RAOUL WALSH.

Río de plata (Silver River, 1948) de Raoul Walsh.

Excelente western de Walsh, quizá no tan reputado como otros suyos pero totalmente impecable. Errol Flynn da vida a uno de los personajes más amorales que recuerdo en el género con suma facilidad: un especulador con las minas de plata tan simpático como cabrón. Particular es también su explícito homenaje temático a historias de la Roma Clásica. Y encima sale Thomas Mitchell, para redondear el resultado.
 
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"Sin conciencia" (The Enforcer, 1951). Figura como director Bretaigne Windust en los créditos, pero fue Raoul Walsh (no acreditado) quien rodó casi toda la película.

Es una película de cine negro sencillamente DESCOMUNAL. Desde ya es una de mis favoritas de Walsh. Un gran Bogart interpreta a un fiscal agresivo y tenaz cuyo objetivo es condenar al mafioso Mendoza, quien formó una organización del crimen. Para ello, captura a un criminal llamado Rico (antiguo sicario a las órdenes de Mendoza) del que pretende que testifique en un tribunal, pero Rico se niega en rotundo, pues está atemorizado por las represalias, temiendo por su propia vida. El primer tercio de la película es brutal, absolutamente asfixiante y claustrofóbico, ya que percibimos el terror del testigo en combinación con la actitud firme y fría de la policía que le custodia y del fiscal. Personajes situados en las dependencias opresivas de un edificio de la fiscalía.

Después asistimos a una compleja estructura narrativa en forma de flash-backs dentro de flash-backs mediante los que se nos cuenta cómo operaba la organización criminal y el destino fatal de sus integrantes. Esta narrativa en manos de Walsh es dinámica, ágil, diáfana, limpia, seca y directa. Lo difícil parece fácil. Y todo avanza con gran pulso y ritmo, de modo imparable, con una fuerza enorme. Por no hablar del clima violentísimo, de muerte y de miedo que impregna la historia a base del uso del off visual y de las enérgicas interpretaciones de los actores, capaces de reflejar en sus gestos y acciones un conglomerado de terror, crueldad, decadencia o patetismo. Actuaciones muy físicas que dotan de empaque a los personajes.

Indispensable.
 
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Pensando en el cine de antes y de ahora, lo normal (con el riesgo de generalizar, claro está) sería que ahora se necesitara dos horas (o dos horas y pico largas) para contar lo mismo que contó Walsh en su momento. El pulso narrativo de este cineasta era bestial. En "Sin conciencia", no hay plano que sobre. Todo tiene una función muy clara al servicio de la historia, sin rodeos ni redundancias ni elementos accesorios. Una virtud que está muy en desuso hoy en día por culpa del cine hipertrofiado que nos rodea.
 
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Hace mucho que la vi, pero la recuerdo redonda.

El testigo del principio era un estupendo Ted de Corsia, si no recuerdo mal, uno de esos excelentes secundarios típicos de este tipo de productos criminales.

Y el villano, el tal Mendoza...

¿Era un hombrecillo calvo que parecía un don nadie? Esa revelación de como era físicamente el villano era brutal, si no me estoy equivocando de película.
 
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Duke, sí, así es. En este sentido, es muy curioso el contraste que se produce entre lo que en principio nos imaginamos y lo que después veremos: Mendoza queda en off al principio, pues está recluido en su celda (Walsh nos oculta el personaje) y sólo lo conocemos por lo que dice Rico y lo que siente (aquí, Rico teme a Mendoza a rabiar y lo define como alguien "no humano"). Nos imaginamos que es el diablo en persona. Más tarde, ya veremos realmente al tal Mendoza y cómo empezó su organización criminal.

Algo parecido sucede con Rico. Al comienzo lo vemos como un personaje débil, patético y temeroso. Sin embargo, en los flash-backs lo vemos de otro modo: como un tipo fuerte, decidido y brutal.

Es una película que no deja de sorprenderte y de arrollarte con su movimiento continuo.
 
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Me apunto esta peli, Max.

