Mensch Maschine
Santur
La obra maestra de Hill es la reescritura del guión de Alien y su secuela, y lo sabéis 
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Un saludete.
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Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
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Upperseven
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LA CELDA (The Cell, 2000 -Tarsem Singh)
Curioso, visualmente fascinante y muy reivindicable thriller de cambio de milenio dirigido por el tótem de la publicidad y los videoclips Tarsem. Parte de una idea francamente original: Hacer una variante del thriller noventero, con una doctora (Jennifer López) que logra introducirse en el subconsciente de un asesino (Vincent D´Onofrio) y compartir un mismo espacio, para intentar descubrir donde éste tiene atrapada a una víctima. El film que en su guion ofrece una mayor fragilidad (aunque es una idea bastante bien explorada) logra ser un festín visual al que tal vez le falte algo de intriga, pero que acaba funcionando muy bien en la exploración del mundo del subconsciente y sueños, gracias a una indiscutible belleza en los escenarios y la creación de unas imágenes que en ocasiones parecen una cátedra sobre el encuadre cinematográfico. No estamos obviamente ante una película perfecta y tal vez es en el último tercio donde el film flojea algo, pero eso no eso no quita que estemos probablemente ante una de las propuestas más originales que surgieron en este sub género nacido a la sombra de clásicos como "Seven" y "El Silencio de Los Corderos"
alguien sabe que fue antes el disco o la peli?... es que me parece tan increible tanto temazo junto para esta peli... hicieron el disco ex-profeso para la peli? o es un rollo Amelie que ya estaban la mayoria de las canciones y las calzaron en el peli...FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE (Saturday Night Fever, 1977 -John Badham)
Uno de los grandes éxitos comerciales del cine Americano de los setenta y toda una joya a reivindicar, ya que propone una lograda mezcla de cine musical y drama social...Quve aun hoy en día mantiene su fuerza. Mítica por su banda sonora musical (Bee Gees y sus temas de discoteca) pero también muy profunda en los temas que aborda, el retrato del personaje principal (gran John Travolta como Tony Manero) y su descripción de la sociedad urbana de aquellos años
stolto
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Si, los Bee Gees fueron los encargados de la banda sonora de la película. Está de más decir que hicieron un trabajo espectacular.
Enviado desde mi SM-J600G mediante Tapatalk
Mensch Maschine
Santur
Por lo que cuentan en los making of, es más lo del rollo Amelie, mezclaron temas preexistentes con otros nuevos que los Bee Gees estaban preparando en ese momento, y supongo que los adaptaron para la peli. No olvidemos que la peli la produjo Robert Stigwood, que era mánager del grupo, y por tanto la peli estaba concebida en parte para darles un empujón comercial, a ellos y al estilo disco en general, que por entonces no acababa de cuajar en el mainstream por su carácter un tanto extravagante (esas versiones bailongas de temas de música clásica), y por su asociación con la música negra y el ambiente gay. El resto, como se suele decir, es historia.
Un saludete.
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tonirocker
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Solo los temas de Bee Gees se hicieron para la pelicula, los demas temas son contemporaneos o anteriores a la epoca en la musica disco.
Raven
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Obviamente, aterriza como puedas.
Upperseven
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EXPLORADORES (Explorers, 1985 -Joe Dante)
Simpático film ochentero de Joe Dante, rodado justo después de su enorme éxito con "Gremlins" que aquí mantiene ese tono juvenil -con tres niños, casi preadolescentes- marginados de instituto americano de aquellos tiempos, que se alían para construir una nave espacial y acaban contactando con unos extraterrestres que le dan les dan la posibilidad y viajar al espacio. Una película que nos se puede negar que mantiene ritmo y es muy simpática ,especialmente conseguida en el retrato de unos personajes bien definidos que Dante sabe mostrar con cariño y también gracias a la suma de buenos efectos especiales (aún mantienen el tipo por encima de la parafernalia digital actual) o la tercera colaboración Dante & Jerry Goldsmith que aquí firma otra de esas partituras de antología...Aunque todo hay que decirlo, el film se desinfla algo en su último tercio , cuando los adolescentes llegan a la nave extraterrestre y ahí el chiste final -que tiene su gracia- queda diluido por un exceso de metraje y un final algo extraño y desangelado.
