cine mudo con su narración de puras imágenes, y con rastros de vanguardia en todo su metraje; la parte final, in crescendo, pura decadencia es digna de Sternberg, con el apocalípsis a la vista y mensaje utópico de cara al futuro de lo que quede, en una extraña mezcla de misticismo y pesimismo, una cinta insólita y adelantada, como Gance, aunque algo irregular donde se intuye un rodaje complicado.
This island Earth (Joseph Newman. 1955)
extravagancia algo camp de ci·fi clásica de imposible jerga científica y argumento algo risible pero muy tomado en serio por sus creadores, muy pasada de rosca y más en su color saturado de los 50; con todo por momentos hace alardes de notables e imaginativos diseños, maquetas y mattes -esa alucinante entrada a la ciudad marciana, puro barroco cósmico
-, y en el repetitivo submundo del género consigue crear un mundo propio.. conforme avanza el desmadre se hace mas patente, con esa guerra interestelar a distancias inabarcables de nuestro planeta, pero muy inspirada en su tercio final entre mutantes, explosiones, civilizaciones desapareciendo, SUSTACOS precedentes de Alien, ahí el film lo da todo y consigue que olvides sus pedestres minutos iniciales.
auténtica locura de entreguerras sólo posible de la mano de megalómanos ambiciosos como Gance, mezcla imposible de géneros, bastante audaz para la época; un cometa se dirige irremediablemente a la Tierra para acabar con la vida en ella, como tanto cine del momento tiene un hilo conectado al cine mudo con su narración de puras imágenes, y con rastros de vanguardia en todo su metraje; la parte final, in crescendo, pura decadencia es digna de Sternberg, con el apocalípsis a la vista y mensaje utópico de cara al futuro de lo que quede, en una extraña mezcla de misticismo y pesimismo, una cinta insólita y adelantada, como Gance, aunque algo irregular donde se intuye un rodaje complicado.
This island Earth (Joseph Newman. 1955)
extravagancia algo camp de ci·fi clásica de imposible jerga científica y argumento algo risible pero muy tomado en serio por sus creadores, muy pasada de rosca y más en su color saturado de los 50; con todo por momentos hace alardes de notables e imaginativos diseños, maquetas y mattes -esa alucinante entrada a la ciudad marciana, puro barroco cósmico
-, y en el repetitivo submundo del género consigue crear un mundo propio.. conforme avanza el desmadre se hace mas patente, con esa guerra interestelar a distancias inabarcables de nuestro planeta, pero muy inspirada en su tercio final entre mutantes, explosiones, civilizaciones desapareciendo, SUSTACOS precedentes de Alien, ahí el film lo da todo y consigue que olvides sus pedestres minutos iniciales.
GROUCHO
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El evangelio según san Mateo, de Pier Paolo Pasolini, 1964
Aproximación fidedigna de la figura de Cristo en base al evangelio de Mateo, quizá el más mesiánico y combativo de todos; razón supongo que es lo que más llamó la atención de alguien con unas ideas políticas de justicia social tan acusadas como Pedro Pablo. Curiosamente en alguien que se autoproclamaba ateo y comunista, la sensación es la de estar hecha por alguien que no las tiene todas consigo en cuestiones religiosas. No ya por temas sociales, en los que el paralelismo es evidente, más bien en la hondísima sensación de espiritualidad que emana en toda la película. Se trata de un film completamente despojado de todo lo accesorio para centrarse en la figura de Jesús a mitad de camino entre lo subversivo y lo puramente emocional. En lo primero es claro el mensaje, magníficamente representado con esa Galilea del siglo I que puede perfectamente parangonarse con cualquier región depauperada de los 60 italianos. El mensaje de Pasolini es perfectamente trasladable, el ataque a los poderosos, la mirada compasiva y cercana de los que sufren y los desheredados (indescriptible el elenco de "actores" amateurs, que consiguen momentos de inusitada ternura); todo ello además realzado con una BSO que aparte de Bach, se atreve con espirituales negros que redondean a la perfección esta idea. En el lado más emocional, es donde la película realmente alcanza una enorme dimensión. Sin duda la parte más compleja, el conseguir atravesar la pura materialidad de lo que vemos, y dotarla de un componente inmaterial y místico enorme. No ayuda un Jesús estrábico y cejijunto pero da igual. Con apenas medios, puede ser realmente la mejor película que se haya hecho sobre la figura de Jesús, en las antípodas de las gazmoñadas de Hollywood o la visión cristiano fanática de un Mel Gibson. Y además acabando como debe, con la frase más enigmática y colosal que han dado los evangelios: "Padre, porque me has abandonado?"; the cagas...