Max Renn dijo:
Pensando en el cine de antes y de ahora, lo normal (con el riesgo de generalizar, claro está) sería que ahora se necesitara dos horas (o dos horas y pico largas) para contar lo mismo que contó Walsh en su momento
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Eso es lo que yo pensé cuando vi "Retorno al pasado". Son pelis directas y con un empleo excelente del ritmo y la duración del metraje. Ejemplos a imitar para cualquier director y sin necesidad de dilatar los posibles finales que puedan tener.
 
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Gente como Walsh, Tourneur, Boetticher, Karlson, Joseph H. Lewis, etc... Gente capaz de NARRAR con una eficacia abrumadora, con los elementos precisos. Maestros absolutos.

Por cierto, es muy recomendable el libro sobre Walsh de la Colección Nosferatu. Con textos de Losilla, Casas, Latorre, Cueto, Aldarondo, AJN y compañía. Es un recorrido muy interesante por la trayectoria del director, analizando sus constantes, su estilo y sus temáticas y comentando en especial sus películas más importantes. Vamos, que es una compra de la que no os podéis arrepentir.

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Yo también apoyo la recomendación de Max. En los últimos años de su vida y una vez retirado del cine, Walsh escribió una autobiografía en la que repasa su azarosa vida. Lo único malo es que no se detiene demasiado en su experiencia cinematográfica ni el los rodajes. Creo que su cine es fundamentalmente pragmático y eso explica su solidez narrativa.
 
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He visto Juntos Hasta la muerte y leyendo este hilo poco más se puede añadir, una mezcla apasionante de lo mejor del cine negro ( unos dialogos fabulosos, secos y cortantes como pocos), personajes turbios y presencia constante de un destino trágico e inevitable.

Joel McCrea es un actor que siempre es un placer ver, poco glamuroso quizá, pero que siempre aporta una sobriedad y dignidad reconfortante y Virginia Mayo que siempre la había tenido por feilla aquí está de lo más sugerente.

Walsh narra yendo al grano, de forma muy elíptica y enérgica.

Hace mucho que no veo El último refugio, pero creo recordar que el personaje de la chica que no le hacía caso a Bogart era bastante diferente ¿no? una cojita pánfila o algo así. Aquí la hija del granjero traidora ha sido de lo que más me ha gustado, pelea de gatas incluida.

Muy grande.
 
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Los violentos años veinte

Finalizada la primera guerra mundial, tres jóvenes que combatieron juntos regresan a casa. Ante el desempleo y la falta de oportunidades, ven en el crimen una oportunidad para prosperar.

Crónica sobre el mundo del hampa a lo largo de una década convulsa, y relato sobre el ascenso y la caída de un gángster donde lo que vemos nos suena gracias al cine de gente como Scorsese o Coppola, que reutilizan su esquema, personajes y situaciones muchos años después. Aunque no destaque por una personalidad marcada, Raoul Walsh es uno de esos narradores natos que saben contar cualquier historia con efectividad y sentido del ritmo, mediante pequeños detalles que engrandecen el conjunto (el gesto de la mano durante la actuación musical), y describiendo a los personajes de manera rápida y precisa, incluidos unos secundarios (el taxista, la socia) que no tienen nada que envidiar a los protagonistas en cuanto a buena definición. Poco más de hora y media le hace falta para desarrollar una historia incluso épica, que impacta con su violencia seca, que emociona con su desgarrador final. James Cagney interpreta a un tipo duro y astuto, pero con un lado humano, vulnerable, mientras que Bogart le da la réplica como individuo siniestro y sin escrúpulos.

Toda una obra maestra del género criminal. Para no perdérsela.
 
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Raoul Walsh es uno de esos narradores natos que saben contar cualquier historia con efectividad y sentido del ritmo, mediante pequeños detalles que engrandecen el conjunto (el gesto de la mano durante la actuación musical), y describiendo a los personajes de manera rápida y precisa, incluidos unos secundarios (el taxista, la socia) que no tienen nada que envidiar a los protagonistas en cuanto a buena definición.
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Creo que tiene mucho que ver con la propia concepción de la vida de Walsh. Era un hombre de ir al grano. En todas sus películas se aprecia una consistencia narrativa asombrosa. No sé si tendrá que ver también con sus inicios en el cine mudo.
 