stolto
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Halloween II (2009)
Anoche me vi la segunda de Halloween de Rob Zombie, y la verdad me gustó. El mundo creado por Zombie, junto a su atmósfera y personajes, me ha parecido muy bien representado. Las escenas de persecución y de muerte están bastante brutales. Me atrevo incluso a decir que es, en parte, superior a su antecesora, por ser más firme y creativa en todos sus elementos.
Harkness_666
Son cuatro
C.R.A.Z.Y., de Jean-Marc Vallée
Historia de una familia católica y de clase media de Quebec durante tres décadas centrada en uno de los cinco hijos adolescentes, nacido el día de navidad y que viene al mundo con un supuesto don del Señor que le hace diferente a los demás… y así será, aunque no de la manera esperable, sino por una marcada inclinación gay que complica para siempre su relación con su progenitor, hipermacho a la usanza tradicional e idealizado desde la óptica infantil, en una época en la que tal posibilidad es a todas luces inaceptable.
En este hogar numeroso y disfuncional, donde vienen al mundo los hijos que tengan que venir, no falta la sacrificada madre como eterno ángel de la casa, ni tampoco un hijo díscolo prontamente arrastrado por la mala vida y adicto a las drogas. Entre lo cómico (chistecitos maliciosos sobre sexo anal), lo costumbrista y los hechos tristes que pueden suceder hasta en las mejores familias, la pérdida de un ser querido es también la muerte de una época. El protagonista oscila entre cierta rebeldía contra el ambiente en que se ha criado y la obediencia y el amor filial debidos y sinceros. Comprensiva con todas las partes, en ningún caso es la película una crítica de una institución represora sino más bien lo contrario. No trata tanto sobre ser marica como sobre los vínculos, el perdón y el difícil camino hacia la aceptación de los otros, siempre precaria y momentánea pero necesaria. Cual “Cuéntame” canadiense, parece que estemos, de hecho, ante un compendio de temas polémicos pero convenientemente enfocados de manera amable y para no incomodar más de la cuenta, prueba de ello es el muy pudoroso tratamiento de lo gayer.
El trasfondo de rechazo y a la vez de búsqueda religiosa autodestructiva sale al encuentro de un realismo mágico con visiones y demás elementos oníricos que quizá sean lo que peor ha envejecido, a veces horteras en exceso o vacuos. A cambio, una banda sonora y un imaginario nostálgico muy bien recreado y que contribuye a la trama; la brecha entre los hijos, con sus Rolling, su Bowie y sus Pink Floyd, el padre, con Charles Aznavour y Patsy Cline… el vinilo de esta última viene a ser casi el corazón de la película en su simbolismo, cuya ruptura no tan accidental precipita el daño irreparable del lazo afectivo, un daño que finalmente habrá que asumir porque así son las cosas y las personas. O cómo lo cargan de significado esas iniciales que forman el título, la visión edulcorada y a desmitificar, un tanto posesiva, del varón hacia su imperfecta descendencia, por la cual sin embargo se desvive, pues es más vulnerable de lo que aparenta tras la fachada de tipo duro (en el fondo le jode que su hijo favorito sea el sarasa, y al mayor le consiente simplemente porque se ajusta mejor a su rol de virilidad extrema...). Como también se cargan de significado unas tostadas, literalmente, “a la plancha”.