Aproximación fidedigna de la figura de Cristo en base al evangelio de Mateo, quizá el más mesiánico y combativo de todos; razón supongo que es lo que más llamó la atención de alguien con unas ideas políticas de justicia social tan acusadas como Pedro Pablo. Curiosamente en alguien que se autoproclamaba ateo y comunista, la sensación es la de estar hecha por alguien que no las tiene todas consigo en cuestiones religiosas. No ya por temas sociales, en los que el paralelismo es evidente, más bien en la hondísima sensación de espiritualidad que emana en toda la película. Se trata de un film completamente despojado de todo lo accesorio para centrarse en la figura de Jesús a mitad de camino entre lo subversivo y lo puramente emocional. En lo primero es claro el mensaje, magníficamente representado con esa Galilea del siglo I que puede perfectamente parangonarse con cualquier región depauperada de los 60 italianos. El mensaje de Pasolini es perfectamente trasladable, el ataque a los poderosos, la mirada compasiva y cercana de los que sufren y los desheredados (indescriptible el elenco de "actores" amateurs, que consiguen momentos de inusitada ternura); todo ello además realzado con una BSO que aparte de Bach, se atreve con espirituales negros que redondean a la perfección esta idea. En el lado más emocional, es donde la película realmente alcanza una enorme dimensión. Sin duda la parte más compleja, el conseguir atravesar la pura materialidad de lo que vemos, y dotarla de un componente inmaterial y místico enorme. No ayuda un Jesús estrábico y cejijunto pero da igual. Con apenas medios, puede ser realmente la mejor película que se haya hecho sobre la figura de Jesús, en las antípodas de las gazmoñadas de Hollywood o la visión cristiano fanática de un Mel Gibson. Y además acabando como debe, con la frase más enigmática y colosal que han dado los evangelios: "Padre, porque me has abandonado?"; the cagas...
Sorel
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Creo recordar que Pasolini definió a Cristo como el más grande revolucionario de la historia. Hace demasiado que leí el libro donde lo afirmaba, así que es posible que la memoria me traicione; aún así, lo dejó caer por si a alguien le sirve de algo, o tiene recuerdos más frescos.
Upperseven
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LOS COCHES QUE DEVORARON PARIS (The Cars That Ate Paris, 1974 -Peter Weir)
Extrañísimo debut de Peter Weir, rodando una historia en la que los habitantes de un pueblo mantienen un misterio frente al constante devenir de accidentes calculatorios y unos extraños vehículos...Muy desbalazada en lo visual y también a nivel de guión, a ratos simpática, pero en cualquier caso una película que para nada atisba la grandeza del cine de su director en clasicos posteriores
Extrañísimo debut de Peter Weir, rodando una historia en la que los habitantes de un pueblo mantienen un misterio frente al constante devenir de accidentes calculatorios y unos extraños vehículos...Muy desbalazada en lo visual y también a nivel de guión, a ratos simpática, pero en cualquier caso una película que para nada atisba la grandeza del cine de su director en clasicos posteriores
Upperseven
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LA PRIMA ANGÉLICA (1973, -Carlos Saura)
Uno de los mejores films de Carlos Saura, que aquí utiliza modos y recursos afines al cine de Bergman, contando la historia entre dos primos jugando de modo muy interesante con las elipsis, los tiempos y extrayendo unas excelentes interpretaciones de José Luis López Vázquez y Lina Canalejas...La película, tan experimental en ocasiones como siempre lograda, sirve además al director para rememorar vivencias propias y exorcizar fantasmas de la posguerra Española en un ejercicio estilístico muy equlibrado, pausado, pero nunca aburrido
Uno de los mejores films de Carlos Saura, que aquí utiliza modos y recursos afines al cine de Bergman, contando la historia entre dos primos jugando de modo muy interesante con las elipsis, los tiempos y extrayendo unas excelentes interpretaciones de José Luis López Vázquez y Lina Canalejas...La película, tan experimental en ocasiones como siempre lograda, sirve además al director para rememorar vivencias propias y exorcizar fantasmas de la posguerra Española en un ejercicio estilístico muy equlibrado, pausado, pero nunca aburrido
A mí me parece su peor peli, tiene cierta irreverencia de jovenzuelo y un aire amateur apañado, pero parece mentira que venga de un tío que apenas un año después firmaría Picnic en Hanging Rock.
Upperseven
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ENTRE DOS FUEGOS (The Man In The MIddle, 1963 -Guy Hamilton)
Buen ejemplar de film de juicios con aquí un abogado defensor (Robert Mitchum) intentando evitar la condena a muerte de un militar (Keenan Wynn) acusado de matar a sangre fría a un subordinado suyo. Rodada en exóticas localizaciones en la India y con música de un primerizo John Barry, el film es un relato eficaz -Guy Hamilton siempre fue un sólido artesano- que combina la ambientación belica con un reparto lleno de buenos secundarios como Barry Sullivan o Trevor Howard
Buen ejemplar de film de juicios con aquí un abogado defensor (Robert Mitchum) intentando evitar la condena a muerte de un militar (Keenan Wynn) acusado de matar a sangre fría a un subordinado suyo. Rodada en exóticas localizaciones en la India y con música de un primerizo John Barry, el film es un relato eficaz -Guy Hamilton siempre fue un sólido artesano- que combina la ambientación belica con un reparto lleno de buenos secundarios como Barry Sullivan o Trevor Howard