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Una de las últimas suyas que descubrí fue Los implacables, una mezcla fabulosa de aventura, romance y comedia. Una maravilla.
 
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Harkness, qué retahila de títulos llevas, compadre. Envidia de la "güena". Leerte es un placer, amigo. No falte usted.

Avner, ya te echaba yo de menos.
 
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Gracias! últimamente estoy haciéndome un recorrido por directores que tenía bastante olvidados, o de los que, directamente, no había visto nada aún (como Walsh) y la verdad es que lo disfruto enormemente.
 
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Eso es lo que me pasa a mi con los ciclos. Los disfruto mucho por descubrir títulos que no tenía vistos o que descubro y también porque los que redescubro encuentro cosas muy válidas. Pero es que me gusta mucho (y no es peloteo en absoluto) la forma en como expones las críticas, con mucho matiz, mucho dato y con mucho entusiasmo y eso le da mucho valor al foro. ;)
 
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Avner, ya te echaba yo de menos.
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Gracias Atre. Yo a tí no...porque ya sabes que no dejo de vigilar desde las sombras :p
La verdad es que últimamente sólo me da por comentar si me ha enervado especialmente alguna peli, ya sea Anna Karenina, Amor, Skyfall etc..lo que no es la mejor manera de hacer amigos jeje.

Por cierto que me acordé de ti viendo Wreck it Ralph, que me encantó. Y esa dichosa niña me puso el nudo en la garganta más de una vez, lo reconozco.

Bueno, puedes borrar esto, o moverlo al hilo del forochateo o algo, que el gran Walsh no tiene porque mezclarse en nuestras declaraciones de amor jajaja. Un abrazo.
 
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UN REY PARA CUATRO REINAS (The King and Four Queens, 1956 -Raoul Walsh)...............Extraño western, francamente entretenido y rodado con la solidez habitual del gran Walsh, en el que el director se permite un tratamiento casi de comedia en un entorno de cine del oeste. El resultado es muy simpático, probablemente no estamos ante el mejor de los films del maestro, pero si una película entretenidisima, sólida (y corta ademas, dura menos de 90 minutos) gracias a una trama en la que su protagonista (un maduro e irónico Clark Gable) establece un juego de seducción sobre cuatro mujeres...Y un dinero escondido
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No te preocupes, Avner. Un post tampoco se convierte automáticamente en forochateo (y gracias por la parte que pertoca). ;)
 
geminis dijo:
Objetivo Birmania (1945)

Película alumbrada al calor de la Segunda Guerra Mundial lo cual explica algunos excesos panfletarios. Lo que pasa es que Walsh no se queda en lo más obvio y realiza un impecable retrato de la supervivencia humana. Antológicos son sus movimientos de cámara descibriendo con trazos rápidos y precisos a la soldadesca. Walsh entiende que lo verdaderamente importante de la pelicula es el retrato humano de los soldados, la acción se supedita al progreso de la narración. Todo ello rodado en un parque literalmente. En resumen, no se puede obtener más con menos elementos.
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Cito este post porque acabo de revisar la película, que vi hace lustros, y efectivamente coincido: es una película absolutamente patriótica que ensalza a los combatientes americanos hasta la condición de héroes y trata a los "japos" como demonios sanguinarios. Se rodó durante la II Guerra Mundial y es perfectamente entendible la ideología de la película en el contexto del momento. El panfleto cinematográfico tenía que aleccionar y levantar la moral del público. El cine como terapia social. Incluso como instrumento educativo.