El director podemos decir que toma de lo bueno (el montaje hábil y la ambientación de un Scorsese o PTA) y de lo menos bueno (Velvet goldmine y su exceso esteticista); he echado en falta mayor protagonismo del resto de hermanos, muy relegados a un papel secundario, y se le va un poco de las manos ese exótico viaje final a tierra santa, incluyendo travesía del desierto y a un Jesucristo que no es “ecce homo” sino “homo” a secas, vaya…
Historia de una familia católica y de clase media de Quebec durante tres décadas centrada en uno de los cinco hijos adolescentes, nacido el día de navidad y que viene al mundo con un supuesto don del Señor que le hace diferente a los demás… y así será, aunque no de la manera esperable, sino por una marcada inclinación gay que complica para siempre su relación con su progenitor, hipermacho a la usanza tradicional e idealizado desde la óptica infantil, en una época en la que tal posibilidad es a todas luces inaceptable.
En este hogar numeroso y disfuncional, donde vienen al mundo los hijos que tengan que venir, no falta la sacrificada madre como eterno ángel de la casa, ni tampoco un hijo díscolo prontamente arrastrado por la mala vida y adicto a las drogas. Entre lo cómico (chistecitos maliciosos sobre sexo anal), lo costumbrista y los hechos tristes que pueden suceder hasta en las mejores familias, la pérdida de un ser querido es también la muerte de una época. El protagonista oscila entre cierta rebeldía contra el ambiente en que se ha criado y la obediencia y el amor filial debidos y sinceros. Comprensiva con todas las partes, en ningún caso es la película una crítica de una institución represora sino más bien lo contrario. No trata tanto sobre ser marica como sobre los vínculos, el perdón y el difícil camino hacia la aceptación de los otros, siempre precaria y momentánea pero necesaria. Cual “Cuéntame” canadiense, parece que estemos, de hecho, ante un compendio de temas polémicos pero convenientemente enfocados de manera amable y para no incomodar más de la cuenta, prueba de ello es el muy pudoroso tratamiento de lo gayer.
El trasfondo de rechazo y a la vez de búsqueda religiosa autodestructiva sale al encuentro de un realismo mágico con visiones y demás elementos oníricos que quizá sean lo que peor ha envejecido, a veces horteras en exceso o vacuos. A cambio, una banda sonora y un imaginario nostálgico muy bien recreado y que contribuye a la trama; la brecha entre los hijos, con sus Rolling, su Bowie y sus Pink Floyd, el padre, con Charles Aznavour y Patsy Cline… el vinilo de esta última viene a ser casi el corazón de la película en su simbolismo, cuya ruptura no tan accidental precipita el daño irreparable del lazo afectivo, un daño que finalmente habrá que asumir porque así son las cosas y las personas. O cómo lo cargan de significado esas iniciales que forman el título, la visión edulcorada y a desmitificar, un tanto posesiva, del varón hacia su imperfecta descendencia, por la cual sin embargo se desvive, pues es más vulnerable de lo que aparenta tras la fachada de tipo duro (en el fondo le jode que su hijo favorito sea el sarasa, y al mayor le consiente simplemente porque se ajusta mejor a su rol de virilidad extrema...). Como también se cargan de significado unas tostadas, literalmente, “a la plancha”.
El director podemos decir que toma de lo bueno (el montaje hábil y la ambientación de un Scorsese o PTA) y de lo menos bueno (Velvet goldmine y su exceso esteticista); he echado en falta mayor protagonismo del resto de hermanos, muy relegados a un papel secundario, y se le va un poco de las manos ese exótico viaje final a tierra santa, incluyendo travesía del desierto y a un Jesucristo que no es “ecce homo” sino “homo” a secas, vaya…
Upperseven
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COPITO DE NIEVE (2009 -Andrés G. Schaer)
Extravagante película de animación producida y realizada en España y que toma como excusa el personaje real de "Copito de nieve", esto es el gorila albino que fue muy popular en el zoológico de la ciudad condal. La película, que tiene una trama sencillísima, está perjudicada por unos acabados técnicos bastante limitados y en los que se nota mucho la distancia que puede haber entre una producción americana y una producción española... Probablemente en la actualidad esto ya no ocurre tanto. Por lo demás, es una película de animación sencillísima en la que destacaría la buena banda sonora de Zacarías de la Riva y la presencia cómica eficaz del siempre notable Pere Ponce.
Última edición:
Upperseven
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KIKI, LA APRENDIZ DE BRUJA (Majo no takkyûbin, 1989 -Hayao Miyazaki)
Excelente film de animación del maestro Hayao Miyazaki que narra de una manera muy sencilla y a la vez entrañable la historia de una joven bruja que -como sigue la tradición en su familia- a los 13 años tiene que estar viviendo durante doce meses alejada de su entorno, en un proceso de maduración y crecimiento personal. El film, con una animación magnífica y la típica imaginería visual del maestro japonés es un compendio de las mejores virtudes del cine de este autor emblemático. Haciendo un perfecto retrato del personaje protagonista, en un balanceado equilibrio entre el realismo ,la fantasía y unos personajes tan entrañables como bien dibujados. Ayuda para rematar el conjunto una excelente banda sonora del ya habitual en aquellos tiempos Joe Hisaishi
The Immaculate Room (2022)
Una pareja se mete en una habitacion aislada durante 50 dias para ganar 5Millones, si alguno abandona el que se quede hasta el final ganaria solo 1 millon. Como no podia ser de otra manera la parejita tiene sus traumas personales que haran que se les valla la pinza y la aparicion de un arma en la habitacion no ayudara mucho. Por suerte tienen la opcion de tirar de "regalos", dos por cada uno, pero que restaran dinero al premio. Uno de los "regalos" sera la aparicion de una muchacha en forma de Ashley Greene sin ropajes para animar la pelicula. Asi que la cosa se ira torciendo a medida que los traumas parejiles van aflorando.
Una idea sobre el papel que podria ser interesante pero que se queda en eso, una idea.
Una pareja se mete en una habitacion aislada durante 50 dias para ganar 5Millones, si alguno abandona el que se quede hasta el final ganaria solo 1 millon. Como no podia ser de otra manera la parejita tiene sus traumas personales que haran que se les valla la pinza y la aparicion de un arma en la habitacion no ayudara mucho. Por suerte tienen la opcion de tirar de "regalos", dos por cada uno, pero que restaran dinero al premio. Uno de los "regalos" sera la aparicion de una muchacha en forma de Ashley Greene sin ropajes para animar la pelicula. Asi que la cosa se ira torciendo a medida que los traumas parejiles van aflorando.
Una idea sobre el papel que podria ser interesante pero que se queda en eso, una idea.
Upperseven
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LA BELLA Y AL BESTIA (La Belle Et la Bete, 1946 -Jean Cocteau)
Excelente versión cinematográfica de la obra de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, que en esta ocasión fue abordado por Jean Cocteau, artista poeta multidisciplinario francés , que ya en aquellos tiempos era considerado prácticamente un genio por el resto de sus coetáneos. El film pues, es una traslación personal de un cuento infantil pasado por la imaginería desbordante de este creador...Que obtiene un film muy vistoso visualmente y con secuencias antológicas en las que la feliz conjunción del buen trabajo fotográfico y la magnífica música de Georges Auric, amén de las buenas interpretaciones (Jean Marais en un doble papel) logra ser un clásico del género, al que, tal vez podríamos poner la pega de una tendencia a lo kitsch, siempre superado por a la gran poética visual que tiene
KIKI, LA APRENDIZ DE BRUJA (Majo no takkyûbin, 1989 -Hayao Miyazaki)
Excelente film de animación del maestro Hayao Miyazaki que narra de una manera muy sencilla y a la vez entrañable la historia de una joven bruja que -como sigue la tradición en su familia- a los 13 años tiene que estar viviendo durante doce meses alejada de su entorno, en un proceso de maduración y crecimiento personal. El film, con una animación magnífica y la típica imaginería visual del maestro japonés es un compendio de las mejores virtudes del cine de este autor emblemático. Haciendo un perfecto retrato del personaje protagonista, en un balanceado equilibrio entre el realismo ,la fantasía y unos personajes tan entrañables como bien dibujados. Ayuda para rematar el conjunto una excelente banda sonora del ya habitual en aquellos tiempos Joe Hisaishi
Siempre he pensado que es una de las películas más infravaloradas de Miyazaki. Me parece muy entrañable y tierna. Me encanta que el conflicto (por llamarlo de algún modo) sea puramente interno, y la música de Hisaishi me parece maravillosa.