Pero, siendo conscientes de ello (y asumiéndolo), lo importante y lo que destaca por encima de todo es la maestría del gran Raoul Walsh, capaz de rodar la película en Central Park (!!!) y lograr que nos dé la sensación de que verdaderamente la localización no es otra que la selva birmana. Usando insertos documentales y con una habilidad increíble en la puesta en escena para dar el pego, Walsh soluciona el quid del argumento (la misión de destrucción de un radar japonés) bastante ANTES de la mitad de la película, y a partir de ahí, ya liberado de seguir explicando la misión, se centra en lo que le interesa: el relato del sufrimiento humano de unos soldados que han de atravesar a pie la jungla luchando contra los elementos naturales y contra un enemigo más numeroso. Con su habitual pulso narrativo, y con una fenomenal fotografía del "chino" James Wong Howe (atención al ataque nocturno), Walsh nos conduce a una aventura bélica de gran fisicidad y de profundo agotamiento que, dejando aparte el obvio mensaje maniqueo, encuentra resquicios para reflejar el horror más indescriptible de la guerra, como en el caso de la matanza encarnizada de algunos soldados (atención a la carnicería que se sugiere -sin mostrarla- sobre los americanos, que han sido torturados y, se entiende, prácticamente descuartizados hasta no poder identificar los cuerpos si no es por la placa).


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El cine como terapia social. Incluso como instrumento educativo.
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Más que educativo sería panfletario. Lo que sucede es que, como bien dices, una vez asumidas las reglas de juego, la película tiene otras cosas que hacen que el trabajo de Walsh sea enorme. Trasciende el propio material que tiene entre manos...

Un grande el Walsh este.
 
Duke dijo:
Max Renn dijo:
lo que destaca por encima de todo es la maestría del gran Raoul Walsh, capaz de rodar la película en Central Park (!!!)
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Más que Central Park, lo que se ve son los estudios y el rancho de la Warner, además del jardín botánico de Los Ángeles.

http://www.imdb.com/title/tt0037954/locations?ref_=tt_dt_dt
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Ah, coño, entonces me he documentado mal. Alguna crítica de por ahí habla de Central Park. :doh

Bueno, en cualquier caso es tremendo el aprovechamiento del lugar. Da una gran impresión de selva inhóspita. Incluso hay planos largos en los que se ve a los soldados a lo lejos, como hormiguitas que atraviesan esforzadamente la jungla.
 
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También revisé la increíble "Los violentos años 20".

Obra total. :hail

Es la crónica de una época violenta, la década de los 20, con la incidencia decisiva de la vuelta de la Guerra y la difícil reinserción laboral y personal de los soldados, la Ley Seca, el poder de los gangsters, la crisis económica, la corrupción, etc... En este contexto histórico explicado frenéticamente mediante breves acotaciones documentales, asistimos a una estructura clásica de ascenso y caída del gangster, a un entramado de amores cruzados pasionales y no correspondidos y a un amargo final de una vida condenada por el cambio de los tiempos. Por eso, finalmente tiene un carácter crepuscular, como de finiquito de la edad dorada del gangsterismo.

La película es absolutamente memorable por lo que tiene de trepidante repaso histórico, por la excepcional definición de personajes y por la dirección del maestro Walsh, siempre fluida y vigorosa, narrando con gran fuerza una historia de gran carga emotiva en 104 minutos vibrantes. Y por un par de personajes masculinos brutales: Cagney y Bogart desprenden una energía inusitada. Es alucinante cómo hacen uso de una interpretación corporal, física. Parecen reactores. Tipos sin cuerpos de armario empotrado, ni siquiera de tamaño considerable, pero da igual porque su escasa estatura no les impide tener una presencia rotunda: Cagney despliega un repertorio acojonante, logra que pienses que está a punto de estallar... o de hundirse. Su interpretación combina lo violento con lo sensible de una manera asombrosa. Y Bogart es una alimaña, un tipo sin escrúpulos, un físico fibroso y delgado, un rostro malvado.

La influencia de esta película del 39 en el cine posterior es tremenda. Yo diría que no ha sido superada. Y tampoco ha habido ni habrá final mejor, con ese fulgurante estallido de violencia y ese simbólico acto auto-redentor.
 
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