Shatranj-e Baad / Chess of the Wind (Mohammad Reza Aslani. 1976)
uf, empieza un poco pesada pero poco a poco se va convirtiendo en una cosa absorbente, una trama criminal habitual, en torno a una familia y una herencia de por medio, con conspiración y asesinato en un espacio cerrado, una casa; pero con una cinematografía deslumbrante y una atención al espacio que convierte cada escena en algo delicadísimo, luego tiene planos increíbles e inesperados del patio; hacia el final la trama se convierte en algo negrísimo (me ha recordado a El extraño Viaje o Diabólicas) y la secuencia final, deslumbrante, saliendo del recinto y abriéndose al escenario real, el Irán inmediatamente anterior a la revolución, la convierten en un producto extrañísimo, es una cinta con un color y un tono muy especial, pero sobre todo, rodada con tiralíneas.
uf, empieza un poco pesada pero poco a poco se va convirtiendo en una cosa absorbente, una trama criminal habitual, en torno a una familia y una herencia de por medio, con conspiración y asesinato en un espacio cerrado, una casa; pero con una cinematografía deslumbrante y una atención al espacio que convierte cada escena en algo delicadísimo, luego tiene planos increíbles e inesperados del patio; hacia el final la trama se convierte en algo negrísimo (me ha recordado a El extraño Viaje o Diabólicas) y la secuencia final, deslumbrante, saliendo del recinto y abriéndose al escenario real, el Irán inmediatamente anterior a la revolución, la convierten en un producto extrañísimo, es una cinta con un color y un tono muy especial, pero sobre todo, rodada con tiralíneas.
Upperseven
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EL SABOR DE LA VENGANZA (1963 -Joaquín Luis Romero Marchent)
Uno de los mejores westerns jamás rodados por el director Joaquín Luis Romero Marchent y sin duda una demostración de su gran talento como narrador cinematográfico -todavía no suficientemente valorado a nivel crítico e histórico- y es que este director de género, que se especializó durante muchos años en películas de género western rodadas en Almería (siendo prácticamente el descubridor de este paisaje cinematográfico) y también films de corte aventurero, es una figura de nuestro cine que merece ser reivindicada en su totalidad. El film presenta una estructura narrativa muy clásica y una puesta en escena que bebe del cine americano. Siendo un western por lo tanto mucho más cercano a John Ford o a Anthony Mann que a las películas italianas de género que llegarían rápidamente a partir de 1964.. Solo por su planificación visual y el gusto con el que Marchent retrata y compone las escenas, las coreografías, la colocación de los personajes en el espacio, el juego con los ejes...Estamos ante un clásico que merece ser reivindicado, amén de presentar a dos personajes muy interesantes -esos dos hermanos que buscan la venganza generada por la muerte de su padre en manos de unos bandidos- entendiéndola de modo muy distinto: El uno de un modo mucho más sentimental (Robert Hundar) y el otro en un modo mucho más frío (Richard Harrison) en un film como digo muy reivindicable, enérgico y notabilísimo de nuestra filmografía
Raven
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Es una de sus películas mas fordianas, desde luego. Temáticamente la cara de la cruz que es Chihiro.
¿A que te refieres con que es la más Fordiana?
Two-minute warning / Pánico en el estadio (Larry Peerce. 1976)
la verdad es que es un espectáculo, lo mejor es cómo Peerce, al igual que en El Incidente, maneja la tensión, durante un buen rato te preguntas cuánto tardarán en resolver el asunto; como thriller funciona perfecto aunque sobra un poco las historias secundarias de varios personajes, en la línea de cierto cine de la época; llama la atención, para bien, la sequedad de la peli, rodada hoy tendría varios momentos videocliperos estúpidos; y bueno, ver a Cassavetes haciendo de actor mercenario siempre es un placer; sin duda sus 20 explosivos minutos finales son gloriosos amén de las numerosas tomas de la segunda unidad en torno al estadio, tomas aéreas, étc...
la verdad es que es un espectáculo, lo mejor es cómo Peerce, al igual que en El Incidente, maneja la tensión, durante un buen rato te preguntas cuánto tardarán en resolver el asunto; como thriller funciona perfecto aunque sobra un poco las historias secundarias de varios personajes, en la línea de cierto cine de la época; llama la atención, para bien, la sequedad de la peli, rodada hoy tendría varios momentos videocliperos estúpidos; y bueno, ver a Cassavetes haciendo de actor mercenario siempre es un placer; sin duda sus 20 explosivos minutos finales son gloriosos amén de las numerosas tomas de la segunda unidad en torno al estadio, tomas aéreas, étc...
Yo la vi cuando la sacaron en Blu-Ray por aquí (maravillosa edición de Reel one) y me quedé bastante satisfecho, aunque me chocó cierta moralina, y es que, de los personajes que se perfilan como secundarios, al final el francotirador se carga a los, digámoslo así, más moralmente reprobables, lo cual es un poco
El final también me pareció algo anti-climático.En cualquier caso, una película que se toma su tiempo en presentar personajes, presentar la situación y crear un clima de tensión, sabes que va a pasar algo, pero no cuando, ni a quien, que tiene a dos estupendos Heston y Cassavettes más el plantel de secundarios de época habituales, y un final de alto voltaje... vale la pena.
Raven
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Una de ella, no la más. A ver, yo vi Porco Rosso en el cine allá en... ¿1994-95? y salí convencido de que Miyazaki adoraba en un altar a John Ford. Todo el mundo hablaba de Solo los Angeles Tienen Alas por el tema de la aviación y a mi me parecía un crimen no ver al tuerto en cada fotograma.
Poco tiempo después Miyazaki desvelaba en una entrevista que Ford era su director favorito.
A mí siempre me ha parecido evidente que Miyzaki es puro Ford. Películas como Kiki y El Hombre Tranquilo van de la mano. Ese amor por los personajes secundarios tan idiosincráticos y por la relación cálida entre ellos, convertidos en el corazón de la película... No importa de qué vaya la película, esa atención tan primaria por hasta los más secundarios de los personajes es muy fordiana. Un tipo como Hawks se centraba en un grupo concreto, pero el viejo John los creaba a mansalva y le importaba hasta el que solo tenía media línea. Los trataba a todos como a protagonistas. Con Kurosawa hay que rascar más, pero con Hayao es que le es imposible esconderlo.
Ropit
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Behind the painting (2001, Cherd Songsri). Se trata de la película preferida de Miguel Marías de este siglo XXI, un melodrama tailandés, como de otra época (su director ya tenía 70 años cuando la hizo y está basada en una novela del 37, bastante famosa en su país), muy directo en su puesta en escena y sus asociaciones, se recrea en el enamoramiento y lo funde con la belleza (filmada de manera naturalista, nada manierista) del paisaje propio del Japón en dónde se produce, el eterno choque entre el deber y los instintos, con una mirada muy cálida a todos los personajes, contrariamente a las películas a las que se puede parecer en temática, como son los melodramas británicos de época, aquí no hay personajes negativos ni antagonistas.
Una delicia anacrónica.
Una delicia anacrónica.